Самые необычные музыкальные инструменты мира. ТОП-10

Ниже представлен рейтинг с фото десяти самых необычных музыкальных инструментов в мире. Также рекомендуем, ознакомится со списком самых сложных музыкальных инструментов в обучении.

---

10

Пикассо гитара (The Pikasso Guitar)

---

Пикассо гитара — странный музыкальный инструмент, созданный в 1984 году канадским мастером струнных инструментов Линдой Манзер для джазового гитариста Патрика Брюса Мэтини. Представляет собой гитару-арфу с четырьмя грифами, двумя резонаторными отверстиями и 42 струнами. Инструмент был назван из-за внешнего сходства с изображёнными на знаменитых картинах (1912–1914), так называемого аналитического кубизма Пабло Пикассо.

---

9

Никельхарпа

---

Никельхарпа — традиционный шведский струнный музыкальный инструмент, первые упоминания, о котором датируется приблизительно 1350 годом. Обычно современная никельхарпа имеет 16 струн и 37 деревянных клавиш, скользящие под струнами.

Для игры используется короткий смычок. Звук, издаваемый данным инструментом похож на звук скрипки только с большим резонансом.

---

8

Стеклянная гармоника

---

Стеклянная гармоника — довольно необычный и редкий музыкальный инструмент, состоящий из нескольких стеклянных полусфер различных размеров, закреплённых на металлической оси, которая частично погружена в ящик-резонатор с разбавленным уксусом. При прикосновении к краям стеклянных полусфер, вращающихся посредством педали, исполнитель извлекает нежные и приятные звуки. Данный музыкальный инструмент известен с середины XVII века. Интересно, что в некоторых городах Германии он был запрещён законом, так как в те времена считалось, что звук гармоники слишком сильно действует на душевное состояние людей, пугает животных, вызывает преждевременные роды и даже приводит к расстройству рассудка.

---

7

Эрху

---

Эрху, его также называют «китайской скрипкой» — старинный китайский струнный смычковый инструмент, созданный в седьмом веке.

Представляет собой оригинальную двухструнную скрипку внизу, которой прикреплён цилиндрический резонатор, снабжённый мембраной из кожи змеи. Является очень универсальным инструментом, он часто используется в качестве сольного инструмента, в качестве сопроводительного инструмента в китайской опере, а также в современных музыкальных жанрах таких, как поп, рок, джаз и т. д.

---

6

Зеусафон (Zeusaphone)

---

Зеусафон, или «музыкальные молнии», «пение катушки Тесла» — одна из форм плазменного громкоговорителя. Представляет собой катушку Тесла, которая была изменена, для того чтобы воспроизводить звуки, сопровождаемые красивым свечением ионов воздуха в электрическом поле высокого напряжения. Термин «пение катушки Тесла» был придуман Дэвидом Нуньесом после публичной демонстрации данного устройства 9 июня 2007 года в Нейпервилле, штат Иллинойс, США.

---

5

Гидравлофон (Hydraulophone)

---

Гидравлофон — странный акустический музыкальный инструмент, действующий на принципе преобразования колебаний жидкостей в звук. Он имеет несколько отверстий, через которые бьют потоки воды и когда один из потоков блокируется, инструмент производит звук, формируемый не воздухом, а водой. Был изобретён канадским учёный и инженером Стивом Манном. Самый большой в мире гидравлофон находится в научном центре Онтарио, Канада.

---

4

Поющее дерево в Барнли

---

Поющее дерево — уникальная музыкальная скульптура, расположенная в Пеннинских горах недалеко от города Бернли в графстве Ланкашир, Англия. Скульптура была построена 14 декабря 2006 года и представляет собой трехметровую конструкцию, состоящую из стальных оцинкованных труб, разной длинны, которые благодаря энергии ветра издают низкий мелодичный гул.

---

3

Терменвокс

---

Терменвокс — необычный электромузыкальный инструмент, созданный русским физиком и изобретателем Левом Терменом в 1919 году. Главной частью терменвокса являются два высокочастотных колебательных контура, настроенные на общую частоту. Электрические колебания звуковых частот создаются генератором на электронных лампах, сигнал пропускается через усилитель и превращается громкоговорителем в звук. Игра на терменвоксе заключается в том, что исполнитель управляет его работой, изменяя положение ладоней возле антенн инструмента. Двигая рукой вокруг стержня, исполнитель регулирует высоту звука, а жестикуляции вокруг дуги позволяет влиять на громкость. За счёт изменения расстояния ладоней музыканта к антенне инструмента меняется индуктивность колебательного контура, и как следствие, частота звука. Одной из первых и самых выдающихся исполнительниц на этом инструменте была американская музыкантша Клара Рокмор.

---

2

Ханг

---

На втором месте в списке самых необычных музыкальных инструментов в мире находится Ханг. Это музыкальный ударный инструмент, созданный в 2000 году Феликсом Ронером и Сабиной Шерер из швейцарского города Берна. Состоит из двух соединённых между собой металлических полусфер с резонаторным отверстие размером 8–12 см.

---

1

Сталактитовый орган

---

Сталактитовый орган — уникальный музыкальный инструмент, находящийся в Лурейских пещерах, штат Виргиния, США. Был создан в 1956 году математиком и учёным Лиландом Спринклом, который на протяжении трёх лет обрабатывал свисающие с потолка пещеры сталактиты для получения идеального звучания. После чего он к каждому из них прикрепил молоточек, управляемый с помощью электричества от органной клавиатуры. Этот инструмент занимает площадь в 14 квадратных километров и является самым большим музыкальным инструментом в мире.

Поделитесь в соц. сетях

Пабло Пикассо. «Гитара и скрипка» – Радио Орфей (Москва 99,2 FM)

Говорят, если во сне увидишь, что играешь на гитаре, утром встретишь любовь.

Её звали Ева Гуэль. Хрупкая, робкая, лёгкая.

«Если бы я был волшебник, все женщины на земле ходили бы с распущенными волосами», — Пабло с восхищением смотрел на неё и рисовал — «Твоё тело сладостно напоминает форму скрипки. Когда ты сердишься или печалишься, то похожа на страстную гитару. Поверь, искусство и секс — это одно и то же».

Им было хорошо вместе. Хотелось изведать всё, что вдохновляет: море, ветер, объятия, вино, птицы. Они покупали голубей, раскрашивали им лапки и выпускали на волю.

Он покупал музыкальные инструменты, которые волновали и возбуждали их: гитары, мандолины, скрипки, и разбирал их на мелкие части — не давал покоя вопрос «Как устроена музыка?»

Где прячется душа любимой женщины?

Пабло открыл ей свой секрет: он по утрам любил играть на трубе. На рассвете, горделиво приосанившись, как петух он выпячивал грудь, и энергичные звуки трубы приветствовали новый день.

«Мы жили весело. Но Ева умерла, и моя жизнь превратилась в ад».

Пикассо вспоминал, как в детстве жуткое землетрясение мгновенно превратило красоту в руины. Отец успел вытащить Пабло из-под обломков. С тех пор ему снились жуткие сны: мир сотрясается от грохота, всё вокруг разбивается, разлетается на мелкие кубики. После смерти Евы этот кошмар стал всё время возвращаться к нему.

Может быть, кубизм пришёл из этих снов? Отзвук усилий уцелеть, желание собрать мир заново из крошечных обломков, или, может быть, разъять пространство на мелкие частицы?

Несколько лет Пикассо жил уединённо. Не обращал внимания на женщин, перестал разговаривать, писать, сочинять.

Почему так стонет гитара? Почему так мучительно плачет скрипка? Почему женское тело напоминает таинственную и пленительную форму этих волшебных инструментов? Может быть, стиль — это простой способ говорить о сложных вещах?

«Я не ищу новых форм. Я их нахожу».

Гитара и скрипка — Пабло Пикассо📕

Еще один шедевр, который находится в России, а именно в Государственном Эрмитаже Санкт-Петербурга — шедевр с мировым именем «Скрипка и гитара».

Картина написана в стиле кубизма, которым вплотную увлекался в то время Пабло Пикассо. «Синтетический кубизм» — именно к этому направлению относят работу. Эта фаза кубизма характеризуется контрастностью и декоративностью, чаще всего в данной манере пишут натюрморты, афиши или картины, где главными героями выступают предметы быта и музыкальные инструменты. Родоначальниками этого направления стали Брак и Пикассо. Они настолько увлеклись поисками новых средств выразительности, что стали использовать в своих работах нетрадиционные материалы, такие как песок, куски газет, веревки, обрывки обоев и т. д.

В период с 1912 г. по 1913 г. Пикассо создал целый ряд произведений, главными героями которых выступали музыкальные инструменты, однако, наиболее известной является именно «Скрипка и гитара».

Пространство картины расчленено на множество плоских элементов, которые соединяются и взаимопроникают друг в друга — узоры, кусок грифа, скрипичные «эссы», часть обоев, фрагмент столика, едва заметный намек на бокал, и вот из хаоса разрозненных элементов рождается натюрморт, как осколок какого-то музыкального впечатления.

Как и любое сложное произведение, эту картину также трактуют по-разному, в зависимости от своего разумения и мироощущения. Одни видят в ней души инструментов, осязаемые и звучащие, другие же находят в ней большее — своеобразную иллюстрацию фрагмента чьей-то жизни, возможно, музыканта, а может просто завсегдатая кафе или кабаре.

Спокойные цветовые сочетания не отвлекают от восприятия формы, а выстроенная конструкция рождает сюжет, который звучит убедительно и смело.

Не глядя на многие споры вокруг кубизма и самого Пикассо, хвалебные оды или, наоборот, назойливую критику, примерно в это время жизнь художника динамично пошла в гору — работы в новой стилистике принесли ему долгожданную известность и успех, а вместе с этим и материальное благополучие.

