Эскизы средних тату. Аниме «Тетрадь смерти
Персонаж манги и аниме «Тетрадь смерти», а также фильмов и компьютерных игр по мотивам манги. Бог смерти, из-за скуки подбросил в мир людей «Тетрадь смерти» — артефакт, который служит для убийства людей. Чтобы человека настигла смерть, достаточно вписать имя этого человека в Тетрадь смерти. Затем развлекался, наблюдая за , японским школьником, который подобрал тетрадь и стал использовать, убивая преступников.
История создания
Образ Рюка придумал и развил до готовой концепции японский писатель и сценарист Цугуми Оба, а дизайн персонажа создал художник Такэси Обата. Когда Цугуми Обу спрашивали, почему именно яблоко было выбрано как атрибут и любимая еда Рюка, сценарист объяснил, что выбор был сделан исходя из визуальной эффектности картинки.
Персонаж хорошо смотрелся с яблоками, и красный цвет фрукта составлял эффектное сочетание с черным цветом и громадной зубастой пастью Рюка. На вопрос, не предполагались ли тут какие-то обширные культурные и религиозные ассоциации, которыми нагружен образ яблока, Оба прямо заявил, что ни о чем подобном не думал, просто «яблоки классные».
Сложно поверить, но монструозный Рюк в соответствии с первоначальным замыслом художника должен был выглядеть как человеческий юноша, внешне похожий на Лайта, только с черными крыльями и брюнет. Художник хотел, чтобы боги смерти выглядели как рок-звезды и были привлекательными для читателя.
Однако потом Обата пришел к мысли, что излишне привлекательный Рюк перетянет на себя внимание аудитории. Тогда Лайт окажется персонажем второго плана, а не главным героем, как задумывалось. Позже редактор потребовал, чтобы Рюк вовсе не выглядел похожим на человека, и в результате герой получил чудовищную внешность. В официальном путеводителе по манге «Death Note 13: How to Read» художник рассказывает, что представлял чудовищную рожу Рюка как маску, под которой скрыто привлекательное лицо.
Аниме «Тетрадь смерти»
Аниме-сериал «Тетрадь смерти» выпущен студией «Madhouse» и транслировался в 2006-2007 годах. Всего вышло 37 двадцатиминутных эпизодов. Режиссер сериала — Тэцуро Араки, сэйю (актер озвучки), который озвучил Рюка, — Сидо Накамура.
Создатели аниме близко воспроизвели сюжет манги, так что и характер персонажа, и события, в которых тот участвует в аниме, почти не отличаются от происходящего в манге. Из аниме исчезли только некоторые побочные линии и появилось несколько незначительных эпизодов, которых в манге не было, однако на общей сюжетной линии это не сказалось.
Рюку скучно в мире богов смерти, где не происходит ничего интересного: боги бездельничают и играют в кости. Забавы ради Рюк подбрасывает в мир людей Тетрадь смерти, сопроводив ту инструкцией, чтобы подобравший тетрадь человек мог ту использовать. Позже выясняется, что подброшенная тетрадь принадлежала не самому Рюку, а другому богу смерти по имени Сидо.
В мире людей тетрадь подбирает Ягами Лайт — японский школьник, сын начальника полиции, умный, но слегка асоциальный подросток, который решается использовать тетрадь ради уничтожения преступников и мнит себя «богом нового мира», где останутся только законопослушные и «полезные» обществу люди.
Рюк с интересом следит за действиями, которые предпринимает Лайт, но никаких дружеских чувств к подростку не испытывает. Рюк всюду следует за Лайтом, сопровождая того даже в школе, но никто, кроме Лайта, Рюка не видит. Бог смерти лишь развлекается, наблюдая за Лайтом, и не заинтересован в том, чтобы помогать или, наоборот, мешать тому.
Однако у Рюка есть слабость — тот обожает яблоки. В обмен на яблоки Лайту удается «раскрутить» Рюка не некоторые услуги. Например, бог смерти рассказал Лайту о преследователях, которые следили за ним, обнаружил камеры, которые Эл установил, чтобы наблюдать за Лайтом, по просьбе Лайта вписал в тетрадь поддельные правила. Все ради возможности кушать яблоки.
Единственное серьезное расхождение аниме и манги — финал. В аниме Рюк убивает Лайта при других обстоятельствах.
Помимо Рюка в сериале присутствуют и другие боги смерти, например, Рэм. Этот бог смерти наблюдает за другим персонажем, Мисой — девушкой, которая «приобрела» у бога смерти глаза, чтобы видеть имена и сроки жизни людей.
Рэм терпеть не может людей из-за свойственной тем жестокости и испытывает отвращение к Лайту из-за методов, которые тот использует. Однако Рэм приходится помогать Лайту из-за Мисы. Визуально Рэм создавалась как контрастный персонаж к Рюку.
Персонаж фигурирует также в полнометражном аниме «Death Note Rewrite: The Visualizing God», которое представляет собой сжатый пересказ сериала. По сюжету, Рюк находится в мире богов смерти, где пересказывает некоему богу смерти собственные воспоминания о Лайте и связанных с ним событиях.
Рюк появляется также в японском мистическом триллере 2006 года выпуска «Тетрадь смерти», где героя озвучивает актер Shidô Nakamura. В 2017 году фильм по мотивам манги выпустил американский режиссер Адам Вингард. Имена героев здесь искажены, местом действия становится американский город Сиэтл, и сюжет тоже сильно перекроен относительно манги.
Рюк в фильме «Тетрадь смерти» (2017)
Боги смерти в аниме — сверхъестественные персонажи, которые по сути не отвечают за смерть людей. По сюжету, люди прекрасно умирают и без вмешательства богов. Убивать людей, вписывая имена тех в тетрадь, богам нужно, чтобы продлевать собственную жизнь, поскольку остаток лет, не прожитых человеком из-за того, что бог смерти вписал имя в тетрадь, переводится «на счет» самого бога смерти.
- В новой японской мифологии есть боги смерти — синигами, однако появился этот тип персонажей относительно недавно. Это персонификация смерти, образ, который можно встретить на гравюрах и прочих картинках. Он используется в современном японском искусстве. Предположительно образ синигами проник в японский фольклор из Европы, где образ Смерти персонифицирован в искусстве, или из китайской мифологии, где существовали разные типы богов смерти. Впервые образ синигами появляется в японской литературе в середине XIX века.
- Дизайн Рюка оказался настолько броским и узнаваемым, что некоторые фанаты стали делать себе тату с персонажем. Другие поклонники сериала устраивают весьма эффектный косплей, убедительно изображая Рюка, или рисуют арт, проявляя любовь к персонажу.
Отсылка на фреску «Сотворение Адама»
- В сериале много отсылок к реальному миру. Например, в заставке, открывающей каждую новую серию, есть момент, когда Лайт и Рюк «изображают» фреску «Сотворение Адама». Рюк находится в позиции Бога, Лайт — в позиции Адама, и Рюк берет из рук Лайта яблоко.
Цитаты
«Но если ты убьешь всех преступников, то в конечном счете единственным преступником останешься ты».
«Яблоки — для меня это как наркотическая или табачная зависимость для людей».
«Люди… Они такие занятные!»
«Они ищут друг друга, не зная ни имен, ни лиц. И тот, кого найдут первым, погибнет».
«Ты что, не будешь убивать людей? Какой ты скучный.
..»«Зачем людям эти бумажки… Хотя на эти бумажки можно купить яблоки, поэтому я их понимаю».
Для чего нам нужны эскизы тату? Даже если вы уже решились на татуировку и твердо знаете, что именно вы будете набивать, необходимо еще и определиться со стилем и максимально четко донести задание до исполнителя. Для этого нужно предоставить эскиз тату, то, на что будет опираться мастер. Конечно, все чаще люди предпочитают поход к конкретному татуировщику, к которому идут за его неповторимым стилем, за его видением и за его советами. Они «влюблены» в его манеру исполнения и полностью доверяют ему. Однако, если такого мастера не оказывается в поле видимости, или если мастер работает со многими стилями — несите ему эскиз татуировки.
Здесь мы подобрали 5 лучших, на наш взгляд, ресурсов с бесплатными эскизами, которыми вы можете вдохновиться или даже взять за основу для своей татуировки.
Ресурс изобилует образами, которые заботливо разделены на категории и подтипы внутри них.
Очень удобно искать то, что нужно.
2. Dubuddha Tattoo Gallery
Помимо самих эскизов, на этом ресурсе вы найдете множество фотографий с татуировками с разбивкой по частям тела, на которых они реализованы. Также интересная разбивка по стилям, то есть можно сразу прицельно искать подходящее изображение в нужной манере исполнения.
3. Sketch Tattoo
Это уже ресурс, находящийся в ру-зоне, с разбивкой по тематикам. На пример, «акулы», «акварель», «быки» и т.д.
4. Tattoo Anatomy
Студия татуировок, которая создала детальную подборку различных стилей.
5. Эскизы Тату
Ресурс, на котором вы не только найдете довольно масштабный каталог эскизов, но и сможете получить информацию по стилям и значениям татуировок.
А напоследок тем, кто уже окончательно принял решение набить тату, хочется дать несколько советов от редакции:
Приветствуем любителей тату и тех, кто только начинает знакомиться с этой темой!
На этой странице вы можете ознакомиться с оригинальными эскизами, фото и рисунками Тату .
Все работы являются собственностью мастеров и выложены исключительно для ознакомления и разработки своих уникальных идей.
Для вашего удобства каталог разбит на подразделы с разными стилями.
Навигация сформирована в алфавитном порядке.
Каждый эскиз сопровождается информацией об авторе, подборкой похожих работ и возможностью обсудить его с посетителями портала.
Почему нужно выбирать оригинальный эскиз?
Казалось бы, вопрос настолько простой, что не требует пояснений. Тем не менее при наличии шикарных мастеров и бесконечного количества информации в глобальной сети Интернет находятся желающие сделать себе тату «как на картинке». Многие не видят разницы между обычным рисунком и эскизом для тату, а ведь это очень важно! Не все картинки из всемирной паутины годятся для нанесения на тело, но многие из них можно переработать под индивидуальный эскиз (учитывая контурирование, тени и цветопередачу).
Разберем последовательно, в чем же скрывается ценность индивидуального эскиза.