10 необычных музыкальных инструментов

10 самых необычных музыкальных инструментов

в мире

10

Пикассо гитара (The Pikasso Guitar)

Пикассо гитара — странный музыкальный инструмент, созданный в 1984 году канадским мастером струнных инструментов Линдой Манзер для джазового гитариста Патрика Брюса Мэтини. Представляет собой гитару-арфу с четырьмя грифами, двумя резонаторными отверстиями и 42 струнами. Инструмент был назван из-за внешнего сходства с изображёнными на знаменитых картинах (1912–1914), так называемого аналитического кубизма Пабло Пикассо.

Никельхарпа

Никельхарпа — традиционный шведский струнный музыкальный инструмент, первые упоминания, о котором датируется приблизительно 1350 годом. Обычно современная никельхарпа имеет 16 струн и 37 деревянных клавиш, скользящие под струнами. Для игры используется короткий смычок. Звук, издаваемый данным инструментом похож на звук скрипки только с большим резонансом.

8

Стеклянная гармоника

Стеклянная гармоника — довольно необычный музыкальный инструмент, состоящий из нескольких стеклянных полусфер различных размеров, закреплённых на металлической оси, которая частично погружена в ящик-резонатор с разбавленным уксусом.

При прикосновении к краям стеклянных полусфер, вращающихся посредством педали, исполнитель извлекает нежные и приятные звуки. Данный музыкальный инструмент известен с середины XVII века. Интересно, что в некоторых городах Германии он был запрещён законом, так как в те времена считалось, что звук гармоники слишком сильно действует на душевное состояние людей, пугает животных, вызывает преждевременные роды и даже приводит к расстройству рассудка.

Эрху

Эрху, его также называют «китайской скрипкой» — старинный китайский струнный смычковый инструмент, созданный в седьмом веке. Представляет собой оригинальную двухструнную скрипку внизу, которой прикреплён цилиндрический резонатор, снабжённый мембраной из кожи змеи. Является очень универсальным инструментом, он часто используется в качестве сольного инструмента, в качестве сопроводительного инструмента в китайской опере, а также в современных музыкальных жанрах таких, как поп, рок, джаз и т.

д.

Зеусафон (Zeusaphone)

Зеусафон, или «музыкальные молнии», «пение катушки Тесла» — одна из форм плазменного громкоговорителя. Представляет собой катушку Тесла, которая была изменена, для того чтобы воспроизводить звуки, сопровождаемые красивым свечением ионов воздуха в электрическом поле высокого напряжения. Термин «пение катушки Тесла» был придуман Дэвидом Нуньесом после публичной демонстрации данного устройства 9 июня 2007 года в Нейпервилле, штат Иллинойс, США.

Гидравлофон (Hydraulophone)

Гидравлофон — странный акустический музыкальный инструмент, действующий на принципе преобразования колебаний жидкостей в звук. Он имеет несколько отверстий, через которые бьют потоки воды и когда один из потоков блокируется, инструмент производит звук, формируемый не воздухом, а водой. Был изобретён канадским учёный и инженером Стивом Манном.

Самый большой в мире гидравлофон находится в научном центре Онтарио, Канада.

Поющее дерево в Барнли

Поющее дерево — уникальная музыкальная скульптура, расположенная в Пеннинских горах недалеко от города Бернли в графстве Ланкашир, Англия. Скульптура была построена 14 декабря 2006 года и представляет собой трехметровую конструкцию, состоящую из стальных оцинкованных труб, разной длинны, которые благодаря энергии ветра издают низкий мелодичный гул.

Терменвокс

Терменвокс — электромузыкальный инструмент, созданный русским физиком и изобретателем Левом Терменом в 1919 году. Главной частью терменвокса являются два высокочастотных колебательных контура, настроенные на общую частоту. Электрические колебания звуковых частот создаются генератором на электронных лампах, сигнал пропускается через усилитель и превращается громкоговорителем в звук.

Игра на терменвоксе заключается в том, что исполнитель управляет его работой, изменяя положение ладоней возле антенн инструмента. Двигая рукой вокруг стержня, исполнитель регулирует высоту звука, а жестикуляции вокруг дуги позволяет влиять на громкость. За счёт изменения расстояния ладоней музыканта к антенне инструмента меняется индуктивность колебательного контура, и как следствие, частота звука. Одной из первых и самых выдающихся исполнительниц на этом инструменте была американская музыкантша Клара Рокмор

Ханг

На втором месте в списке самых необычных музыкальных инструментов в мире находится Ханг — музыкальный ударный инструмент, созданный в 2000 году Феликсом Ронером и Сабиной Шерер из швейцарского города Берна. Состоит из двух соединённых между собой металлических полусфер с резонаторным отверстие размером 8–12 см.

Сталактитовый орган

Самым необычным музыкальным инструментом в мире является Сталактитовый орган. Это уникальный музыкальный инструмент, находящийся в Лурейских пещерах, штат Виргиния, США. Был создан в 1956 году математиком и учёным Лиландом Спринклом, который на протяжении трёх лет обрабатывал свисающие с потолка пещеры сталактиты для получения идеального звучания. После чего он к каждому из них прикрепил молоточек, управляемый с помощью электричества от органной клавиатуры. Этот инструмент занимает площадь в 14 квадратных километров и является самым большим музыкальным инструментом в мире.

Кубизм. Самый радикальный переворот в искусстве со времен Ренессанса | Публикации

В начале прошлого века революции в искусстве совершались регулярно через 2-3 года, и каждая из них переворачивала вещи никак не меньшие, чем мироздание в целом

После того, как мастера фовизма разобрались с цветом, признав его условным и зависящим не от реальности, а от тех задач, которые художник решает на своем холсте, пришло время что-то сделать с предметом и пространством. В конце концов, мир уже начал потихоньку привыкать к тому, что любая женщина, в том числе и голая, может быть синего цвета. Пришла пора дать человечеству по голове с другой стороны.

Этим вплотную занялись опытные интрансигенты и бывшие фовисты Жорж Брак, Морис Вламинк и Андре Дерен. Неожиданное подкрепление они получили от примкнувших к ним испанских гастарбайтеров Пабло Пикассо и Хуана Гриса. Причем, первый из них стал первым и в новом направлении.

Все началось с того, что Пикассо написал картину «Авиньонские девицы» — принципиальную работу для раннего авангардизма. Сейчас-то она выглядит вполне традиционной, а тогда, в 1907 году, настолько потрясла даже ближайших друзей автора, что они заподозрили его в сумасшествии. «Когда-нибудь мы найдем Пабло висящим за ширмой», — сумрачно отреагировал на картину Вламинк. И даже непримиримый Брак сказал Пикассо: «Ты пишешь картины, как будто хочешь заставить нас съесть паклю или выпить керосину». Так они все-таки хоть раз побывали в шкуре людей, которые смотрят их картины.

П. Пикассо. «Авиньонские девицы»

Эта работа поставила много вопросов, которые потом будет решать кубизм. В ней отсутствуют перспектива и светотень, массивные и весомые фигуры девушек деформированы и огрублены, пропорции их нарушены, одна из них – та, что сидит — показана с двух ракурсов, голова – спереди, а тело – сзади. Плоскость картины рассечена на жесткие сегменты, а лица некоторых персонажей представляют собой негритянские маски. Понятно, почему картина вызвала шок. С него и начался первый кубистический период – сезанновский.

Вообще, Сезанн – парадоксальная фигура в истории искусства 20 века. С одной стороны, это один из последних представителей мощной классической традиции, идущей от Пуссена – несмотря на внешнюю непохожесть на него. С другой стороны, Сезанн оказался не просто предтечей, а прямо-таки создателем раннего авангардизма. На него ссылались и фовисты, и экспрессионисты, и кубисты, и даже, не к ночи будет сказано, абстракционисты.

П. Сезанн. «Персики и груши»

Кубисты многое взяли у Сезанна — нарушение перспективы, показ предметов одновременно с нескольких ракурсов; цветовую сдержанность, перешедшую у них в трехцветку охра-черная-зеленая; основательность, весомость и устойчивость объемов, а также завет «трактуйте природу посредством цилиндра, шара и конуса», что означает сведение любых предметов к этим формам. Хотя с рисования цилиндра, шара и конуса начиналось любое традиционное художественное образование, кубисты нашли в этом принципе высшее оправдание для своих экспериментов.

Сам термин «кубизм» придумал тот же журналист, который когда-то уже дал имя фовизму — Луи Воксель. В своей рецензии на выставку Брака он назвал новое направление игрой в кубики.

Ж. Брак. «Эстак»

В ответ на тихие, мирные творческие искания новаторов в очередной раз раздавались крики о смерти искусства. И это притом, что кубисты вначале вернули живописи объем, отнятый у нее предыдущими революциями. Но потом они логически рассудили, что и с объемом надо бы что-то делать. И стали дробить изображаемые объекты на мелкие грани, разворачивать их на плоскости, выворачивать наизнанку. И так они это проделывали, что объекты уже и узнать было невозможно. В результате получалось то, что Николай Бердяев по-доброму назвал «складными чудовищами».

Х. Грис. «Книга, стаканы и трубка»

И цель-то у всех этих жестоких манипуляция была вполне благородная – дать зрителю возможность увидеть, из чего состоит объем, показать его со всех точек зрения, в т.ч. изнутри. Таким образом, в живопись как бы вводилось понятие времени – человек, глядя на картину, словно бы долго вертел изображенный на ней объект в руках, обходил его вокруг, заглядывал внутрь. Именно поэтому, кстати, так полюбили кубисты изображать скрипки и гитары – большие возможности открывались.

Ж. Брак. «Скрипка и подсвечник»

Факт возвращения публике категории времени позволил сведующим специалистам назвать все это переворотом почище коперниковского в астрономии – все-таки со времен Ренессанса категория времени в живописи отсутствовала. Допустим, она была в средневековых фресках, показывающих в одной композиции последовательно происходящие события.

По сути, кубисты изображали не то, что видели, а то, что знали. Например, они же знали, что отверстие у бутылки круглое — с какого ракурса на нее не смотри. А не эллиптическое, каким оно становится в результате перспективного сокращения. Пикассо вообще говорил, что пишет «не с натуры, а подобно натуре».

Примерно в это же время появляется еще одна игра с реальностью – коллажи, то бишь вклеенные в картину куски газет, рекламных проспектов, обоев и т.д.

П. Пикассо. «Трубка, стакан и бутылка»

На самом деле введение настоящих предметов в изображение существовало еще в барокко. Тогда в картину вклеивали, скажем, циферблаты часов, а в батальную фреску монтировали пушечное ядро. Но в классическом искусстве это подчеркивало мастерство художника – вот попробуйте отличить реальный предмет от его изображения. А в кубизме этот трюк как бы говорит, что вот эти нарисованные художником каляки-маляки — такая же реальность, как и сама банальная реальность. То есть коллаж уравнивает эти две вещи.

Все эти эксперименты происходили примерно в течение двух лет, с 1910 по 1912 гг., и период этот обычно называют аналитическим.

Третий, синтетический период развития кубизма, получился так. Разрушив пространство и объем, превратив их в кучу простых геометрических элементов, кубисты решили — раз уж так получилось — собирать из них новые конструкции, мало чем напоминающие исходник.

Ф. Леже. «Матрос с баржи»

Кубизм в своем синтетическом периоде, с одной стороны, плавно движется в сторону абстракции.

Р. Делоне. «Португалка»

С другой же стороны, теряя свой революционный пафос, он движется в сторону декоративности, постепенно превращаясь в то, что потом было названо инсайдерами рококо-кубизмом.

П. Пикассо «Музыкальные инструменты»

Если в аналитическом периоде кубисты раскладывали предмет на составные элементы, а в синтетическом кроили из них некие квазиреальные структуры, то рококо-кубизм совершенно свободно комбинировал отдельные пластические и красочные элементы, не стремясь создать из них какие-либо структуры по образу и подобию тех, что встречаются в жизни.

Главная задача, которую решает рококо-кубист – организовать плоскость картины по законам декоративности, но использовать при этом кубистические обломки предметов.

Кроме того, кубизм в это время пошел развиваться экстенсивно, вширь — появляются картины с ассамбляжами, рельефами, контррельефами и, как итог, кубистическая скульптура.

Ж. Липшиц. «Арлекин с кларнетом»

Кубизм стал настоящей школой авангардизма, его уроки в разных странах усваивали крупнейшие в будущем мастера. В России его влиянием были задеты Малевич, Попова, Степанова, Бурлюки, художники объединений «Бубновый валет», «Ослиный хвост» и «Союз молодежи».

 

Автор: Вадим Кругликов

Проект Самые необычные музыкальные инструменты

Муниципальное общеобразовательное учреждение  «Средняя общеобразовательная школа №64 имени Б. Ручьёва»  города Магнитогорска

Тема проекта: Самые необычные музыкальные инструменты

Тип проект: Информационно — познавательный

 

 

Автор проекта: Мартынова Яна

обучающийся 7«Д» класса.

Наставник проекта: Морункова Марина Васильевна

учитель музыки.

 

 

Оглавление. 2

Введение. 2

Актуальность. 3

Электрическое фортепиано. 4

Фото электрического фортепиано. 5

Пикассо. 6

Фото Пикассо. 7

Поющее дерево. 8

Фото поющего дерева. 8

Варган. 9

Фото Варгана. 10

Морской орган. 11

Фото Морского органа. 12

Рояль-кит. 13

Фото Рояль-кита. 14

Заключение. 15

Список используемой литературы. 16

 

 

 

 

 

 

   Мир полон самых разных, удивительных и необычных звуков. Сливаясь воедино, они превращаются в мелодию:  умиротворяющую и бодрую, веселую и грустную, романтичную и тревожную. Вдохновляясь звуками природы, человек создал музыкальные инструменты, с помощью которых получается воссоздать самые впечатляющие, душещипательные мелодии. И кроме известных всему миру инструментов, типа фортепиано, гитары, барабана, саксофона, скрипки и прочих, существуют музыкальные инструменты, не менее интересные как по внешнему виду, так и по звучанию.

Цель проекта:

Раскрыть роль самых необычных инструментов в жизни человека и его использование.

Задачи:

1.    Изучить роль музыкальных инструментов.

2.    Познакомится с видами музыкальных инструментов.

3.    Собрать информацию использования, изготовления, звучания.

4.   Познакомится с их авторами.

5.    Изучить года изготовления музыкальных инструментов.

Человек создал такое множество необычных музыкальных инструментов, что в одной работе нельзя рассказать обо всех, но я представила самые интересные на мой взгляд.

 

Каждый исторический период нашей страны ассоциируется славными творческими людьми. Потребность общества в творческих, деятельных, одаренных и духовно развитых гражданах является актуальной и значимой.

Сегодня, когда в мире музыки одновременно сосуществуют различные музыкальные стили и направления, актуальной становится проблема формирования у слушателей музыкального вкуса, способного различать высокохудожественные образцы музыкального искусства от «низкосортных». Средства массовой информации преподносят, а порой и насаждают юным слушателям продукцию поп-музыки далеко не высокого качества. Поэтому очень важно с младшего возраста прививать детям лучшие образцы музыкального творчества. И в этом нам может помочь фольклор, который имеет в себе большие возможности для творческого развития школьников. Именно в искусстве школьник развивает свои творческие способности, приобретает опыт творческой деятельности, формирует свою индивидуальность.

 

 

 

 

 

 

 

Электрические фортепиано создают звук механический, после чего звуки преобразуются в электрические сигналы с помощью звукоснимателя. Первые электрические фортепиано были изобретены в конце 1920-х годов. Самой ранней моделью без струн, вероятно, был «Vivi-Tone Clavier» Лойда Лоара. Многие типы, таких инструментов были изначально созданы как более дешёвые и портативные, замена обычному фортепиано. Они предназначались для обучения, включая музыкальные школы, для развлечения раненых в военных госпиталях (например: как первые фортепиано Гарольда Родеса), для гастролей в местах, где нет обычного фортепиано. Популярность электрических фортепиано стала расти в конце 1950-х годов, достигнув пика в 1970-х. Их распространение во многом было связано с нараставшей популярностью «электрического» звучания в музыки. В 1980-х электрические фортепиано стали вытесняться электронными, которые могли воспроизводить звуки фортепиано, не используя движущихся частей со свойственными им недостатками. В настоящее время цифровые электронные сценические фортепиано вытеснили большинство оригинальных электромеханических инструментов, благодаря размерам, весу и универсальности. Тем не менее в 2009 году фирма «Rhodes Music Corporation» начала производство новой линии электромеханических фортепиано.

 

 

В 1912 году Пабло Пикассо написал картину «Музыкальные инструменты». В 1913 году Пикассо «сужает рамки», создавая картину «Гитара». Впечатляет, правда? Картины поразили не только нас с вами. Канадка Линда Манзер вдохновилась настолько, что потратила два года жизни на создание вполне реального музыкального инструмента, который действительно мог бы выйти из мастерской великого художника. Получилась 42-струнная гитара с тремя грифами, которая так и называется — гитара Пикассо. Она была создана для джазового гитариста Патрика Брюса Мэтини.

 

 

В Бернли Поющее дерево — уникальная музыкальная скульптура, расположенная в Пенинских горах недалеко от города Бернли в графстве Ланкашир, Англия. Скульптура была построена 14 декабря 2006 года и представляет собой трехметровую конструкцию, состоящую из стальных оцинкованных труб, разной длинны, которые благодаря энергии ветра издают низкий мелодичный гул.

 

 

 

 

Этот древнейший язычковый инструмент за века своего существования практически не изменился внешне. От старославянского «Варги», что означает «Уста». Наиболее, варганы распространены среди народов севера: Эскимосов, Якутов, Башкиров, чукчей, алтайцев, тувинцев и бурятов. С помощью этого необычного инструмента местные жители выражают свои эмоции, чувства и настроения. Варганы изготавливают из дерева, металла, костей и прочих экзотических материалов, которые по-своему влияют на звучание инструмента. От используемого материала также зависит надежность и долговечность варгана. Описать звучание инструмента практически невозможно – лучше раз услышать его мелодию, чем 10 раз читать ее описание. Но все же можно уверенно сказать, что мелодия, исходящая от игры на варгане: бархатная, успокаивающая, настраивающая на раздумья. Научиться играть на варгане не так просто: чтобы из инструмента извлечь мелодию, необходимо научиться управлять своей диафрагмой, артикуляцией и дыханием. Ведь в процессе игры звучит не сам инструмент, а тело музыканта.

 

 

 

        

 

 

 

Художник и архитектор Никола Башич прославился благодаря уникальному морскому органу установленному на набережной хорватского города Задар. Конструкция представляет собой ряд особых трубок, играющих «музыку волн и ветра». В 2006 году экспериментальный проект Николы Башича получил признание в рамках конкурса «European Prize for Urban Public Space», раз в два года проходящего в крупных европейских городах. Кроме того, необычный «музыкальный инструмент» пришёлся по вкусу жителям города и многочисленным туристам. Так инсталляция Башича мгновенно стала одной из современных достопримечательностей города. Открытие состоялось 15 апреля 2005 года. Можно ли называть инсталляцию Башича полноценным музыкальным инструментом – вопрос открытый, ведь наличие музыканта (взаимодействующего с конструкцией), не предусмотрено. По принципу звукоизвлечения, однако, работа Башича более всего напоминает орган.  Тридцать пять мензурированных трубок, скрытых под мраморными ступенями набережной, имеют особые отверстия для вывода звука. Движение воды и воздуха создают уникальные звуковые колебания, иногда весьма гармоничные и приятные слуху.