- Человек с татуировкой на видном месте должен быть готов к тому, что внимание к нему со стороны общественности будет повышено. Одни будут просто с интересом разглядывать рисунки, другие же не постесняются задавать вопросы. После стандартных тем о том, больно ли это, сколько стоит и как будет выглядеть в старости вы услышите: «А что она означает?» . Если у вас не совсем очевидная картинка =) И тут мало кому нравится отвечать: «Ничего, я нашел ее в гугле» или «Не знаю, она была в каталоге стандартных эскизов». Никто не говорит о том, что все рисунки на теле должны обладать глубинным смыслом, о котором нужно рассказывать, превознося руки к небу и закатывая глаза. Но намного приятнее, когда вы отдаете себе отчет в том, что нанесли на тело, и можете без труда объяснить свои мотивы (хотя бы себе, ведь никто не обязан отчитываться за свои тату перед кем бы то ни было). Конечно, кто-то решает нанести рисунок на тело абсолютно спонтанно, под влиянием каких-то эмоциональных событий. Как правило, такие клиенты потом приходят за сведением их «шедевра».
- Поскольку тело с нанесенной татуировкой — это объект творчества, то стоит задуматься, много ли людей хотят стать обладателями второсортного произведения искусства? Мы сейчас говорим о татуировках – копиях. Ведь бесценными образцами величайшего мастерства являются именно оригиналы. Выставляются в музеях и скупаются в частные коллекции только подлинные образцы. Никто не будет читать бумагомарательство дилетанта, когда доступны величайшие произведения литературного жанра. Именно поэтому так высоко ценится оригинальный, разработанный индивидуально для вас эскиз.
- Опытный и талантливый мастер всегда рад работать с клиентами, которые несут ему новые и бесшабашные идеи. Как художник, он хочет творить и созидать (но иногда и разрушать) =) Избегайте татуировщиков, которые предлагают повторить эскиз одного из его клиентов. Татуировка — это частная художественная собственность в единственном экземпляре. Она не должна повторяться на теле для всех желающих.
Как правило, такие клиенты потом приходят за сведением их «шедевра».
Изучайте оригинальные авторские эскизы на нашем сайте, набирайтесь идей и летите к своему мастеру на творческих крыльях =) Вместе вы создадите уникальный образец художественной татуировки, которая станет вашим спутником на всю жизнь.
Рекомендуем также
СВОИМ ГОЛОСОМ | Петербургский театральный журнал (Официальный сайт)
Г. Фигейредо. «Лиса и виноград».
Режиссер Андрей Корионов
В. Шукшин. «Энергичные люди».
Режиссер Денис Шибаев
А. Сухово-Кобылин. «Смерть Тарелкина».
Режиссер Мария Нецветаева
Победителям прошлогодней лаборатории организаторы предоставили еще две возможности реализовать себя, но уже на классическом материале. На первом этапе режиссеры делали эскизы по рассказам Чехова, на втором им предлагалось выбрать любую из пьес, которые ставил Товстоногов, и сделать свою версию спектакля.
Чеховская часть, прошедшая зимой, была вялой
и апатичной, как любой ноябрь или декабрь в Питере,
с вечным месивом грязи, снега и воды под ногами.
Казалось, в этой ледяной каше увязли все молодые
режиссеры. А вот летняя, товстоноговская часть
оказалась не в пример бодрее и продуктивнее. Каждому
из лаборантов уже есть что сказать, не оглядываясь,
не боясь переиначить текст, изменить смысл.
Они обрели свой голос, но не смогли (не успели?) договорить.
Эскизы, за исключением «Блондинки» Екатерины
Максимовой и «Смерти Тарелкина» Марии
Нецветаевой, были незавершенными, лишенными
финала. Эскизность, незаконченность стала главенствующей
формой высказывания, адекватной экспериментальным
попыткам, которые предприняли режиссеры.
Остались опасения, что эти акварельные,
в каких-то случаях карандашные штрихи к портрету
будущего спектакля в зацементированном варианте
режиссерского решения могут «проиграть» эскизам.
Пока «будущие спектакли» сделаны в одно касание,
с легким дыханием, в них есть свобода, импровизационная
безответственность и радость театральной
игры.
В том числе и игры с переосмысленным содержанием
пьес, которые ставил Товстоногов.
С. Ваганова (Мели), В. Реутов (Ксанф), Г. Алимпиев (Эзоп). Фото Т. Ивановой
Принцип этой части лаборатории заставил многих
процитировать спектакли или соотнестись с режиссерскими заметками Товстоногова.
Андрей Корионов, выбравший пьесу
Г. Фигейредо «Лиса и виноград», вплел
цитату в ткань спектакля. Эзоп Геннадия
Алимпиева ждал появления двух соек не
на улице, не в окне, а глядя в телевизор,
где как раз шла товстоноговская телепостановка.
Атрибуты современности: телевизор,
камера, съемка и тут же трансляция
на экран — в этом эскизе наиболее уместны. Ксанф Василия Реутова, как многие современные
лекторы, записывает все свои выступления
на видео, Агностос Александра Новикова, молчаливый
и улыбчивый в начале, по ходу действия обретающий
словоохотливость депутата, на экране точно выглядит посланником народа, исполняющим
его волю.
Дом Ксанфа — дом нового буржуа, обзаведшегося
слугами, но еще помнящего советское время.
Напившиеся персонажи задушевно поют песню
из фильма «Судьба резидента»: «Я в весеннем
лесу пил березовый сок… что любил — потерял, что
имел — не сберег», — и собачьим взглядом смотрят
на трезвого Эзопа, которому до среднерусской тоски
дела нет, он как раз стремится к тому, что любит,
— к свободе. Каждое появление Эзопа — укор,
упрек, немая просьба. Он, появляясь перед Ксанфом,
у которого после вчерашних возлияний болит
голова, начинает хладнокровно выторговывать
свою свободу. Хотя Эзоп слегка наивен, может,
даже простодушен — верит же он почему-то, что
Ксанф отпустит его, если он увидит двух соек. Дело
в том, что окружают Эзопа не менее умные люди, но
Ксанф, и Клея, и Мели скорей лениво-расслаблены
сытой жизнью, той, в которой ничего не может измениться,
все будет идти надоевший ритуал омовения
ног под псевдонародную музыку греческого
танца «сиртаки».
Инаковость Эзопа сомнительна,
он вроде окультуренного бомжа: чистый, но в трениках
и юбке одновременно, в какой-то женской
кофте и шапке, уютно-домашний. Может, поэтому
он так легко может расположиться на кровати, где
только что грациозно валялась Клея Натальи Ткаченко,
или сесть на стул, закинув ногу на ногу, слегка
покачиваясь. Он как будто и не чужак и не другой,
он вроде по недоразумению оказался среди рабов,
а сам он принц крови — такая у него легкость
в общении, в разговоре с хозяином и хозяйкой. Эзоп
им ровня, никак не меньше. Даже Мели Светланы
Вагановой — вполне современная девица, прислуга
с чувством собственного достоинства — более
проста. Разница социального положения стерта —
Эзоп не раб, точно.
Внешне Эзоп презирает все проявления жизни больше, чем капитан стражи, он уверен во всех своих поступках, как будто заранее знает, что будет дальше. Знает все, кроме одного — что пропасти нет. Режиссер одновременно лишил героя и свободы и смерти. После финальной фразы «Где тут пропасть для свободных людей?» Эзоп прыгает со сцены в зал… и приземляется среди зрителей. «Где пропасть? Что такое? Дайте пропасть!», а остальные персонажи, сидящие на возвышении на сцене, снисходительно улыбаются, явно довольные таким оборотом дела. Все получилось так, как они хотели: развлекающий их Эзоп жив, и вместе они пускаются в пляс.
А. Панин (Актер), Д. Степанова (Актриса). Фото Т. Ивановой
Нет пропасти, нет свободы, но кажется, что Эзоп не слишком опечален этим. Умереть можно и отстаивая права, свободы, и просто по дороге домой. Это ничего не изменит, не докажет, не послужит примером, не вызовет сочувствия. Смерть скорее недоразумение, которое можно выгодно использовать. Такой финал лишь намек на то, что будет простроено в спектакле. Пока осталось много неясного: почему Клея подложила кубок, почему Эзоп медлил уйти, когда Ксанф наконец дал ему свободу (швырнув паспорт), чем так доволен пресыщенный жизнью Агностос? Отсутствие пропасти — как отсутствие альтернативы для современного человека, Эскиз Корионова, при всей незавершенности, претендует на полноценный спектакль, чего не скажешь об оригинальном эскизе Дениса Шибаева, наиболее радикально обошедшегося с наследием Товстоногова. Остроумно и энергично, но слишком коротко — всего за 30 минут — режиссер, оттолкнувшись от пьесы В. Шукшина «Энергичные люди», высказывается о рождении лабораторного эскиза и взаимоотношениях с актерами. Собственно, все недолгое представление нам цитируют товстоноговскую статью «На подступах к замыслу» и аудиозапись его спектакля. Шибаев выводит на сцену режиссера — Александра Артемова, мучающегося замыслом и воплощением, и актеров Дарью Степанову и Андрея Панина, которые создают свой текст из слов пьесы. Здесь же монтировщик сцены Алексей Савицкий чистит картошку и пьет водку. Режиссер намекает на сложные личные отношения актеров, произносящих текст Шукшина, далекий от нашей жизни. Намекает на то, как тяжело найти идею, решение, замысел, а потом его воплотить, но рефреном звучащая, вполне ерническая «цоевская» «Мы хотим танцевать» вроде выражает отношение к делу. Кажется, что мысль режиссера проста: жизнь заставляет что-то делать, а хочется танцевать. Ведь сложно «выносить» идею и воплотить, а песня «Богу нравится, как я танцую», включенная перед спектаклем и завершающая его, транслирует желание состояться в жизни и сделать это как можно легче, проще. Ведь я и так хорош, с замыслом, идеей или без них, ведь Богу нравится. Но дело в том, что режиссер делает вид, будто и говорить-то ему об этом не хочется, дальше намеков дело не пошло.
Мария Нецветаева в эскизе «Смерть Тарелкина» заостряет «комедию- шутку» до пародии на фильмы ужасов. Вполне возможно, что режиссер задумала поиграть со штампами триллеров, но что-то не задалось. Темнота и выхваченные лучом света, конечно искаженные гримасами лица, звуки, нагнетающие атмосферу ужаса, но там, где должны быть истеричные смешки, поселилась скука от предсказуемости каждого эпизода. Вместо постоянно растущего напряжения, которое характерно для выбранного жанра «ужастика», эскиз распался на три моноспектакля: Тарелкина-Копылова Юрия Ершова, Варравина-Полутатаринова Леонида Таранова и Расплюева Евгения Сиротина. Каждый из персонажей — концентрат человеческой мерзости, подлости, корысти, подхалимства, но в итоге глупости.