 

 

 

Никто не знает, правда это или вымысел, но говорят, что знаменитая таблица химических элементов «явилась» Дмитрию Менделееву во сне, советский авиаконструктор Олег Антонов увидел во сне форму хвостового оперения самолета-гиганта «Антей», которую и зарисовал после пробуждения, да и текст знаменитого хита Элвиса Пресли «Blue Suede Shoes» его автор: Карл Перкинс, также придумал во сне. Польскому дизайнеру Роберту Майкуту однажды тоже приснился знаменательный сон — о чудесном рояле, который не был похож ни на один музыкальный инструмент, который ему когда-либо приходилось видеть. Дизайнер проснулся озадаченный, и несколько недель пытался вспомнить, какой же формы был этот загадочный инструмент, как вдруг однажды его осенило — кит! Так родился рояль Whaletone.

 

Выпрыгивающий из воды кит, хотя очертаниями он больше похож на гладкого, изящного дельфина, покрытый блестящим лаком, выполненный в классических черно-белых тонах, поистине может стать настоящим украшением любой сцены. Будь тот же концертный зал филармонии или небольшая кают-компания частной яхты, квартира или клуб, детское учреждение или консерватория. А ведь, помимо необычного и стильного внешнего вида, стараниями дизайнера, внутри Whaletone не менее прекрасен.

 

 

Итак, мы выяснили самые необычные музыкальные инструменты: их происхождение, материалы (из чего  они сделаны), какая по описанию у них мелодия (звучание), их виды и познакомились с их авторами. Некоторые инструменты очень схожи не только по виду и окрасу, но и интонациями, и аккордами. Самое необычное из этих музыкальных инструментов, то что некоторые были сделаны человеком «Архитектором». Они были особенными и из-за этого их прозвали самыми необычными музыкальными инструментами. Необычные музыкальные инструменты, представляют между собой музыкальный инструмент, в котором классические способы звукообразования (колебаний твёрдых тел, столба воздуха в трубах или натянутых струн и мембран) применяются нестандартно или используются новые способы генерации звука.  Необычный инструмент изменяет или расширяет возможности существующего классического инструмента или же создает новый класс инструментов. Достигается это разными путями, например, модификацией классического инструмента. Так изготовленное на заказ «подготовленное фортепиано» приобретает новый неповторимый звук с помощью предметов, которые помещаются на или между струнами. Для изготовления необычных музыкальных инструментов используются разнообразные материалы.

      Нередко в ход идут также предметы домашнего обихода. Например, самодельный смягчитель звука для медных духовых инструментов изготавливается из заглушки для ванной. Но сложные инструменты создаются с использованием акустического оборудования, электрических приборов и электронных схем.

 

 

1.  https://урок.рф

2.  https://yandex.ru

3.  https://ru.wikipedia.org

4.  https://novate.ru

5.  https://ru.wikipedia.org

Самая влиятельная картина Пикассо. История и значение «Герники»

Выполненная в стиле кубизма и сюрреализма картина «Герника» с момента своего создания стала одним из самых узнаваемых произведений на тему ужасов войны. И это при том, что изначально Пикассо задумывал написать совершенно аполитичную картину, не имеющую ничего общего с ни с Гражданской войной в Испании, ни cо страшными событиями ХХ века в целом. Concepture публикует переводную статью об истории создания «Герники», её символизме и общественно-политическом значении.

В 1937 году Пабло Пикассо получил заказ на создание картины, которая изменит его карьеру.

Испанская Республика, которая на тот момент вела отчаянную борьбу в Гражданской войне против будущего диктатора страны Франсиско Франко, обратилась к Пикассо и другим выдающимся художникам с просьбой написать картину для испанского павильона на Всемирной выставке в Париже 1937 года. Так родилось крупномасштабное полотно «Герника», ставшее впоследствии легендарным. Картина была вдохновлена бомбардировкой одноименного баскского городка. Сейчас «Герника» находится в Национальном музее Центр искусств королевы Софии в Мадриде.

Хотя многие произведения Пикассо признаны шедеврами – например, картина «Авиньонские девицы» (1907), ставшая отправной точкой для западного абстрактного искусства – «Герника» стоит особняком в обширном творчестве этого прославленного художника. Чем же так примечательна «Герника», вызывающая отклик у всё новых поколений зрителей?

Художественные эксперименты, приведшие к «Гернике»

В 2017 году на восьмидесятую годовщину создания «Герники» в Центре искусств королевы Софии была открыта специальная выставка под названием «Сострадание и ужас: путь Пикассо к “Гернике”». Кураторами выступили историки-искусствоведы Тимоти Джеймс Кларк и Анна Вагнер, которые тщательно изучили творческое развитие Пикассо на протяжении десятилетия, предшествовавшего созданию «Герники». В середине 1920-х и 30-х годах художник был увлечен, в частности, изображением женщин и интерьерных сцен – это две темы, которые в конечном счете отобразятся и в «Гернике».

Картины Пабло Пикассо: слева – «Три танцора» (1925), справа – «Плачущая женщина» (1937)

В середине 20-х годов, когда Пикассо заинтересовался сюрреализмом, он писал интерьеры с натюрмортами, изображая такие предметы, как музыкальные инструменты и фрукты. Изначально эти картины сообщали удовольствие. Но, как объясняет Вагнер, интерьерное пространство вскоре стало клаустрофобным: «Казалось, исходящее из этих картин удовольствие обуглилось и сгорело. Оно стало театром для драмы».

Этот переход произошел в то мятежное время, когда Европа и США пытались вернуться к нормальной жизни после Первой мировой войны – это были годы, предшествовавшие биржевому краху 1929 года и началу Великой депрессии. В это время Пикассо и сюрреалисты исследовали темные пространства человеческой души. Как утверждает Вагнер, «Пикассо отлично знал, что по своей природе человек полон ужаса, трагедии, необузданности и жестокости. Он был твердо убежден, что душа – это сфера, в которой человек раскрывает свое бессознательное».

Масштабная картина «Три танцора» (1925), находящаяся ныне в Британской галерее Тейт, – важнейший образец творчества Пикассо в этот период. (Вагнер отмечает, что позже сам Пикассо считал эту картину своим величайшим произведением.) «Это дикая картина, она полна невоздержанности», – говорит Вагнер. «В пространстве комнаты Пикассо интересуют уже не столько предметы для натюрморта, сколько женские тела, которые теперь трактуются им как нечто невероятно сложное и остраненное».

Окутанный дурной славой из-за своих отношений с женщинами, Пикассо с нежностью изображал своих любовниц в своих личных произведениях, но эти образы заметно расходились с тем, какими представали женщины на его публичных картинах.

Экспонаты на выставке «Сострадание и ужас: путь Пикассо к “Гернике”». Фото: Joaquín Cortés / Román Lores

«В своем публичном искусстве Пикассо показывал, какими монументальными или архитектурными могут быть женские тела; как они могут превращаться в ловушки или машины; как они могут указывать на разные варианты реальности; и в то же время – какими они могут быть чудовищными». В картинах и набросках, созданных до «Герники», видно, как Пикассо разрабатывал символизм, который можно передать через манипуляции с женским телом – эти эксперименты нашли свое разрешение в «Гернике».

Несмотря на данные о том, что Пикассо написал «Гернику» очень быстро, эта картина не возникла из ниоткуда. Она стала плодом многих лет творчества, а также личным вкладом художника в раздираемую изнутри политику Испании, где по-прежнему жила его семья.

Пикассо получает заказ

Тогда как павильоны Германии и Советского Союза на Всемирной выставке в Париже 1937 года были огромными архитектурными воплощениями власти и влияния, Испанская Республика, к тому моменту чуть менее года пребывающая в состоянии гражданской войны и нуждающаяся в финансовой поддержке, предпочла скромное, лишенное излишеств здание, которое, однако, было наполнено произведениями мирового уровня.

Известная своим почтительным отношением к художникам и интеллектуалам, Испанская Республика оказывала поддержку многим представителям авангарда 30-х годов – в числе таких художников были, например, Жоан Миро и Александр Колдер. Пикассо получил заказ на создание крупномасштабной картины в январе 1937 года.

Фото из серии «“Герника” в процессе создания» Доры Маар

Если другие произведения, предназначенные для выставки в Республиканском павильоне, задумывались как часть политической повестки (они отличались антифашистской направленностью), то изначальный план Пикассо, если верить источникам, состоял в создании картины подчеркнуто аполитичной. По словам Вагнер, Пикассо пребывал в растерянности относительно того, что же ему написать. На предварительных эскизах изображен находящийся в своей студии художник – он стоит лицом к обнаженной модели, которая облокотилась на диван.

Изменить свои первоначальные планы Пикассо подтолкнула трагедия.

Бомбардировка Герники и создание картины

26 апреля 1937 года Франко приказал нацистскому легиону «Кондор» (он был предоставлен Франко Германией) сбросить бомбы на городок Герника. Это был базарный день; гражданское население (преимущественно женщины и дети) находилось вне дома, выйдя на городские площади. Будучи первым местом, где в Испании была установлена демократия, Герника стала символичной целью для удара. Это была безжалостная бомбардировка, которая унесла жизни сотен людей (о точных цифрах спорят до сих пор – от 200 до 1700 жертв), а еще около 900 человек получили ранения. В ходе Гражданской войны в Испании это был первый случай, когда атака обрушилась на беззащитный город.

«Из всего спектра образов, сопутствующих Гражданской войне в Испании, можно сразу же выделить тот факт, что общество было в курсе тех ужасных картин, что являли собой трупы гражданского населения – женщин и детей», – отмечает Вагнер. В самом деле, Гражданская война в Испании стала первым военным конфликтом, который нелицеприятно освещался в СМИ: никогда ранее фотографии мертвых тел не помещались на первые страницы газет. Как и бесчисленное множество других людей, 27 апреля Пикассо, находясь в Париже, раскрыл свою утреннюю газету и увидел ужасающие образы разрушенной Герники.