А. Панин (Актер), Д. Степанова (Актриса). Фото Т. Ивановой
Тарелкин-Копылов истерично инфантилен, требует внимания зрителя ежесекундно, но тут же стушевывается при появлении Варравина или Расплюева, уходит в тень, уступает место. Варравин-Полутатаринов энергично передвигается по сцене, размахивая полами шинели, и с обаянием прохвоста манипулирует подчиненными, слегка красуясь перед зрителями. Расплюев, карикатурный мент и ласковый взяточник, неспешно ведет допрос, демонстрируя нам свой мыслительный процесс. Они существуют вполне автономно, вступая в контакт с партнером по необходимости. Зритель чувствует неотступное внимание героев к себе, персонажи эскиза присматриваются к сидящим в зале. И в финале все герои, просунув головы в дыры на огромном куске ткани, с перекошенными лицами идут в зал. Вурдалаки Сухово-Кобылина обрели плоть и кровь, «вскрыли» себя в самом начале эскиза, были понятны в каждом своем проявлении и этим ограничились. Не произошло приращения другого смысла, они так и остались «упырями, мцырями, вуйдалаками и вудкоглаками».Июнь 2010 г.
Журнал Театр. • В Берлине откроется выставка художниц-феминисток
Выставка «Моей работой будет работа» пройдет с 25 февраля по 25 апреля 2021 года в Galerie im Turm (художественная галерея Turm, Берлин). В экспозицию войдут и произведения русской художницы Варвары Степановой, предоставленные Бахрушинским музеем.
Как сообщается на сайте музея, это первый зарубежный проект, в котором он принимает участие в 2021 году.
Название выставки, посвящённой женскому труду как искусству заботы, связано с работой американской феминистки и художницы Мирле Ладерман Укелес – «Манифест о техническом обслуживании 1969 года! Предложение для выставки „Care“» («Manifesto For Maintenance Art 1969! Proposal for an exhibition „Care“»), который был опубликован в международном журнале художественной критики «Artforum» в 1971 году. Она одна из первых обратила внимание общества на невидимый труд женщин, который создаёт основу и условия для активной и творческой деятельности мужчин. Будучи художницей и матерью, Укелес чувствовала, что её труд сводится к заботе и работе по уходу за близкими. Именно эту невидимую работу – уборку, ремонт, готовку она назвала «искусством обслуживания».
Манифест первоначально был написан как предложение для выставки «Забота». Он появился после рождения у Укелес первого ребёнка, когда ей внезапно пришлось совмещать материнские обязанности и творчество. Она отметила, что известные художники-мужчины, которыми она восхищалась, никогда не шли на такие жертвы.
Бахрушинский музей представлен в Galerie im Turm работами «амазонки русского авангарда» Варвары Степановой – эскизами костюмов к постановке Мейерхольда по пьесе Сухово-Кобылина «Смерть Тарелкина» (1922). Василий Сахновский писал о спектакле: «Замысел был такой: всё должно выглядеть цирково, смешно, издевательски однообразно и вместе жутко и обидно».
В 1917-1918 годах Степанова и другие художники, в том числе Родченко, Кандинский, Малевич, Татлин, Лисицкий входили в московскую группу супрематистов и беспредметников. Позднее в творчестве Степановой наметился поворот от отвлеченного искусства в сторону прямого производства вещей. Причина смены направления – недовольство оторванностью от жизни, присущей беспредметникам, и желание активно менять окружающую реальность. По их мнению, искусству необходимо было организованно влиться в жизнь.
Варвара Степанова создавала производственную одежду для людей разных профессий: пожарных, пилотов, хирургов, оформляла книги и журналы, создавала книги в стиле «визуальной поэзии», разрабатывала принты для московской «Первой ситценабивной фабрики». Она говорила: «В костюме, конструируемом как костюм сегодняшнего дня, выдвигается основной принцип: удобство и целесообразность». Мужские и женские фасоны принципиально не отличались: костюмы должны были сглаживать не только социальные, но и гендерные различия, уравнивая в правах всех граждан.
Препарированный «Гамлет» и новые миры
22 нояб.
Традиционно в начале сезона Красноярский ТЮЗ провел лабораторию «Вешалка», на этот раз посвященную юбилею театра, и показал ряд последних премьер.
Девятая «Вешалка» собрала учеников Камы Гинкаса разных поколений: каждый из них работал с фрагментами «Гамлета» — пьесы, которую их учитель поставил здесь, в Красноярском ТЮЗе, в 1971 году.
Эскизы получились очень разными, но что-то определенно «гинкасовское» угадывалось в каждом из них: наверное, особого рода театральность в сочетании с глубоким погружением в экзистенциальные вопросы; пронзительное ощущение хрупкости жизни и неотвратимости смерти.
Антон Коваленко в своем эскизе поставил в центр внимания отношения Гамлета и Офелии: пьеса Шекспира здесь приобрела черты романтической драмы, и порой казалось, что этот показ — не о принце датском, а об умерщвленной любви юных Ромео и Джульетты. Здесь все — Клавдий, Полоний, Лаэрт, умник-маньяк, испытывающий к сестре, кажется, не только братские чувства, — буквально растаскивают влюбленных в разные стороны, стоит им лишь оказаться рядом. Здесь Гамлета не мучают вопросы глобального характера, этот принц — не философ, он кажется каким-то драгоценным пленником в этом пространстве суетливых деловитых интриг и карикатурных персонажей. Пронырливый Клавдий, такой же недалекий в своем мещанстве, как и Полоний, гламурная распущенная Гертруда с манерным говором и тотальным равнодушием ко всему. Жизненная сила, витальность Гамлета здесь, в этом кукольном мире, где даже Горацио не друг, а участник большой игры при дворе, гаснет на глазах. Эскиз получился драматургически рваным — казалось, что пьеса то и дело взламывает своим объемом режиссерскую рамку, а главной эмоцией зрителя стало сочувствие к молодой жизни, которую буквально выталкивают за кулисы в невидимое пространство небытия.
Эскиз «Гамлета» Антона Коваленко. Фото — архив театра.
«Гамлет» Алены Самохиной — театр в театре. Эскиз начинался со сцены репетиции, но постепенно игра перерастала в жизнь, а незадачливые актеры становились шекспировскими персонажами. Правда, осталось ощущение непропорциональности: игра с форматами, стилизация под ток-шоу, под театральные пробы неофитов — все это заслонило то, ради чего ставился этот «Гамлет»: живое чувство или яркую, волнующую мысль. Справедливости ради, надо сказать, что ближе к финалу случилось два эпизода, вдруг вернувшие пьесу к высокому градусу трагизма, — сцены Гамлета с Офелией и Гертрудой. Эти женщины, полные любви и страха за любимого человека, кружились вокруг него, отгоняли смерть, заглядывали в глаза, гладили по голове, заговаривали наползающую тьму. Офелия, как испуганный воробышек, на цыпочках кружила вокруг Гамлета, все пытаясь высмотреть в нем что-то родное, знакомое, теплое, что-то ушедшее навсегда. А Гертруда, уставшая, готовая пожертвовать собой, клала голову сына на колени, но не находила слов утешения и поддержки. И обе, не замеченные околдованным тьмой принцем, тихо и безропотно уходили в смерть.
Самым успешным с точки зрения зрительской реакции стал эскиз Максима Кальсина, показанный в фойе театра. Здесь выстроили сцену-помост, кулисы — все как в старинном площадном театре. Пьеса Шекспира разыгрывалась ярко, сочно, с комичным утрированием любой ситуации и интонации — видно было, что актеры сами наслаждаются игрой в эту не очень серьезную и точную стилизацию. Критику тут особо анализировать нечего, так как формальный прием замкнут сам на себе и к исследованию пьесы и ее смыслов отношения, в общем, не имеет.
Эскиз «Гамлета» Максима Кальсина. Фото — архив театра.
Наиболее интересными, наверное, стоит назвать работы двух учеников Камы Гинкаса с самого свежего курса — Владимира Жукова и Александра Плотникова. Оба эскиза — о неизбежности изменений, о крушении былых отношений, о неотвратимости и бессмысленности смерти. Анатолий Малыхин — Гамлет в эскизе Жукова — инфантильный, но проницательный, уже не очень молодой человек, тоскующий по отцу, скучающий по друзьям. Сюжет эскиза — разговор Гамлета с Полонием и с Розенкранцем и Гильденстерном. Внутренний разлад Гамлета мучителен, ощутим: он льнет к друзьям детства, подхватывает их под руки, заглядывает им в глаза, но знает, что все поменялось, и эти растерянные, отводящие взгляд люди — уже совсем чужие.
В эскизе Александра Плотникова Гамлет (Владимир Мясников) — мужчина средних лет, уставший от героического, от необходимости быть персонажем трагедии. Он ходит по кладбищу, как по единственной территории спокойствия, — в пространстве смерти ищет убежище, чтобы выжить. Но как будто заодно и примеривается к пугающей неизвестности — заглядывает в могилу, расспрашивает, как все устроено, как хоронят, не может понять — как вдруг был, и вдруг нет. «Давайте перестанем?» — с тоской предлагает он окружению, Лаэрту, Клавдию, всем. Людям, торопящимся убивать и умирать. Но конец пути, как известно, неотвратим.
Эскиз «Гамлета» Александра Плотникова. Фото — архив театра.
ТЮЗ показал новые спектакли — среди них два спектакля штатного режиссера Никиты Бетехтина «Оливер Твист» и «Мама, мне оторвало руку», а также новый блокбастер от Романа Феодори и Даниила Ахмедова «Хроники Нарнии…», первую часть масштабно задуманной саги.
«Оливер Твист» и «Мама, мне оторвало руку» — в какой-то степени антагонисты: если в спектакле по Диккенсу главный герой — персонаж абстрактный, «стертый», судьба которого всегда в руках обстоятельств и встречающихся на пути людей, то в постановке по пьесе Маши Конторович героиня — крупная, яркая, пытающаяся заявить о себе в этом мире.