Жертвы бомбардировки

И хотя Пикассо уже был известным леваком – он создал пару гравюр под названием «Мечты и ложь Франко» (1937), репродукции которых продавались, чтобы добыть финансирование для Республики – бомбардировка Герники произвела на него глубочайшее впечатление. 1-го мая он отправился в свою студию на улице Гран Огюстен и начал работу над новыми эскизами для заказа.

К середине июня «Герника» была закончена; художница-сюрреалистка Дора Маар в серии своих фотографий запечатлела процесс поступательного написания картины. В июле Пикассо доставил законченную работу в Республиканский павильон, где она была выставлена в качестве центрального экспоната – по обе стороны от «Герники» расположились «Ртутный фонтан» (1937) Колдера и «Жнец» (1937) Жоана Миро.

Образ человеческой трагедии

«Герника» представляет собой неистовый клубок из шести человеческих фигур (четыре женщины, мужчина и ребенок), коня и быка; действие развивается в клаустрофобном интерьере с низким потолком, на котором пылает светом электрическая лампа. Можно заметить, что в картине осталась часть изначальной композиции (студия художника), но смысл картины поменялся кардинально – теперь это эмоциональные и физические последствия войны и жестокости.

Хотя Пикассо никогда в открытую не раскрывал символизм, стоящий за каждой фигурой и объектом «Герники» («Зритель сам должен решить, что он хочет увидеть», – так он однажды сказал), многое можно считать при первом знакомстве. В то же время искусствоведы уже на протяжении многих десятилетий проявляют небывалую скрупулезность, ища смыслы почти в каждом мазке.

«Герника» (Пабло Пикассо, 1937)

Пожалуй, наименее двусмысленны искаженные образы женщин, страдающих от физических страданий и психических мук. «Можно увидеть, что такого рода деформации – это инструменты, с помощью которых Пикассо передает боль и страдание», – объясняет Вагнер. Художник сообщает отчаяние и горе страждущих через их заостренные языки и глаза, напоминающие по форме слезы.

Крайняя слева фигура – кричащая от горя женщина. Её лицо обращено к небу, а в руках она укачивает хромого и бездыханного ребенка. Крайняя фигура справа – ревущая женщина, охваченная пламенем. Её руки воздеты к небесам. Еще одна женщина показывается из окна, в руках у неё свеча. Иногда этот образ интерпретируют как воплощение надежды. Фигура каждой из женщин нарочито аморфна, они отличаются характерными выпуклостями и углами, при этом их тела в одночасье топорно едины и словно бы распадаются на части.

На полу лежит фигура, которую идентифицируют как солдата. Он расчленен – возможно, это персонификация недавно созданной Республики. Разбросанные как осколки руки солдата крест-накрест испещрены порезами и ранами. Кисть одной из рук заключена в кулак – символ Республики – в котором стиснута сломанная сабля.

Лампа на потолке по традиции считывается как символ бомбы. Вместе с тем, учитывая форму лампы (напоминает глаз, а сама лампочка – его радужку), есть также мнение, что это намек на божье око.

Пикассо на фоне «Герники»

Бык и конь вызывают множество разных интерпретаций. Чаще всего в трактовке этих образов обращаются к той роли, которую эти животные играют в традиционном испанском бое быков: конь может стать побочной жертвой зрелища, тогда как бык должен быть смертельно ранен. Напротив, с точки зрения других исследователей, бык по причине своего отсутствующего выражения, не перекликающегося с другими фигурами, воплощает собой Франко или же фашизм в целом. Наконец, есть также те, кто усматривает в быке репрезентацию испанского наследия – стоического и недрогнувшего свидетеля трагедии.

Визуальный язык Пикассо, однако, выходит за рамки частных деталей отдельно взятой трагедии и становится универсальным. Вагнер отмечает: «Эта величественная, интенсивная и неординарная картина. Действо, разворачивающееся на полотне, исполнено боли и смерти. Но это не тот случай, когда можно сказать: «Ага, это произошло в Испании». Эта картина выражает нечто куда большее, потому что она органично встраивается в необычайно широкий контекст».

«“Герника” побуждает зрителя разделить чувство трагедии, которое, к сожалению, неотъемлемо от человеческого существования. Если вы, глядя на эту картину, почувствуете одновременно ужас и сострадание, то эти ощущения уже не отступят, с головой вовлекая вас в изображенный на полотне опыт», – утверждает Вагнер.

«Герника» в общественном сознании

После закрытия парижской Всемирной выставки «Герника» отправилась в тур по Европе. По окончании войны, когда Франко разбил республиканцев и захватил власть в Испании, картина продолжала свои путешествия, помогая собирать средства для испанских беженцев, воевавших на стороне Республики. В 1939 году «Герника» побывала в Музее современного искусства в Нью-Йорке в рамках персональной выставки Пикассо – сам художник выдвинул условие, что эта выставка должна пройти под знаком защиты «Герники».

Использование образов «Герники» в ходе антивоенной демонстрации. Фото: C. Elle / Flickr.

Между 1939 и 1952 годами «Герника» путешествовала по разным арт-центрам США. Позже картина выставлялась в Бразилии и в разных городах западной Европы, а в 1958 году она была возвращена в Нью-Йоркский музей современного искусства с намерением завершить турне по миру. За десятилетия транспортировки и повторяющихся растягиваний для выставок картина порядком износилась, так что возник риск повреждения. «Герника» оставалась в Нью-Йорке до 1981 года.

Именно в этот период «Герника» обрела жизнь и за пределами холста. Её копии появились в таких городах, как Дрезден, Берлин, Хиросима – места, ставшие синонимом атак, ударивших по мирному населению. Вместе с тем «Герника» приобрела особый резонанс в среде протестующих против войны.

«Ныне мы принимаем как само собой разумеющееся, что «Герника» – это символ современной войны», – говорит Вагнер, добавляя, что в наше время репродукции шедевра Пикассо часто появляются на антивоенных протестах по всему миру – от Калькутты до Рамаллы и Южной Каролины.

В свою очередь, как часто случается с великими произведениями искусства, современные художники обращаются к «Гернике» в собственных произведениях, адаптируя её образность под проблемы, связанные с войной и насилием.

Наследие «Герники»

Еще сам Пикассо осознавал величину политического потенциала, имеющегося в «Гернике». В 1939 году, когда разразилась Вторая мировая война, Пикассо находился под наблюдением нацистов, что по крайней мере отчасти было связано со славой «Герники» и тем месседжем, который в ней заложен. Известна история о том, как однажды в студию Пикассо наведался нацистский солдат. Указав на репродукцию «Герники» на стене, он спросил художника: «Это ваша работа?» Пикассо ответил: «Нет, ваша».

«Герника» (Луис Барда, 2013)

«Пикассо должен был выступить в защиту своей картины», – объясняет Вагнер. «Стало понятно, что ему необходимо обеспокоиться о судьбе своего творения. Он знал, что создал нечто уникальное, великое и важное. Для него было ясно как день, что картина не может вернуться в Испанию». Чтобы обеспечить безопасность картины, он получил юридический документ, в котором было указано, что «Герника» не может быть ввезена в Испанию до тех пор, пока в стране не будет установлен демократический режим.

В 1981 году, спустя шесть лет после смерти Франко и восемь – после смерти Пикассо, «Герника» наконец вернулась в Испанию. Оставаясь объектом споров и прений в среде испанского народа, приходившего в себя после почти четырех десятилетий диктатуры, картина выставлялась под пуленепробиваемым стеклом.

Стекло было убрано в 1995 году, но невозделанная политическая мощь «Герники» себя не исчерпала. В 2003 году, например, поднялась полемика, когда репродукцию «Герники» в нью-йоркском штабе ООН закрыли синим занавесом. На фоне картины должен был выступать Колин Пауэлл – в своей речи он ратовал за то, чтобы Соединенные Штаты вступили в войну в Ираке. (Выдвигались протеворечащие друг другу причины относительно решения завесить картину – так, некоторые официальные лица ООН сообщали, что в режиме видеосъемки такой фон показался журналистам отвлекающим.)

Вагнер отмечает, что вслед за «Герникой» Пикассо создавал и другие политически значимые произведения, но ни одна из них не получила такой же огласки и резонанса. «Герника» стала маркером человечности, смысл этой картины по-прежнему понятен людям со всего мира.

Оригинал

Фото на превью – выставка «Герники» в Национальном музее Центр искусств королевы Софии (Мадрид). Фото: Joaquín Cortés / Román Lores.

Об авторе: Кейси Лессер (Casey Lesser) – креативный редактор онлайн-платформы «Artsy».

Пабло Пикассо — Музыкальные инструменты, 1912

пожаловаться на это объявление

12 недавних комментариев

11 мая Кристофер из Портленда написал:
‘Люди думают, что они оригинальны с комментариями 8-летней давности? Это такая старая шутка и такая глупая. Возможно, вы думаете, как 8-летний ребенок, если вы не видите красоты и гениальности Пикассо. Пожалуйста, вернись к телевизору. Это искусство не для тебя ».

01 мая Austral от Лейтон Баззард написал:
«Я не понимаю тех, кто говорит, что« не понимает шумиху ».Конечно, это страница о Пикассо, так что если он тебе не нравится, не ходи сюда ?? … Честно говоря, пять лет назад мне не нравился Пикассо так сильно, как сейчас. Он не для всех, особенно его авангардные работы, но когда вы смотрите на его дырочные работы, я не могу не быть впечатлен. У него был такой широкий диапазон стилей, и он добился больших успехов в большинстве из них. Конечно, он был высокомерным человеком, и я не фанат его личности, но я не думаю, что ему было бы важно, что мы думаем.Я просто надеюсь, что если есть загробная жизнь, у Анри Россо будет собственная спина. 🙂 ‘

28 марта Макс Топфер из Германии написал:
«Это Хосеп Фондервила, владелец гостиницы в Госоле, Испания. Пикассо потратил 2 недели и получил новое вдохновение, завершив свой период сине-розового ‘

14 марта cr33p3r из Германии написал:
‘ Ребята, в чем смысл этой картины, мне нужно знать для художественного проекта в школе ‘

10 марта Проф.да Коста из Филадельфии написал:
«для всех вас, вдохновленных и, возможно, немного напуганных Пикассо, если вы хотите рисовать, раскрашивать (множество онлайн и бесплатных веб-сайтов), а если нет, не пугайтесь. Вы сможете оценить его работу и / или когда-нибудь будете в силах проснуться и зарисовать, зарисовать или скопировать работы мастера. Все хорошо. По крайней мере, вы пришли посмотреть этот сайт. Раньше я не ценил Пикассо, пока не узнал о нем больше. Конечно, он был женоненавистником, но дело его жизни потрясающее.Я начал в 18 месяцев рисовать круги с точками посередине под занавесками, а теперь я довольно плодовит и вдохновлен, и в этом месяце мне исполняется 70 лет ».

26 февраля Лера из России; Екатеринбург писал:
‘прикольная картинка’

06 февраля бреяна арриета из России; Екатеринбург написал:
«Это произведение настолько хорошее, что я люблю все абстрактное и цвета».

29 января Юнвэй из Берлина написал:
«У меня на руке вытатуирована эта картина.’

29 января Денис Ноэль-Смит из Сомерсета, Англия написал:
‘ Я изучал искусство на уровне O в школе, но не сдал экзамен, так как вместо этого я пошел в армию в 17 лет, присоединился к 1965 году и ушел в 1984 году. Я был вдохновлен снова заняться живописью в возрасте 72 лет. Я рисую уже год и сделал около 50 картин, которые я передаю семье и друзьям. Пикассо / Гойя / Веласкес / Ван Гоф / Дали и другие вдохновляют меня. Рисую на картоне, картоне.холст, керамика и т. д. — Моя дочь уехала в Сент-Мартинс — одна из моих сестер — очень хороший художник и живет в Корнуолле, а другая (самоучка) рисует в своей студии в Челтенхэме — для меня как старика, страдающего от посттравматического стрессового расстройства, вызванного боевыми действиями. и в тюрьме живопись была радостью и терапевтичностью »

13 января L из Somerset England написал:
« Лично я не понимаю этой шумихи. Конечно, это хорошо для 8-летнего ребенка, но, черт возьми, мне это не так интересно.«

03 января друг из Калифорнии написал:
», так что вы начинаете с 16. Разница в восемь лет — небольшая разница. Даже разница в 50 лет. Вы всегда можете начать и работать над улучшением чувака 🙂 все, что вам нужно, это немного интереса. (И не бойся обращаться за помощью, может быть, однажды ты сможешь дать ответ) Я верю в тебя ».

30 декабря скаут из Австралии написал:
«люди вроде Пабло — причина, по которой я не верю, что когда-либо сделаю что-нибудь хорошее в своей жизни, 16 лет, и лучшее, что я могу сделать, это просыпаться в 16:00. .’

Любимый инструмент Пикассо … — DailyArtMagazine.com

Это совершенно очевидно — это гитара! (тем, у кого возникли какие-то грязные мысли в названии, сначала прочтите об эмоциях).
Это, наверное, самый значительный инструмент кубизма или даже всего современного искусства. Он представлен во всех возможных формах и конфигурациях. Играла соло и под аккомпанемент. Дамы и господа, представляем: гитару!

3-D

Пабло Пикассо, Гитара, 1914, MoMA

В октябре 1912 года Пикассо сделал то, чего никто раньше не видел: он склеил сложенный картон, бумагу, отрезал кусочки струны и проволоки и создал гитару.Он написал своему другу Жоржу Браку: «Я сейчас представляю себе гитару». В 1914 году он воссоздал его из более прочного материала: металла.
Он не только положил начало практике коллажа , , но также охватил обычные жизненные темы, практику, столь любимую поздними исполнителями поп-музыки.

2-и-3-D

Инсталляция в мастерской художника на бульваре Распай, 242, Париж, 9 декабря 1912 г. или позже, Частная коллекция

Кто-то, посетивший Пикассо в его мастерской и увидел гитару на стене, спросил его, что он только что увидел: картину или скульптуру? Художник ответил, что это не было ни, ни: «Ничего, это el guitare!» (Андре Салмон, «Новая французская живопись», 9 августа 1919 г.).

2-D

Пабло Пикассо, Гитара (El diluvio), Весна 1912, MoMA

Слово коллаж происходит от слова «колле», которое, в свою очередь, происходит от французского глагола «coller», что означает «прилипать», » клеить’. Следовательно, коллажи означали, что бумага, обычно это были вырезки из газет или обоев, наклеивались на более твердую поверхность. Пикассо был первым, кто ввел коллаж в формальное искусство. Он начал свои эксперименты с различными материалами весной 1912 года.

2-D

Пабло Пикассо, Guitare (гитара), начат летом 1912 года, завершен Париж, зима 1912-13, Национальный музей искусства, архитектуры и дизайна, Осло, Норвегия

Изобретательское произведение необычной формы тондо (круглая).Это не коллаж, хотя Пикассо смешал здесь масла и уголь. Он разбил гитару на геометрические формы и разделил их по нескольким плоскостям. Он показал гитару с разных ракурсов и ракурсов. И именно эта практика дала начало кубизму .

Если вы найдете радость и вдохновение в наших историях, ПОЖАЛУЙСТА, ПОДДЕРЖИТЕ журнал
DailyArt, сделав скромное пожертвование. Мы любим историю искусства, и
мы хотим и дальше писать об этом.

Пикассо и музыка: интерлюдия

«В Пикассо есть музыка, а в музыке — Пикассо»

Текущая выставка «Пикассо: гитары 1912-1914» в Музее современного искусства в Нью-Йорке позволяет нам рассмотреть тесную связь между искусством и музыкой. Как художник, Пикассо на протяжении всей его жизни находился под влиянием музыки, которая играет такую ​​важную роль в культуре его родной Испании. Он, в свою очередь, также вдохновил многих музыкантов, писателей и композиторов своего времени.

Пикассо любил музыку и зрелище корриды, а также традиционные карнавалы и ярмарки Каталонии. Ему также нравилась местная музыка фламенко и cante jondo (глубокая песня) — позже интерпретированная Жермен Монтеро, чьи драматические исполнения цыганской музыки и других испанских песен о любви, бедности и корриде он очень восхищался. Это повторяющиеся темы, сюжеты многих ранних картин Пикассо.

Настоящая выставка MOMA демонстрирует картины, рисунки, коллажи и скульптуры Пикассо «Гитарный кубизм» — подробное рассмотрение одного из самых важных инструментов Пикассо в течение двух лет.Он не только привлекает внимание к новой концепции «реальности» в отношении объектов в живописном или скульптурном пространстве, но и связан с той же революционной эволюцией в музыкальном «пространстве» его времени.

В 1912 году Пикассо, вдохновленный своим другом Жоржем Браком, сменил сюжет с фигур на натюрморты, по сути начав то, что позже было названо «кубизмом». Раскрашенное и скульптурное пространство разрозненных объектов, разбитых на части без объема, глубины и, казалось бы, без усилий воссозданных заново, начало размывать традиционные представления о пространстве, так же как реальности старого социального, научного и политического строя также начали меняться на рубеже века.Найденные предметы, обои, ноты, страницы из газет в сочетании с вырезками из бумаги, образующие части скрипок и гитар, бросили вызов традиционному живописному и скульптурному пространству, поставив все под сомнение.

Переехав из Барселоны, где Пикассо часто встречался с художниками и музыкантами в кафе «El Quatre Gats », в Париж, Пикассо стал частью группы художников и музыкантов, которые часто посещали бистро « Au Lapin». Agile ‘, такие как композиторы Эдгар Варез, Фрэнсис Пуленк, художники Хуан Гри и Андре Дерен, писатели и поэты, Гийом Аполлинер, Луи Арагон, Поль Элюар, Макс Жакоб и Жан Кокто.Пуленк положил на музыку более сотни стихотворений Аполлинера, Арагона, Кокто и Якоба. Много позже он также сочинил музыку к серии стихов Поля Элюара, посвященных его друзьям-художникам, в том числе одно о Пикассо.

В это время Пикассо также принял участие в работе Сержа Дягилева «Русские балеты» — Дягилев: «Идеальный балет может быть создан только путем слияния танца, живописи и музыки», представленной кубистской работой «Парад » . Его музыку сочинил Эрик Сати, сценарий написал Кокто, хореография поставила Леонид Мясин, и все это высмеивало традиционный классический балет.Пикассо разработал сценический занавес и костюмы, и, как и в его художественных работах, применил те же концепции слияния живописного и скульптурного пространства.

Возвращаясь к выставке в Музее современного искусства, концептуальная основа кубизма в живописи связана с невыразимостью музыки — музыка всегда считалась высшей из форм искусства писателями и художниками, поскольку, кроме программная музыка, она в основном абстрактна и оставляет слушателю все интерпретации.В кубистских произведениях Пикассо интерпретация также остается открытой — все в глазах зрителя. Пикассо заметил: « Я рисую не то, что вижу, а то, что я знаю, это , », точно так же, как Клод Моне сказал, что его картины рисуют не то, что я вижу, а эффект, который он производит (« peindre non la selected , mais l’effect qu’elle produit ”). Объекты в живописи уже начали исчезать с импрессионистскими концепциями в живописи (то есть в картинах Моне Руанский собор и Стога сена ), так же как Дебюсси начал исследовать различные концепции в музыке (т.е. в его композиции, например, La Mer и Prélude a l’Après-midi d’un Faune )

Музыка в Parade включает в себя музыку в стиле регтайм, шансоны из кафе, мелодии танцевального зала, различные звуки двигателей , пишущие машинки и ритмичное топание — снова устанавливая связи с творениями кубистской гитары Пикассо, ставя под сомнение «высокое и низкое» искусство, «реальные и найденные объекты», то есть используя уже созданные произведения для создания «нового» пространства и будораживая воображение зрителя и слушателя. одинаково.