В «Оливере Твисте» главное — среда: художник Надежда Скомарохова создала плоский, картонный черно-белый мир, в котором трехмерные живые люди мало чем отличаются от рисунков на стенах. Даже яркие пятна, появляющиеся в тот момент, когда Оливер попадает к «добрым» людям, выглядят так же искусственно и бездушно, как тусклые интерьеры трущоб и кладбища. Спектакль заканчивается саркастичной интонацией — опустевшую сцену резко освещает дежурная флуоресцентная надпись, благословляющая каждое живое существо. Спектакль Бетехтина — с концепцией, которая, правда, так и не смогла зажить на сцене какой-то полнокровной, не умозрительной жизнью.
Иной случай — «Мама, мне оторвало руку»: пьеса молодого екатеринбургского автора о том, как зыбко и неустойчиво ощущается жизнь в шестнадцать лет, в Красноярском ТЮЗе стала пронзительным высказыванием о полном банальностей мире, требующем от подрастающего человека оригинальности.
Елена Кайзер не играет подростка, лишь обозначает несколькими внешними штрихами состояние своей героини — девочки в шапке с единорогом, отчаянно стремящейся быть крутой, но настоящей. Мир предлагает ей подуим (героиня учится в школе моделей) — здесь все живут напоказ, здесь все на виду и соревнуются в «самости», которая парадоксальным образом всех обезличивает. Эта Маша — разная с каждым новым человеком: робкая и покорная с циничным абьюзером, дергающим ее за поводок, скучающая от непонимания и уворачивающаяся от разговора с матерью, навязывающей стереотипные требования, вроде «Стань уже кем-нибудь». В пьесе Конторович есть резкий переход от комедийной мелодрамы в трагедию, резкий слом — в спектакле Бетехтина роковое событие с героиней становится неизбежной закономерностью в требовательном и равнодушном мире, окружающем подростка.
Сцена из спектакля «Хроники Нарнии. Племянник чародея». Фото — архив театра.
«Хроники Нарнии. Племянник чародея» — новое событие визуального театра авторства постоянного тандема режиссера Романа Феодори и художника Даниила Ахмедова. Спектакль по книге Клайва Льюиса продолжил содержательную и эстетическую линии, заявленные в их предыдущих спектаклях: здесь волшебство не только ради волшебства, но и ради мысли, эмоции, — и все это связано с темой принятия мира как такового и с темой любви к близким людям. Герой Александра Князя — мальчик Дигори — отправляется в волшебные миры, спасаясь от реальности, которая полна одиночества и потерь. Новая вселенная творится у нас на глазах — за несколько минут на пустой сцене появляются рыбы, птицы, фавны, целая разнообразная жизнь. Спектакль активно использует киноэстетику — полеты, экран, видеопутешествия, рельефные динамичные картины старинного Лондона, в котором старый добрый порядок нарушен резким вторжением фантазийного мира. Комнаты, интерьеры возникают из ничего, из вакуума, чтобы снова раствориться во тьме. Спектакль с несколько сбитой структурой складывается в единый пазл только в финале: Дигори, повзрослев, научившись принимать на себя ответственность, выходит из комнаты, распрощавшись с иллюзией, осознав смерть матери. В спектакле постепенно меняется оптика, следуя изменениям, происходящим с героем, — если вначале дядя Дигори мистер Эндрью — эксцентричный коварный злодей, то в финале он — растерянный взрослый, который не знает, как помочь разочарованному в жизни подростку.
Красноярский ТЮЗ лихо начал сезон, продемонстрировав все накопленное за предыдущие месяцы и подтвердив свою репутацию одного из самых живых, самых современных театров страны, предлагающих разнообразный репертуар в различных современных форматах.
всадник по имени Смерть (рецензия на спектакль)
На сцене театра драмы им. Федора Волкова режиссер Евгений Марчелли тонкими штрихами создал «Чайку. Эскиз». За полетом внимательно следила наш корреспондент Екатерина Нечитайло.
Все мы чего-то боимся. Подсознательно, сознательно ли, давая себе в этом отчёт, понимая причины, мучаясь от незнания. И все мы о чем-то мечтаем. Подлинно, ложно, искренне веря в то, чему случиться явно не судьба, путая мечту с потребностью. Осуществление ее чаще всего ведёт к разочарованию, dream никогда полностью не сходится с реальностью, получение желаемого — не залог счастья. Но самая большая катастрофа случается тогда, когда Мечта идёт в одной упряжке с главным Страхом. Нина Заречная вот страстно хотела быть актрисой, но боялась сцены; Костя Треплев жаждал писать и быть признанным, но негодовал при мысли об обращении в богему; Ирина Аркадина искала любви, но сатанела от перспективы стать второй; Борис Тригорин мечтал о настоящем переживании, но паниковал перед любой ответственностью. Честно говоря, ситуация такая, что обхохочешься. Режиссёр Евгений Марчелли, следуя за «Чайкой» Антона Чехова, которую он выпустил со сцены Российского государственного академического театра драмы им. Фёдора Волкова, пытается разобраться в вариантах развития событий, возможных раскладах, причинах, диагнозах, перспективах домашнего (и не очень) театра. Он выпускает коня Снежка, заключает колдовское озеро в большой аквариум, посылая «привет» спектаклю Кристиана Люпы, рисует эскизы жизни героев, чтобы попытаться найти момент, с которого что-то пошло не так.
Сказать по правде, я не могу сразу припомнить ни одного спектакля Марчелли, после которого были бы хоть какие-то шансы ощутить лёгкость на сердце, забыть о них на утро, выйти из зала с блаженной улыбкой. Его омские «Дачники» из скучающих интеллигентов были превращены в обычных неудовлетворённых людей, что грешили направо-налево под «Месяц май» Гарика Сукачёва; в черно-красной «Фрекен Жюли» действие разворачивалось чуть ли не в морге; в финале «Екатерины Ивановны» героиню, решившую мстить с помощью блуда, отдавали на заклание; в «Доме Бернарды Альбы» юные девочки лепили пельмени, мыли полы, находили утешение друг в друге. Его работы почти всегда созданы по классическим текстам, в них есть мощная театральность, визуальный эротический контекст, мужскоженская тема. И неугомонная попытка ответить на вопрос: «Если люди сами сделали свой выбор, если решили быть вместе, если готовы к совместным уступкам, то почему же, черт возьми, они так несчастны?». «Чайка. Эскиз» — не исключение из правил, но опус исключительной филигранности: пружина драмы здесь сжата до предела, парадоксальность, заключённая в привычном, не перестаёт удивлять, второе слово в названии, обеспечивающее своеобразную подушку безопасности, дает режиссёру зелёный свет на полную свободу действий, которой он пользуется в меру. Вежливо соблюдая все технические особенности летательного аппарата.
Разговор об этой «Чайке», выдвинутой на соискание Национальной театральной премии «Золотая маска» в шести номинациях, так и тянет начать с анекдотичного «Во-первых, это красиво». Свет, буквально рождающий мир из себя, здесь такой, что даже по фотографиям понятен его размах, соединенный с инфернальностью. Во-вторых, это метко. Обратить спектакль большой формы в камерную историю, которая прекрасно вписана в пространство, — это вам не хухры-мухры. В-третьих, это эротично. Эротизм здесь буквально сочится из каждого момента: прикосновения наэлектризованы, вздохи однозначны, позы вполне себе конкретны, закрытое и спрятанное усиливает любое желание. Ещё до официального старта полёта на весь зал не то дурнинами орут чайки, не то верещат младенцы, не то надрываются поросята. Пожарный занавес открывается, по сцене, пронизанной красными световыми колоннами художника по свету Дмитрия Зименко (Митрича), нарезает круги белый конь, на котором сидит всадник в балахоне и с рюкзаком, минуту зрители наслаждаются происходящим, пожарный занавес закрывается. Собственно, в первом акте сцену (в привычном понимании слова) зритель почти и не увидит: ее открывают в начале, а потом лишь во фрагменте спектакля Треплева. Дразня, позволяя взору лишь прикоснуться к пространству, что будто держится на световых столбах. Ее, холодную и гордую, берегут, к ней, невольно отсылающей здесь к «Раю» Ромео Кастелуччи, который можно было увидеть лишь в небольшую дырочку в стене, допускают лишь избранных. Вся первая часть спектакля — концертное исполнение пьесы, почти ее читка, что идёт перед этим самым пожарным занавесом, который сер, угрюм и недружелюбен. Хотя порой на него и дают проекцию чаек и квадратов, устраивая светомузыку под трек группы «Audio Lotion» «Eclipse». На авансцене у микрофонов диаложат Костя Треплев (Даниил Баранов) и Петр Сорин (Владимир Майзингер), Маша Шамраева (Яна Иващенко), влюблённая в Костю, и Семён Медведенко (Римантас Сидабрас), увлеченный Машей. Сюда прибегает муза Треплева по имени Нина (Юлия Хлынина), которая слезла с коня, вплывает мать Кости Ирина Аркадина (Анастасия Светлова), моментально захватывающая внимание. Тут Полина Андреевна (Светлана Спиридонова) смешно ищет нежности Дорна (Евгений Мундум), балагурит Шамраев (Константин Силаков), мучается беллетрист Тригорин (Николай Зуборенко), ставший камнем преткновения Нины и Аркадиной. Сцену, что в народе зовётся «Люди, львы, орлы и куропатки», все смотрят из зала: на площадке красный свет и дым, испуганная Нина стоит на железной конструкции, актриса Аркадина одобрительно кивает и подбадривает ее, работник Яков (Игорь Есипович) шарашит на барабанах, Треплев кричит: «Давай!!!». А на колосниках висит множество одинаковых чаек от художника спектакля Игоря Капитанова. Этот фрагмент невероятно похож на поступление юной девочки в актерский ВУЗ, когда абитуриентка, потупившая глазки в пол, пытается что-то из себя выдавить, перебирая подол платья, комиссия комментирует происходящее, к концу юная особа, уже завывающая, размахивающая руками, пучащая глаза, расходится так, что лучше бы она этого не делала. Здесь все ходят в чёрном, вроде бы пытаются поддерживать друг друга, но выходит криво и неумело, хотят помочь, но делают только хуже, стараются быть вместе, но в итоге лишь чайками кружат над озером, вернее, над аквариумом, в котором Нина заканчивает свой монолог, из последних сил пытаясь удивить приемную комиссию. Находясь в человеческой стае, но пребывая в полном и бесконечном одиночестве.