Видео по теме:

Парад: Эрик Сати Кокто Пикассо Дягилев

Фрэнсис Пуленк: Пабло Пикассо (стихотворение Поля Элюара)

«Кансьон Федерика Белиса, Гарсион Федерика,»

Три музыканта Пабло Пикассо

Эта знаменитая работа, которая сейчас находится в Нью-Йоркском музее современного искусства, является частью серии, написанной во время работы его молодой семьи в Фонтенблюо. летом 1921 г.Он знаменует собой возвращение к высокому синтетическому кубизму и его непреходящему воображению Commedia dellArte, начатому в первые дни в Париже. Его постоянное общение с изысканным миром балета через жену и работу над созданием декораций и костюмов для Дягилева, видно повсюду.

Три музыканта — это большая картина шириной и высотой более 2 метров. Он написан в стиле синтетического кубизма и придает внешний вид вырезанной бумаги.

Пикассо рисует трех музыкантов из плоских ярких абстрактных форм в неглубокой, похожей на коробку комнате. Слева кларнет игрок, посередине гитарист, а справа певец, держащий ноты. Они одеты как знакомые фигуры: Пьеро, одетый в бело-голубой костюм; Арлекин в оранжево-желтом костюме с ромбовидным узором; а справа — монах в черной мантии. Перед Пьеро стоит за столом с трубкой и другими предметами, а под ним — собака, чей живот, лапы и хвост выглядывают из-за ног музыканта.Подобно квадратной коричневой сцене, на которой выступают трое музыкантов, все на этой картине состоит из плоских форм. За каждым музыкантом стоит светло-коричневый пол находится в другом месте, он простирается гораздо дальше влево, чем вправо. Обрамление картины, пола и плоских стен делают комнату однобокой, но музыканты кажутся устойчивыми. Создатели музыки в гармонии; Трудно сказать, где один музыкант начинает, а другой останавливается, потому что формы, которые их создают, пересекаются и накладываются друг на друга, как если бы они были вырезками из бумаги.Пьеро, фигура в сине-белом, держит кларнет в руках; одна рука связана с длинной тонкой черной рукой, в то время как другая рука не имеет руки. Три музыканта подчеркивают живые цвета, угловатые формы и плоские узоры. Пикассо сказал, что был счастлив, когда Гертруда Стайн радостно объявила … что она наконец поняла, что … эти трое музыкантам суждено было быть. Это был натюрморт! »

Для многих историков искусства Три музыканта можно рассматривать как запоздалый ответ Пикассо на «Урок игры на фортепиано». огромная музыкальная сцена, которую Анри Матисс написал летом 1916 года.Желание Пикассо отыграть инициативу у Матисса в использовании декоративного потенциала синтетического кубизма в этой картине проявляется самая смелая манера.

Три музыканта — прекрасный образец кубизма Пикассо. В кубизме предмет искусства превращается в последовательность плоскостей, линий и дуг. Кубизм был описан как интеллектуальный стиль, потому что художники анализировали формы своих предметов и заново изобретали их на холсте.Зритель должен реконструировать предмет и пространство работы, сравнивая различные формы и формы, чтобы определить, что каждая из них представляет. В этом процессе зритель участвует с художником в создании смысла произведения искусства.

Звук Пикассо в Художественном музее Колумбуса

В конце 1903 года Пабло Пикассо жил и работал в Барселоне и все еще оплакивал потерю своего дорогого друга Карлоса Касагемаса.Почти четыре года художник писал в мрачных, приглушенных тонах размытого синего и болезненно-желтого. Он даже написал посмертные портреты своего давнего друга.

Одна картина этого периода с тех пор служит отличительной чертой этого голубого периода и музыки в искусстве; Старый гитарист. Но это было не единственное изображение музыки и музыкантов Пикассо, фактически, это была тема, к которой он возвращался довольно часто.

Пабло Пикассо, наряду со своими многочисленными интуитивными женскими музами, явно видел в музыке музу.Вот взгляд на отношения Пикассо с музыкой в ​​честь выставки Музея искусств Колумбуса «Пикассо: Великая война, эксперименты и перемены».

Ранние музыкальные влияния Пикассо

Пабло Пикассо был многим людям — у него был большой круг общения, в который входили все композиторы, такие как Стравинский и Пуленк, а также художники и писатели, такие как Жан Кокто. Конечно, похоже, он никогда не оставался без любовника или двух…. Одно Пикассо не было, однако, застойно.

Credit wikiart; общественное достояние

/

викиарт; общественное достояние

«Пикадор» — первая картина Пабло Пикассо, написанная маслом; вероятно, написал в 1890 году, когда ему было всего девять лет.

С тех пор, как ему исполнилось 10 лет, Пикассо уже переехал из своего родного региона Андалусия в Ла-Коронь, эффективно увидев и испытав большую часть своей родной Испании еще до того, как закончил начальную школу.

Это и присущая ему иберийско-французская культура с самого начала сильно повлияли на его эстетику. В это время его отец поощрял погружение в искусство, так как сам был художником и профессором искусства.

Сцены в кафе

Повзрослев, Пикассо не только развил свой визуальный словарный запас и поднялся на новый уровень образов, но и продолжил расширять и обновлять свой профессиональный и личный круг друзей. Одно из самых больших влияний на то, что Пикассо видел и слышал , оказало кафе Els Quatre Gats в Барселоне.

Credit wikiart; общественное достояние

/

викиарт; общественное достояние

Коммерческая реклама Пабло Пикассо его любимого кафе в Барселоне.

Наряду со многими выдающимися поэтами и художниками Пикассо общался с такими музыкантами и композиторами, как Исаак Альбенис, Луис Милле и Энрик Гранадос.

Когда вы слушаете произведения этих композиторов, изучая раннюю иконографию Пабло Пикассо, возникает странное ощущение симбиоза.Легко представить себе дружеские или даже жаркие дискуссии в кафе между художниками, поэтами и художниками.

В конце концов, искусство не процветает в вакууме.

В конце периода «Голубой период » Пикассо, в 1904 году, он переехал в Париж и почти сразу же утвердился среди другого круга художников в кафе Le Lapin Agile. Он был очарован богемным цирком Медрано и быстро начал свой период живописи, известный как период роз , когда его картины были отлиты тускло-розовым цветом.

Credit wikiart; общественное достояние

/

викиарт; общественное достояние

Интерес Пикассо к образу жизни богемского цирка и его новое исследование темных оттенков в полной мере отражено в его картине 1905 года «Семья жонглеров».

Для музыкантов эта зацикленность на настроении и его соотнесение с цветом и оттенком очень напоминает современника Пикассо, композитора Александра Скрябина.

«Примитивное» искусство и кубизм

В 1905 году Пикассо переехал в Шорл, Голландия, где вскоре начал изучать «примитивное» искусство — этикетку. предназначен для произведений искусства, созданных по всему миру, которые были новыми и казались примитивными европейскому глазу начала 20 века. Это было, конечно, началом нашего глобализированного мира, и понимание искусства и культуры небелых, неевропейцев все еще оставалось в лучшем случае пограничным.

Credit wikiart; общественное достояние

/

викиарт; общественное достояние

Картина Пикассо «Голова мужчины» вполне могла быть его изображением африканского искусства, которое он изучал во время пребывания в Голландии.

Этот вид классицизма все еще существует в музыке, просто посмотрите на взаимосвязь между западной теорией и джазовыми исследованиями в большинстве музыкальных консерваторий США. Но я отвлекся.

Пикассо был не первым, кто очарован вспышками ярких красок и дерзкими линиями африканского искусства.Он пошел по стопам художников до него, таких как Тулуз-Лотрек, Поль Гоген и Поль Сезанн. В частности, Пикассо проникся философией Сезанна о геометрической важности в искусстве куба, конуса и сферы.

В то время геометрия очаровывала таких композиторов, как собственный друг Пикассо Эдгар Варез.

Подобно визуальному кубизму Пикассо, «звуковые блоки» Вареза создают впечатление разрозненных фигур и узоров, которые действуют как вместе, так и по частям.

Во время исследования кубизма и последующего перехода к неоклассицизму в 1905–1911 годах художник нарисовал множество очень абстрактных изображений музыкальных инструментов и музыкантов.

Credit wikiart; общественное достояние

/

викиарт; общественное достояние

Картина Пикассо 1911 года «Кларнетист».

Одним из важнейших вкладов дружбы между Эдгардом Варезом и Пикассо было знакомство Пабло с другом Вареза, одним из самых выдающихся французских писателей в истории; Жан Морис Эжен Клеман Кокто.

Пикассо и Кокто

Первой совместной работой Пикассо и Кокто стал балет Parade на музыку Эрика Сати и танцоров из балета Сергея Дягилева. Премьера произведения состоялась 18 мая 1917 года в Театре Шатле в Париже и произвела настоящий фурор.

Четыре костюма в настоящее время выставлены в Художественном музее Колумбуса вместе с фантастической серией фотографий и описаний балета. И прекрасная станция переодевания с искусственными костюмами.

Кредит http://www.pablo-ruiz-picasso.net/photo-174.php

/

http://www.pablo-ruiz-picasso.net/photo-174.php

Пикассо, Кокто, Стравинский и Хохлова выступают вместе как друзья и творческие коллективы. (1926)

После Parade Пабло Пикассо продолжил работу с такими композиторами, как Стравинский, Перголезе, ДеФалла и Мийо; Настоящий кто есть кто 20 века, европейская композиция.