Ингмар Бергман был известен своими крупными планами, передающими за несколько секунд весь спектр эмоций. У Марчелли камеры под руками нет, но при просмотре его спектакля в какой-то момент начинает казаться, что он транслирует лица актеров на сетчатку глаза. С помощью акцентов, через интонации и пластику. В «Чайке» вся стая летит на одной высоте, держится цельно и сплоченно: и Маша-Иващенко, что самозабвенно несёт свою любовь, и Тригорин — Зуборенко, который на наших глазах из усталого мужчины превращается в пылкого мальчишку, и Полина Андреевна-Спиридонова, готовая на все ради получения желаемого. Первыми же среди равных здесь становятся Юлия Хлынина — Нина Заречная и Анастасия Светлова в роли Ирины Аркадиной. Весь спектакль — их поединок, борьба не на жизнь, а на смерть, бой не чаек, но хищниц. Светлова, манкая, глубокая, сильная, буквально выносит за собой на сцену шлейф своих ролей, помноженный на работы актрисы Аркадиной. От ее неподдельной радости до настоящей истерики нет ни секунды зазора, говорит она, привыкшая из всего делать трагедию, с претензией и на опоре, прекрасно знает то, кто тут главный. Смотрит надменно, но с интересом, испытывает наслаждение от внимания, с первых минут понимает, что Нина — враг номер один. А с врагом нужно быть ласковой. Нина Хлыниной — юная и чистая девочка, которая очень хочет быть плохой, развратной, роковой. Этакий подросток, верящий в то, что взрослость — курить сигареты, сидеть на корточках, томно вскидывать брови. И быть такой, как Аркадина. Она не перегибает палку в наиве, искренне играется в развязность, ловко меняет маски, держа свое лицо. А в итоге, пытающаяся быть вровень с чьими-то представлениям о прекрасном, становится именно тем, что не приснилось бы ей даже в самых страшных снах.
«Чайка. Эскиз» — птица высокого полёта, что проходит над многочисленными постановками, схожими с лишенными жизни чучелами, которых под колосниками — пруд пруди, над новыми формами, сведенными к дешевым перформансам, основанным только на внешнем факторе, над актерами и актрисами, что забыли себя в погоне за соответствиями. И выполнен он не от руки, а с применением всего чертежного арсенала. Вторая часть спектакля проходит при открытом занавесе, но практически полностью на авансцене: глубина мрачна и затуманена, Треплев сидит за столом, герои носятся из кулисы в кулису, снова приезжают Аркадина и Тригорин, Косте мерещится, что он нежится с Ниной в постели, но это всего лишь иллюзия, всего лишь сон, всего лишь персональный конец света. Фактически же они просто стоят, встретившись после смерти ее ребёнка от Тригорина, после мытарств и разочарований, через несколько лет после их разлуки. Или же ничего этого и вовсе нет: все это — плод больной фантазии известного писателя. В этом доме все и влюблены-то не в конкретного человека из плоти и крови, а именно в его образ: Нина — в беллетриста, Тригорин — в юную девочку, Ира Аркадина — в актрису Ирину Николаевну Аркадину. Уничтожение объектов, которыми не можешь завладеть, идёт по плану, слово «эскиз» подчёркивает то, как персонажи ощущают свои жизни, микрофоны исключают возможность и необходимость голосового нажима. К концу первого акта Марчелли достигает эффекта, при котором возникает ощущение, что ты не смотришь пьесу, а наблюдаешь за реальной жизнью. Без этих пресловутых «пяти пудов любви», «колдовских озер», «чаев и ружей». Жизнью, в которой носятся по кругу, требуют, уничтожают и верят. Жизнью, в которой добровольно бьются крыльями о горячие лампочки, мучают и мучаются, несут не кресты, но себя, ищут новые формы, обжигаются и жертвуют. Жизнью, где весь полет ждут знака, затмения, появления на горизонте девы, имя которой не то Смерть, не то Нина, не то Ирина, не то Любовь, не то…так, очередной сюжет для небольшого рассказа.
рюк из тетради смерти эскиз тату
60 фото татуировок и эскизов аниме героев на руке, ноге,плече и …
60 фото татуировок и эскизов аниме героев на руке, ноге,плече и …
Тату смерть, в иудаизме, исламе, христианстве, Санта Муэрте и с косой
Как нарисовать бога смерти Рюка из Тетрадь смерти поэтапно
Как нарисовать бога смерти Рюка из Тетрадь смерти поэтапно
60 фото татуировок и эскизов аниме героев на руке, ноге,плече и …
Цветная татуировка в стиле ньюскул Рюк из аниме Тетрадь Смерти …
60 фото татуировок и эскизов аниме героев на руке, ноге,плече и …
Как нарисовать бога смерти Рюка из Тетрадь смерти поэтапно
Images about #рюк on Instagram
Как нарисовать бога смерти Рюка из Тетрадь смерти поэтапно
60 фото татуировок и эскизов аниме героев на руке, ноге,плече и …
60 фото татуировок и эскизов аниме героев на руке, ноге,плече и …
60 фото татуировок и эскизов аниме героев на руке, ноге,плече и …
Как нарисовать бога смерти Рюка из Тетрадь смерти поэтапно
Тату смерть, в иудаизме, исламе, христианстве, Санта Муэрте и с косой
Тату в стиле аниме (anime): фото, эскизы и значение рисунков
This is bomb! #Ryuk | Тату | Pinterest | Tattoos, Anime tattoos и …
Тату смерть, в иудаизме, исламе, христианстве, Санта Муэрте и с косой
Рюк — Бог смерти, обожающий яблоки
60 фото татуировок и эскизов аниме героев на руке, ноге,плече и …
Тату смерть, в иудаизме, исламе, христианстве, Санта Муэрте и с косой
60 фото татуировок и эскизов аниме героев на руке, ноге,плече и …
Просто тату)))) бог смерти рюк. И на стекле надпись death note
Тату смерть, в иудаизме, исламе, христианстве, Санта Муэрте и с косой
60 фото татуировок и эскизов аниме героев на руке, ноге,плече и …
Просто тату)))) бог смерти рюк. И на стекле надпись death note
60 фото татуировок и эскизов аниме героев на руке, ноге,плече и …
Images about #рюк on Instagram
Обои 1920×1080 демоны (179 обоев) на рабочий стол
Images about #рюк on Instagram
60 фото татуировок и эскизов аниме героев на руке, ноге,плече и …
60 фото татуировок и эскизов аниме героев на руке, ноге,плече и …
Тату смерть, в иудаизме, исламе, христианстве, Санта Муэрте и с косой
Тату смерть, в иудаизме, исламе, христианстве, Санта Муэрте и с косой
Рюк — Бог смерти, обожающий яблоки
Значение татуировок: аниме, мультфильмы | Искусство татуировки …
Как нарисовать бога смерти Рюка из Тетрадь смерти поэтапно
Тату смерть, в иудаизме, исламе, христианстве, Санта Муэрте и с косой
Тату смерть, в иудаизме, исламе, христианстве, Санта Муэрте и с косой
Тату смерть, в иудаизме, исламе, христианстве, Санта Муэрте и с косой
Как нарисовать бога смерти Рюка из Тетрадь смерти поэтапно
Тату смерть, в иудаизме, исламе, христианстве, Санта Муэрте и с косой
Тату смерть, в иудаизме, исламе, христианстве, Санта Муэрте и с косой
Тату смерть, в иудаизме, исламе, христианстве, Санта Муэрте и с косой
Как нарисовать бога смерти Рюка из Тетрадь смерти поэтапно
Тату смерть, в иудаизме, исламе, христианстве, Санта Муэрте и с косой
Как нарисовать бога смерти Рюка из Тетрадь смерти поэтапно
Тату в стиле аниме (anime): фото, эскизы и значение рисунков
Тату в стиле аниме (anime): фото, эскизы и значение рисунков
Как рисовать L из Death Note. Первый герой из Тетради Смерти на …
Рюк тату. Тату студия BARAKA — Портфолио. Процесс создания тату …
Тату в стиле аниме (anime): фото, эскизы и значение рисунков
Тату в стиле аниме (anime): фото, эскизы и значение рисунков
Как нарисовать бога смерти Рюка из Тетрадь смерти поэтапно
Тату в стиле аниме (anime): фото, эскизы и значение рисунков
Images tagged with #рюк on instagram
Freddie Mercury Tattoo | Идеи для татуировок
Тату в стиле аниме (anime): фото, эскизы и значение рисунков
Тату в стиле аниме (anime): фото, эскизы и значение рисунков
Тату в стиле аниме (anime): фото, эскизы и значение рисунков
Тату салон CHARLIE\u0027S | ВКонтакте
Images about #богсмерти on Instagram
БогСмерти — Hash Tags — Deskgram
Тату в стиле аниме (anime): фото, эскизы и значение рисунков
Images about #богсмерти on Instagram
Как нарисовать бога смерти Рюка из Тетрадь смерти поэтапно
Революция, сеть тату-студий в Новосибирске \u2014 отзыв и оценка \u2014 Mary Che
Images about #рюк on Instagram
Пин от пользователя Лина на доске N | Pinterest | Anime, Manga и Naruto
Images about #неотрадишнал on Instagram
ЗНАКОВ ИЗ ЖИЗНИ И СМЕРТИ
Большинство японских солдат того времени были полностью дисциплинированы и прониклись фанатической уверенностью в том, что Император был Богом, и единственный верный способ попасть на Его небеса — достойно умереть в битве. У них было мало времени для юмора и ничего, кроме презрения к людям, которые сдадут оружие и отдадутся на милость врагу. Мистер Сирл знал это, как показывают его текст и рисунки. Возможно, понимание того, что двигало его мучителями, способствовало его выживанию не меньше, чем его юмор.Японская идея развлечения заключалась в придумывании сложных форм мелких пыток для заключенных. То, что мистер Сирл изображает некоторые из этих событий, вместе с подлыми ухмылками на лицах преступников, незабываемо. Лучше всего то, что когда он встретил достойного похитителя, он тоже его зарисовал. МИСТЕР. SEARLE, кажется, никогда не позволял своему гневу и негодованию по поводу глупого варварского обращения с ним и его товарищами перерасти в беспричинную ненависть. Мужчин, как и металла, можно превратить в хрупкость и уязвимость.Таким образом, когда работа г-на Сирла стала привлекать официальное внимание в течение последних месяцев его плена и администратор тюрьмы капитан Такахаши «попросил» прислать ему рисунки, художник не плюнул никому в глаза и не стал паника. Он просто очень нервничал. Убедившись, что потрепанные, испачканные эскизы, которые были его настоящей работой, оставались скрытыми, он представил безобидный, почти комический материал. И вот однажды, когда мистер Сирл был один, работая на Такахаши в офицерском клубе, его посетил капитан:
» Он.. . предложил мне сигарету и сам закурил. . . . Посмотрев на меня искоса на мгновение с тем немногим, что было видно его учеников, он снял перчатки, взял мой альбом для рисования и карандаш, сказал: «Можно? и начал рисовать контуры матери и ребенка на первой пустой странице. Затем он остановился, криво взглянул на набросок и сказал на своем осторожном английском:
» «Вы знаете, мистер Сирл, я тоже художник — живописец. Я учился в Париже, когда меня вызвали домой к этому … э-э … служить.. . . ‘ Он перевернул несколько страниц альбома с неопределенно задумчивым видом, вернул его мне, снова надел перчатки и, как обычно, с легким поклоном, вышел из комнаты, попыхивая своим «Tojo Special».
» Он сразу вернулся. «Ой, я забыл. Я собирался спросить вас, позаботитесь ли вы об этом ». И он положил на стойку горсть цветных карандашей и восковых мелков. Наконец, на вопрос был дан ответ. «Я ни на минуту не мог представить, что« просьба »Такахаши показать мои рисунки окажется невоенной, неполитической, неадминистративной и не вызывающей подозрений.Или это . . . он делал тихий, неискренний жест солидарности между художниками. К счастью . . . сентиментальная фантазия встала между Такахаши, цивилизованным, образованным художником, и отвратительными реальными обстоятельствами, в которых Такахаши, тюремный администратор, повелитель жизни и смерти, теперь был вынужден проявить свои таланты. Наши пути пересеклись ненадолго, но возникшие в результате редкие моменты покоя, которые он сделал возможными для некоторых из нас, запомнились надолго ».
Рисунок Такахаши воспроизведен в книге.Несомненно, он был талантлив. Сирл говорит, что позже он попытался с помощью Имперского военного музея узнать, что стало с капитаном, но безуспешно. Похоже, он принял великодушие офицера за чистую монету, но, со своей стороны, я не могу не задаться вопросом, мог ли такой умный парень, как Такахаши, почуять приближающийся День Победы. Думаю, в этом разница между мной и мистером Сирлом.
Большая часть войны кажется двойной картиной, мучительной и часто трагичной с одной стороны, облагораживающей и иногда причудливой с другой стороны.В этой книге Рональда Сирла есть все. Это будет награда для любого серьезного студента-искусствоведа, любителя войны или выносливой, но чувствительной души. Возможно, мне лучше всего подытожить свою реакцию, объяснив, что я люблю кошек и был очарован описанием кошачьего питомца заключенных. Каждой истории Алькатраса нужна птица. Судя по наброскам мистера Сирла, кошка, похоже, была в большей или меньшей степени сиамского толка. Мне особенно нравится сиамский. В конце концов она родила котят, настолько милых, что он посвятил им целую страницу.Затем, когда они стали немного больше, он помог их съесть.
Смерть — их пастырь: зарисовки и реликвии
В этот цифровой альбом включены некоторые из оригинальных музыкальных зарисовок, написанных Филом Ходжесом для «Смерть — их пастырь». Некоторые из этих скетчей остались в DITS практически без изменений. Некоторые резко изменились. Остальные вообще не использовались. Все они предлагают за кулисами послушать совместный процесс сочинения Physick.Для первого альбома Physick Songs for Friends Фил и Майкл обычно встречались лично, чтобы прослушать новые музыкальные идеи, записать треки и написать тексты песен.Но во время процесса написания «Смерть — их пастырь» Фил и Майкл очень редко могли собраться вместе из-за различных материально-технических ограничений (в конце концов, у них на двоих по двенадцать детей). Из-за этого они были вынуждены сотрудничать виртуально, делясь цифровыми файлами. Мы включили многие из этих цифровых «рабочих файлов» в эту коллекцию эскизов и реликвий.
Вы можете заметить недостающие части. Некоторые треки на Death is their Shepherd здесь не представлены.Для этого есть разные причины:
1. Некоторые треки не изменились настолько сильно, чтобы быть интересными.
Например, Майкл написал и записал свои композиции («Memento Mori» и «Death is their Shepherd») в студии, и обе эти записи остались в основном без изменений. Другими словами, оригинальные демо для этих треков звучат почти так же, как их финальные альбомные версии.
2. Некоторые треки на Death is their Shepherd были написаны и записаны по старинке: лично.Фил приходил в студию, прослушивал новые композиции на своей гитаре или фортепиано, а Майкл садился рядом с ним и писал тексты на бумаге. Так что никакой MIDI-демонстрации не потребовалось. Так обстоит дело с такими треками, как «Hi-Fruktose Noize Sserp» и «Precious in the Sight».
Для треков, написанных с помощью цифрового сотрудничества, вот как разыгрывается типичный цикл совместной работы. (Мы будем использовать вальсинг с Воландом в качестве примера.)
Сначала Фил сочинил музыку для гитары и фортепиано.Затем он записал MIDI-демо своей композиции с использованием реальных и виртуальных инструментов. Затем он отправил ее Майклу для обратной связи, прежде чем приступить к написанию мелодии. Трек «Reflections and Waltzing with Woland (MIDI Concept Demo)» — это тот самый концептуальный файл, который Фил впервые отправил Майклу для обратной связи.
Получив отзыв Майкла и сочинив мелодию, Фил записал «фиктивный вокал» для соответствующей части своего MIDI-демо. (Фиктивный вокал — это просто гласные звуки, которые функционируют как мелодические и слоговые заполнители.) Фил прислал Майклу фиктивную вокальную версию «Вальсирования с Воландом». Тот самый трек, который он отправил Майклу, — «Waltzing with Woland (Демо с фиктивным вокалом)».
Затем Майкл написал текст, который точно соответствовал слоговой схеме, установленной в фиктивном вокале. Вы можете послушать финальную версию «Waltzing with Woland», чтобы услышать, насколько Майкл придерживался оригинальной мелодии Фила. После отправки текста Филу для обратной связи песня была готова к записи.
Physick начал писать почти весь свой новый материал в этой манере примерно на полпути к композиционному процессу «Смерть — их пастырь».Мы рады поделиться с вами некоторыми из этих файлов, чтобы дать вам представление о том, как «Смерть — их пастырь» появилась на свет.
Аудиокнига недоступна | Audible.com
Evvie Drake: более
- Роман
- К: Линда Холмс
- Рассказал: Джулия Уилан, Линда Холмс
- Продолжительность: 9 часов 6 минут
- Несокращенный
В сонном приморском городке в штате Мэн недавно овдовевшая Эвелет «Эвви» Дрейк редко покидает свой большой, мучительно пустой дом почти через год после гибели ее мужа в автокатастрофе.Все в городе, даже ее лучший друг Энди, думают, что горе держит ее взаперти, а Эвви не поправляет их. Тем временем в Нью-Йорке Дин Тенни, бывший питчер Высшей лиги и лучший друг детства Энди, борется с тем, что несчастные спортсмены, живущие в своих худших кошмарах, называют «ура»: он больше не может бросать прямо, и, что еще хуже, он не может понять почему.
- 3 из 5 звезд
Что-то заставляло меня слушать….
- К Каролина Девушка на 10-12-19
коз и газировка:
NPRМногие изображения, которые мы ассоциируем с чумой, на самом деле изображают проказу или оспу. На самом деле изображений Черной смерти времен бедствия очень мало.
Несколько недель назад я сообщил историю о трех случаях чумы в Нью-Мексико. Бактериальное заболевание возникает довольно регулярно по всему миру, но теперь его легко лечить антибиотиками, если вовремя их выявить.
История основана на том, что мы считали культовым изображением чумы, опубликованным в швейцарской Библии.
Не так давно NPR опубликовало то, что мы описали как библейское изображение 15-го века пары, страдающей волдырями бубонной чумы.Читатель заметил, что на самом деле это было изображение людей, страдающих шестой библейской чумой. Корбис скрыть подпись
переключить подпись КорбисНе так давно NPR опубликовало то, что мы описали как библейское изображение 15-го века пары, страдающей от волдырей бубонной чумы.Читатель заметил, что на самом деле это было изображение людей, страдающих шестой библейской чумой.
КорбисНо, как быстро отметила в Твиттере историк Моника Х. Грин, изображение на самом деле не изображает чуму. Показанные пациенты страдают шестой библейской чумой и проклятием гнойных нарывов на коже. Итак, мы удалили изображение и заменили его другим культовым изображением чумы из итальянского документа 15 века.Оказывается, на этом тоже не изображена Чёрная смерть. На нем изображена проказа.
Забастовка 2: Наша вторая попытка проиллюстрировать историю чумы — мы сказали, что это изображение 15-го века, сделанное Якопо Одди из кодекса La Franceschina , на котором францисканские монахи лечат жертв чумы в Италии — касается проказы. А.Дагли Орти / Getty Images скрыть подпись
переключить подпись А. Дагли Орти / Getty ImagesЗабастовка 2: Наша вторая попытка проиллюстрировать историю чумы — мы сказали, что это изображение 15-го века Якопо Одди из кодекса La Franceschina , на котором францисканские монахи лечат жертв чумы в Италии, — касается проказы.
А. Дагли Орти / Getty ImagesМы дважды совершили одну и ту же ошибку. Ооо!
«Вы и многие другие», — говорит Грин, историк из Университета штата Аризона.
Как поясняет ее коллега Лори Джонс в журнале « The Lancet Infectious Diseases», NPR — далеко не первая организация, которая допускает точно такую же последовательность ошибок с изображениями.
«Большинство изображений, которые мы ассоциируем с чумой, на самом деле являются проказой», — говорит Джонс, историк средневековой и ранней современной медицины из Университета Оттавы.
Вот еще одно знаковое изображение из энциклопедии XIV века « Omne Bonum » Джеймса Ле Палмера. Это изображение часто ошибочно принимают за изображение Черной смерти, в том числе на выставке, посвященной эпидемии в Лондонском музее в 2012 году.
На этом изображении в энциклопедии XIV века под названием Omne Bonum изображен священник, дающий наставления людям, больным проказой. Британская библиотека ошибочно заклеймила изображение как изображающее людей с чумой. Британская библиотека скрыть подпись
переключить подпись Британская библиотекаИсторики, такие как Джонс и Грин, пытаются исправить такие ошибки с помощью веб-сайтов, включая NPR, BBC, Wikipedia и, что наиболее важно, в библиотеках и базах данных художественных ресурсов, включая Британскую библиотеку и Getty Images, которые распространяют изображения.
«Это искажает представление о том, как на самом деле выглядела чума и каково было ее восприятие людьми», — говорит Джонс.
Легко понять, как это произошло. По их словам, эффект домино из-за недопонимания, вероятно, возник из-за неправильных субтитров в библиотеках, а затем и в базах данных художественных ресурсов, из которых журналисты покупают фотографии.
«На фотографиях, которые были ошибочно обозначены как чума, мы видим в них то, что мы хотим видеть в отношении чумы», — говорит Джонс.Мы видим, как группы умерших, покрытых ранами, поднимаются к небесам за помощью, которая, как мы знаем, не придет.
Почти все в этом неверно.
Во-первых, задействованных спотов было намного меньше. Люди на неправильно маркированных изображениях, как правило, покрыты с головы до ног красными повреждениями. У некоторых пациентов, вероятно, действительно получили петехиальное кровотечение — выявление темных пятен крови под кожей. Но сегодня, как и в прошлом, жертвы чумы имели бы только одну шишку на теле — большой опухший лимфатический узел, называемый «бубон», недалеко от того места, где их укусила блоха, переносящая инфекцию.
Нельзя сказать, что они хорошо выглядели. Они, вероятно, потели и дрожали от лихорадки, и якобы от них пахло ужасно, говорит Джонс, «потому что их тела ломались изнутри». Но это не те характеристики, которые можно было бы выделить на иллюстрации.
Во-вторых, хотя они, безусловно, должны были изрядно молиться святым о выздоровлении, они также знали об инфекционных болезнях гораздо больше, чем мы думаем. Чума вдохновила на первое известное использование карантина, слово, которое происходит от итальянского термина «40 дней», количества времени, которое корабли должны были оставаться в море, прежде чем кому-либо разрешили ступить на землю.Это также послужило поводом для создания ранней версии отслеживания контактов, в которой практикующие врачи будут искать соседей и родственников, которые контактировали с жертвой чумы, и изолировать их, чтобы предотвратить дальнейшее распространение инфекции.
Неправильные изображения, по словам Грин, снимают наш чумной зуд. «Они соответствуют нашему образу инфекционных болезней», — говорит она, но они ошибаются. «Это большой обман, в котором участвовали все».
Итак, какие средневековые иллюстрации на самом деле и изображают чуму?
«Из того, что мне удалось найти, нет современных изображений того, как выглядит чума», — говорит историк Джонс.
Просто нет изображений того, каково было страдать от Черной смерти, нарисованных во время Черной смерти.
Примерно между 1347 и 1353 годами Черная смерть уничтожила примерно 50 процентов европейского населения. Это было ужасно. «Люди были напуганы», — говорит Джонс.
Вы могли бы подумать, говорит Джонс, «что если бы это была такая крупная катастрофа, должны были быть ее рисунки. Но их нет».
Те, которые действительно существуют, соответствуют тому, как мы показываем ужасные эпидемии сегодня — много социального хаоса и смертей, а не детальное внимание к болезни и ее симптомам.
Одна сцена из книги, написанной в 1340-х годах человеком по имени Жиль ли Муизит, показывает сцену, где люди несут гробы тех, кто умер во время Черной смерти.
Это одно из самых ранних известных изображений чумы. Нарисованный в 1349 году, во времена Черной смерти, он показывает людей, несущих гробы тех, кто умер от болезни в Турне, городе на территории современной Бельгии. UIG через Getty Images скрыть подпись
переключить подпись UIG через Getty ImagesЭто одно из самых ранних известных изображений чумы.Нарисованный в 1349 году, во времена Черной смерти, он показывает людей, несущих гробы тех, кто умер от болезни в Турне, городе на территории современной Бельгии.
UIG через Getty Images«Он не изображает физических симптомов чумы. Он изображает социальное опустошение — просто социальный хаос, связанный с необходимостью иметь дело с массовой смертью», — говорит Грин.
Еще одно изображение из 1340-х годов показывает евреев, которых обвиняли в Черной смерти, сожженных заживо на территории современной Швейцарии и Германии.
В этой книге по истории, написанной в 1340-х годах французским летописцем и поэтом Жилем ли Муизисом, жители города, пораженного чумой, сжигают евреев, которых обвиняли в возникновении болезни. Королевская библиотека Бельгии скрыть подпись
переключить подпись Королевская библиотека БельгииПочему художники не показали людей, страдающих самой болезнью?
Может быть, потому, что сами художники были слишком заняты умиранием от чумы, чтобы рисовать других людей, умирающих от чумы.Может, они были в порядке и просто очень боялись заразиться от своих подданных. Или, может быть, тогда чума стала настолько обычным явлением, что люди не сочли нужным изображать ее — точно так же, как сегодня врачи и ученые не изо всех сил публикуют изображения и отчеты о ветряной оспе.
«Это как если бы мы публикуем в медицинской литературе информацию об обычном случае гриппа — сегодня мы не тратим на это время в медицинской литературе. Как часто появляются изображения кори?» говорит Джонс.
Может быть, потому, что во время самой Черной Смерти люди понятия не имели, что убивает всех.
Первая зарегистрированная пандемия, Чума Юстиниана, закончилась 700 лет назад. Существовали подробные записи, но они были в основном написаны на сирийском или греческом языке и остались на Ближнем Востоке. Единственные записи, доступные в Западной Европе, говорят о чуме расплывчато — было много разговоров о смерти и кончине, но не так много подробностей о прогрессировании болезни.
«Они просто не имели представления об этой болезни», — говорит Джонс.
Лишь примерно через столетие после окончания Черной смерти люди в Западной Европе начали соединять точки. Когда османы завоевали Константинополь в 1453 году, записи о гораздо более раннем бедствии попали в Западную Европу вместе с бегущими христианскими учеными.
И люди в Европе, где небольшие вспышки продолжали возникать каждые 10-15 лет вплоть до 1720-х годов, начали соединять точки.
«Они начали говорить:« Погодите-ка, это уже случалось раньше », — говорит Джонс.
И, наконец, люди начали рисовать чуму и ее симптомы. На этой картине 1490-х годов изображен Святой Себастьян, молящийся от имени людей, пострадавших от чумы или погибших от нее.
На этой картине французского художника Жоссе Лиферинксе в конце 15 века святой Себастьян, один из святых, которому люди молились о защите от чумы, преклоняет колени перед Богом, в то время как служитель могилы поражен чумой, когда он хоронит кто-то умер от болезни.На его согнутой шее — единственный бубон. Художественный музей Уолтерса скрыть подпись
переключить подпись Художественный музей УолтерсаОбратите внимание, что эти люди совсем не покрыты пятнами. Присмотритесь, чтобы заметить опухшую красную шишку — бубон — на шее человека в зеленых рукавах, лежащего на земле.
На этом снимке 1500 года пациент указывает на бубон в подмышечной впадине.
В « Pestbuch », медицинском трактате о чуме и способах ее лечения, жертва чумы показывает трем врачам бубон в своей подмышке. Он был создан около 1500 года хирургом по имени Иероним Бруншвиг. Библиотека Конгресса скрыть подпись
переключить подпись Библиотека КонгрессаМедицинские иллюстрации конца 1400-х годов, такие как эта из Франции, предназначены для того, чтобы научить практикующих врачей, как проткнуть бубон, чтобы вывести из него инфекцию (что-то вроде «ткнуть его острой палкой»).
Эта гравюра на дереве, сделанная в Германии в конце 15 века, предназначена для того, чтобы показать врачам, как протыкать бубон, что считалось средством от чумы. Österreichische Nationalbibliothek скрыть подпись
переключить подпись Österreichische NationalbibliothekВот как на самом деле выглядела чума для людей, которые ее пережили.На изображениях мало что видно.
Но, говорит Джонс, кого мы такие, чтобы критиковать?
«Мы судим средневековых людей за то, что у них не было этих изображений на Черной смерти, но где наш современный образ?» она сказала.
В конце концов, чума все еще существует во многих частях мира, в том числе в США. Где в этом году изображения бубонов на американских пациентах с чумой? Как насчет фотографий страдающих от чумы на Мадагаскаре, где в результате недавней вспышки болезни погибли десятки людей? И, в конце концов, многие ли из нас могут описать, как на самом деле выглядит человек, страдающий от Эболы?
«Мы всегда строим повествование», — говорит Грин.И часто это повествование больше связано с передачей эмоций, чем с медицинскими фактами.
Обнародованоэскизов подозреваемых, разыскиваемых в убийстве человека на восточной стороне Хьюстона
ХЬЮСТОН — Следователи по расследованию убийств опубликовали два эскиза людей, разыскиваемых в убийстве 22-летнего мужчины в начале этого месяца на восточной стороне Хьюстона.
Управление шерифа округа Харрис сообщило, что стрельба произошла 13 ноября около 21:40 в квартале Увалде, 250, в комплексе Graham Apartments.
Власти заявили, что 22-летний Джулиан «Жужу» Кобос был застрелен, когда к нему подошли трое мужчин, когда он находился в общей зоне возле здания 17 с другом. По словам властей, эти люди пытались ограбить его, и когда Кобос сбежал, он был застрелен.
Эскиз третьего человека не публиковался.
Его мать, Нэнси Кобос, сказала, что последние две недели были чрезвычайно тяжелыми.
«Они украли у меня моего ребенка. Они украли отца моей внучки », — сказала она.
Она сказала, что ее сын любит быть рядом со своей семьей.
«У него было самое большое сердце, и он любил свою дочь. Теперь это был его мир, чтобы увидеть, что она вырастет без него, это тяжело », — сказала она.
Объявление
Нэнси Кобос сказала, что он был в гостях у друга, когда трое мужчин пытались их ограбить.
«Один из них, должно быть, вытащил пистолет, и мои сыновья бросились бежать, а когда он бежал, они выстрелили ему несколько раз в спину», — сказала она.
Джулиана доставили в больницу, где он скончался.В ходе следствия свидетели рассказали депутатам, что он участвовал в наркобизнесе. Его мать говорит, что это неправда.
«Еще мне рассказали, что он работал над своей машиной, потому что у него был открыт капот. Я получила все эти истории, и это похоже на то, что если бы в жилом комплексе были камеры наблюдения и они работали так, как должны, тогда мы могли бы получить более подробную информацию о том, что именно произошло », — сказала Нэнси Кобос.
Кобос надеется, что новая информация и рисунки подозреваемых дадут ее семье некоторые ответы.
«Просто тот факт, что эти люди наслаждаются жизнью, а моего сына здесь нет, чтобы наслаждаться своей», — сказала она.
Если у вас есть какая-либо информация по этому делу, обратитесь в офис шерифа округа Харрис по телефону 713-221-6000.
Copyright 2020 KPRC Click2Houston — Все права защищены.
Призрачное искусство за снаряжением Death Stranding и вурдалаками
Прошло несколько месяцев с тех пор, как я играл в Death Stranding , но я не мог перестать думать о некоторых деталях: о том, как Сэм Бриджес собирает металлические ящики, а затем носит их на спине; кошмарные монстры, похожие на смолу, которые появляются, когда вас замечают призрачные ТТ, усеивающие местность; и почти очаровательная роботизированная рука, которая делает все, от распознавания призраков до успокоения младенцев.Это странное сочетание сверхъестественного и механического, которое невозможно забыть.
Впрочем, это не должно вызывать особого удивления. Хидео Кодзима и его команда известны своим упорным миростроительством и почти фанатичным вниманием к деталям, оба из которых полностью демонстрируются в постапокалиптическом царстве Death Stranding . Если вы, как и я, все еще думаете о Сэме, Хрупком и BB, вы, вероятно, захотите покопаться в новой книге The Art of Death Stranding от Titan Books, которая доступна сегодня.
В отличие от игры, артбук не очень многословен. Есть несколько подписей, но нет подробных объяснений или эссе о том, что было сделано при создании мира игры. Вместо этого он позволяет изображениям говорить сами за себя. Он разделен на два основных раздела — персонажи и локации — и в них вы найдете множество более конкретных глав, начиная от ранних набросков Сэма и заканчивая искусством вдохновленных пустынных городов Death Stranding и чудесно функциональными. ищу конструкции мехов, транспортных средств и снаряжения.Особенно интересны некоторые из неиспользуемых конструкций, например, гладкая граната, которая может запускать голограммы.
Вы можете получить представление о том, что находится внутри, с этой коллекцией эксклюзивных произведений искусства, взятых из The Art of Death Stranding , которая охватывает некоторые из существ и персонажей в игре. Есть плавающие медузы, киты-нежить и золотые маски-черепа — именно то, что заставит вас захотеть вернуться в преследующий мир Кодзимы.
© Sony Interactive Entertainment Inc., 2019 г.Death Stranding является товарным знаком Sony Interactive Entertainment LLC. Создано и разработано Kojima Productions. Изготовлено по лицензии Sony Interactive Entertainment LLC.
Тайна того, почему Микеланджело сжег свои наброски незадолго до своей смерти
В конце длинной сводчатой комнаты в Галерее Академии стоит человек, которого провозгласили воплощением совершенства.
Он небрежно смотрит в сторону в непринужденной позе контрапоста.Его пресс колеблется в естественном свете, который проникает сквозь куполообразный потолок, его кудрявые волосы идеально уложены с каждой прядью, а пальцы рук и ног точно детализированы до складок и вен, демонстрируя артистизм, который может привлечь внимание зрителей. слезы.
Этот человек — Давид, которого ищут ежегодно миллионы туристов, посещающих Флоренцию, и он представляет собой вершину скульптуры эпохи Возрождения.
Но если бы вы изучили рисунки, карикатуры и бумаги, оставленные Микеланджело, гением, стоящим за этой работой, вы бы простительно подумали, что однажды мастер-скульптор взял свое долото и вырезал этот идеальный образец из воздуха. .Подготовительных рисунков для Давида не существует.
Микеланджело трудился, чтобы отточить свой талант и мастерство, не говоря уже о его общественном восприятии (он был ранний гением в персональном брендинге), и это окупилось. При жизни он был почитаем, и его работа высоко ценилась лучшими покровителями его времени. Но он не всегда хотел демонстрировать усилия, необходимые для достижения этого величия.
Хотя до нас дошли 600 рисунков мастера, это лишь малая часть подготовительных работ, которые он, как полагают, создавал на протяжении всей своей жизни.(Его старший и соперник Леонардо да Винчи, например, оставил уцелевшие 4000 страниц.)
Потерю повлияло множество факторов, в том числе капризы времени, но для многих рисунков именно сам художник был агент разрушения. За несколько дней до смерти Микеланджело, когда его здоровье ухудшалось, художник развел два костра и сжег все, что попадалось в руки.
Это был не первый раз, когда Микеланджело предавал свои работы огню.
К 1518 году скульптору было за сорок, и он уже был признанным художником в Италии эпохи Возрождения.
К этому времени он вылепил Пьету, Вакха и Давида и расписал Сикстинскую капеллу. Он выполнил несколько заказов для Ватикана, прежде чем его вызвал во Флоренцию в 1515 году другой великий столп художественного покровительства эпохи — Медичи. (Во второй половине его карьеры эти двое стали одним и тем же.)
На протяжении всего становления Микеланджело как художника его основой было рисование.Здесь он развивал свои идеи и свою технику, где решал технические проблемы и где исследовал инновации. Он принял концепцию «дизайна», идею рисования и дизайна, которая царила во Флоренции в то время.
Согласно Алану Райдингу в The New York Times , Микеланджело написал записку студенту в 1520 году, умоляя его: «Нарисуйте Антонио, нарисуйте Антонио, нарисуйте и не теряйте время зря».
Хотя рисунок имел важное значение для развития хваленой художественной практики, согласно Микеланджело, он не был на вершине иерархии искусства.Он приземлился прямо за скульптурой, живописью, а затем и архитектурой.
Но то, что Микеланджело не поставил свои эскизы в один ряд с Давидом, не означает, что он не защищал эти работы.
Может быть, папа Юлий II и Лоренцо Медичи со всего мира могли позволить себе заказать у него величественные скульптуры, картины и часовни, но рядовые представители высшего сословия в итальянских городах-государствах были вынуждены довольствоваться тем, что получали свои приложить руки к любому произведению звездного артиста, которое они могли бы.
Его рисунки пользовались большим спросом, и Микеланджело не всегда был счастлив, когда они попадали в мир.
Райдинг пишет, что Микеланджело однажды отругал своего отца по почте за то, что он показал некоторые из своих рисунков «посторонним», а в « Микеланджело: достижение славы » Майкл Херст описывает некоторые из своих действий как «вызванные его сильной неприязнью, если не не паранойя несанкционированного доступа к его творениям ».
Возможно, именно в этом психологическом климате произошел первый зарегистрированный случай, когда Микеланджело разрушил свои собственные подготовительные работы.В начале 1518 года он приказал своему помощнику в Риме Леонардо Селлаио сжечь несколько карикатур, хранившихся в его доме.
«5 февраля 1519 года Селлаио сообщил, что почти все они были сожжены; он выражает свое сожаление по поводу этого решения, подтверждая при этом, что он самоотверженно его выполнил »
Карикатуры — это предварительные рисунки, сделанные художниками для переноса рисунков на стены или холсты, и в этом случае считается, что Микеланджело использовал это для мультфильмов он писал Сикстинскую капеллу.
«5 февраля 1519 года Селлаио сообщил, что почти все они были сожжены; он выражает свое сожаление по поводу этого решения, подтверждая, что он самоотверженно его выполнил », — пишет Херст.
Это была неприятная новость для многих служителей Микеланджело, не говоря уже об ученых следующих столетий. При жизни художника по крайней мере один из его сторонников, Пьетро Аретино, умолял его перестать уничтожать его рисунки.
В Микеланджело Чертежи: Ближе к Мастеру , пишет Hugo Chapman, что Аретино, «в его замедленным, но безуспешные попытки выпросить дар некоторых рисунков, выполненной Микеланджело, упоминает в письмах художника написан из Венеции в 1538 и 1546 что он был бы счастлив принять произведения, которые иначе могли бы сгореть.
Он был бы потрясен, узнав, что Микеланджело сделает в конце своей жизни. В 1546 году, когда скульптору было за семьдесят, его здоровье пошло на убыль. Микеланджело недавно пережил смерть нескольких близких друзей, и он, должно быть, знал, что его ждало.
Он написал очень короткое завещание, «оставив свою душу Богу, свое тело земле, а свое материальное имущество своим ближайшим родственникам», — пишет Говард Хиббард в книге « Микеланджело ».И тогда он решил отбраковать эти материальные ценности.
Согласно сообщениям племянника художника, Микеланджело развел два костра и начал сжигать все рисунки и работы на бумаге, которые были в то время в его мастерской в Риме. Уцелели только несколько мультфильмов и два рисунка.
Мы никогда не узнаем наверняка, какие сокровища были сожжены в тех последних кострах или почему Микеланджело на протяжении всей своей жизни был так полон решимости скрыть свой процесс.Его скрытный характер, несомненно, сыграл свою роль, и это не было полностью необоснованным. За ним по пятам наступали соперничающие художники и новички, жаждущие раскрыть секреты его новаторского стиля и гения.
Но есть и другое объяснение его действий, которое продвигает Джорджо Вазари, биограф художников эпохи Возрождения.
«Я знаю, что незадолго до своей смерти он сжег множество рисунков, набросков и карикатур, сделанных его собственными руками, чтобы никто не мог увидеть его труды и его методы проверки своего гения. и чтобы он не выглядел менее чем совершенным »
Вазари считал, что Микеланджело хотел сохранить ауру совершенства, и он хотел скрыть кропотливую работу, которая была вложена в создание каждого из его шедевров.Короче говоря, он пытался контролировать повествование и образ Великого скульптора Микеланджело, поэтому он сжег свидетельства работы и процесс, который потребовался для ее достижения.
Как писал Вазари: «Я знаю, что незадолго до своей смерти он сжег огромное количество рисунков, набросков и карикатур, сделанных его собственной рукой, чтобы никто не мог увидеть, как он проделал труд и его методы. пробовать свой гений, и чтобы он не выглядел менее чем совершенным ».
Если не считать художественного гения, Микеланджело, возможно, не сильно отличался от всех нас.