Причина, по которой работы Пикассо оставались иконами своего времени и катализаторами изменений в истории музыки и искусства, заключается в том, что Пикассо стремился к сотрудничеству и участию других художников, поэтов и музыкантов. Но не верьте мне на слово; сходите на выставку, посмотрите его великолепные представления инструментов в CMA (особенно гитары 1918 и 1924 годов) и вдохновитесь.

Библиографические выборки:

Если вам интересно узнать больше об этом увлекательном балете, первом в своем роде и первой совместной работе этих двух икон искусства и литературы, я рекомендую:

• Hargrove, Нэнси (1998).«Большой парад: Кокто, Пикассо, Сати, Мясин, Дягилев и Т.С. Элиот». Журнал междисциплинарного литературного исследования.
• Клювер, Билли. (1997). День с Пикассо. MIT Press.

Большинство изображений картин Пикассо взяты из его хронологической галереи на wikiart.org.

Звук Пикассо:
https://www.youtube.com/watch?v=oaAZwFFjqpA&spfreload=1

https://www.youtube.com/watch?v=av—HQFxh_U

https : // www.youtube.com/watch?v=l1Q0OgyrQsU

https://www.youtube.com/watch?v=YwOqDw7t1E4

https://www.youtube.com/watch?v=SygJJQeQeMg

https: // www .youtube.com / watch? v = WidWpajKw70

Пабло Пикассо, «Музыкальные инструменты и ваза с фруктами на пьедестале», 1913 г.

Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Клито Руис и Пикассо, известный как Пабло Руис Пикассо, родился 25 октября , 1881; он умер 8 апреля 1973 года.

Пабло Пикассо, Музыкальные инструменты и ваза с фруктами на пьедестале , осень 1913 года. Холст, масло, 39 1/2 x 32 дюйма. Частная коллекция. © 2010 Поместье Пабло Пикассо / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк.

Пикассо был крещен Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Криспиниано де ла Сантисима Тринидад, серия имен, посвященных различным святым и родственникам. К ним добавились Руис и Пикассо, соответственно его отец и мать, согласно испанскому законодательству.Он родился в городе Малага в Андалузском регионе Испании, он был первым ребенком Дона Хосе Руиса и Бласко (1838–1913) и Марии Пикассо и Лопес. Семья Пикассо принадлежала к среднему классу; его отец также был художником, специализирующимся на натуралистических изображениях птиц и других диких животных. Большую часть своей жизни Руис был профессором искусств в Школе ремесел и хранителем местного музея. Предки Руиза были мелкими аристократами.

Синий период (1901–1904) состоит из мрачных картин, выполненных в оттенках синего и сине-зеленого, лишь изредка согреваемых другими цветами.Отправная точка этого периода неясна; он мог начаться в Испании весной 1901 года или в Париже во второй половине года. К этому периоду относятся многие картины, на которых изображены изможденные матери с детьми. В его суровом использовании цвета и иногда грустном сюжете — проститутки и нищие — частые предметы — Пикассо находился под влиянием поездки по Испании и самоубийства своего друга Карлоса Касагемаса.

Период роз (1904–1906) характеризуется более веселым стилем с оранжевыми и розовыми цветами, в нем много цирковых артистов, акробатов и арлекинов, известных во Франции как сальтимбанки.Арлекин, комедийный персонаж, обычно изображаемый в клетчатой ​​одежде, стал личным символом Пикассо. Пикассо познакомился с Фернандой Оливье, моделью для скульпторов и художников, в Париже в 1904 году, и на многие из этих картин повлияли его теплые отношения с ней, а также его возросшее знакомство с французской живописью. В целом оптимистичное и оптимистичное настроение картин этого периода напоминает период 1899–1901 годов (т.е. непосредственно перед Голубым периодом), а 1904 год можно считать переходным годом между этими двумя периодами.

Кубизм

• Пожалуй, основополагающее направление искусства двадцатого века, кубизм пользовался известностью лишь за 12-14 лет до событий Первой мировой войны и ее последствий, которые помогли погасить дух авангарда, который привел кубизм в существование.

• Работы в нескольких различных стилях кубизма (см. Ниже) отмечены визуальной абстракцией, запутыванием, временной дезориентацией, авангардистским отказом от прошлых ценностей и разложением классовых и художественных иерархий, таких как «прекрасное» и «народное». » Изобразительное искусство.

• Трудно переоценить степень развития кубизма в период быстрых изменений и надвигающейся войны, сформированной коалицией художников, приверженных идеалистической концепции общества, противостоящего войне.

• Кубизм обычно делится на две категории: аналитический кубизм и синтетический кубизм (см. Ниже). Однако эти два движения были не столько отдельными движениями, сколько эволюцией экспериментов с авангардным стилем.

• 1907–1909 был периодом интенсивного интереса ко всему «первобытному», особенно детскому искусству, и искусству так называемых «примитивных культур» Африки, Океании и коренных народов, к которому примитивисты-модернисты приписывали аутентичность видения и спонтанность выражения, которые, по их мнению, были размыты современными стилями их художественных форм.

• В период с 1909 по 1912 год кубизм широко изучался, и экспериментаторы-авангардисты восставали против академических техник девятнадцатого века перпективного иллюзионизма и связанного с ними предположения о том, что картина должна изображать единый момент времени и быть видна с фиксированной точки зрения. точка в пространстве (или, если на то пошло, изобразить единственную позицию в пространстве). Работы этого периода экспериментируют с множеством точек зрения, искажениями формы, неоднозначными пространственными отношениями, отчасти в ответ на новые теории о пространстве и времени, разрабатываемые одновременно.

• 1907-1914 Кубизм имеет своего рода культурно-политическую мотивацию в подрыве академических художественных стилей девятнадцатого века, а также в развитии своего рода французского художественного национализма после успеха кубизма.

• 1912–1914 — период, в течение которого кубизм взрывает концепции искусства, выходящие за рамки живописи, и проникает в области дизайна, архитектуры и не только, благодаря появлению коллажей и сборной скульптуры. Коллаж представляет собой еще один отказ от академической традиции (холст, масло), а сборка проблематизирует традиционную скульптуру, взрывая дихотомию между «высоким» и «народным» искусством за счет использования повседневных материалов.

Аналитический кубизм (1909–1912) — стиль живописи Пикассо, разработанный вместе с Жоржем Браком с использованием монохромных коричневатых и нейтральных цветов. Оба художника разбирали предметы и «анализировали» их по форме. Картины Пикассо и Брака того времени имеют много общего. Синтетический кубизм (1912–1919) был дальнейшим развитием жанра, в котором вырезанные фрагменты бумаги — часто обои или части газетных страниц — вставлялись в композиции, отмечая первое использование коллажа в изобразительном искусстве.

Аналитический кубизм — одна из двух основных ветвей художественного движения кубизма, который был разработан между 1908 и 1912 годами. В отличие от синтетического кубизма, аналитические кубисты «анализировали» естественные формы и сводили формы к основным геометрическим частям на двух уровнях. размерная картинная плоскость. Цвета практически не существовало, за исключением использования монохромной схемы, которая часто включала серый, синий и охру. Вместо акцента на цвете аналитические кубисты сосредоточились на таких формах, как цилиндр, сфера и конус, чтобы представить мир природы.

Во время этого движения произведения Пикассо и Брака имели стилистическое сходство. И Пабло Пикассо, и Жорж Брак двигались в сторону абстракции, оставляя лишь достаточно знаков реального мира, чтобы обеспечить напряжение между реальностью за пределами картины и сложными медитациями на визуальном языке в кадре.

В Париже в 1907 году большая музейная ретроспективная выставка работ Поля Сезанна открылась вскоре после его смерти. Выставка оказала огромное влияние на становление Сезанна как важного художника, идеи которого были особенно резонансными среди молодых художников Парижа.И Пикассо, и Брак черпали вдохновение в кубизме у Поля Сезанна, который сказал, что нужно наблюдать и учиться видеть и обращаться с природой, как если бы она состояла из основных форм, таких как кубы, сферы, цилиндры и конусы. Некоторые полагают, что корни кубизма следует искать в двух различных тенденциях более поздних работ Сезанна: во-первых, разбивать окрашенную поверхность на небольшие многогранные участки краски, тем самым подчеркивая множественную точку зрения, которую дает бинокулярное зрение; и, во-вторых, его интерес к упрощению естественных форм в цилиндры, сферы и конусы.Однако кубисты исследовали эту концепцию дальше, чем Сезанн; они представляли все поверхности изображаемых объектов в единой картинной плоскости, как если бы все лица объектов были видимы одновременно. Этот новый вид изображения произвел революцию в способах визуализации объектов в живописи и искусстве.

Синтетический кубизм был вторым основным движением в кубизме, который был разработан Пикассо, Браком, Хуаном Грисом и другими в период с 1912 по 1919 год. Синтетический кубизм характеризуется введением различных текстур, поверхностей, элементов коллажа, папье-колле и большой выбор объединенной тематики.Это было началом использования материалов для коллажей в качестве важного компонента произведений изобразительного искусства.

Первой работой в этом новом стиле считается «Натюрморт со стулом» Пабло Пикассо (1911–1912), который включает в себя клеенку, напечатанную напечатанной как тростник стула, наклеенной на овальный холст, с текстом; и веревка, обрамляющая всю картину. В верхнем левом углу находятся буквы «JOU», которые появляются на многих картинах в стиле кубизма и относятся к газете под названием «Le Journal». В коллажи также были включены газетные вырезки, ноты и тому подобное.В то время как аналитический кубизм был анализом субъектов (разделением их на плоскости), синтетический кубизм — это скорее столкновение нескольких объектов вместе. Менее чистый, чем аналитический кубизм, синтетический кубизм имеет меньше плоских сдвигов (или схематизма) и меньшее затенение, создавая более плоское пространство.

Стравинский и Пикассо: как два культурных гиганта стали сотрудниками

Продвигается The Sunday Times

История двух легендарных фигур ХХ века и их совместной работы.

В The Sunday Times вы найдете интервью с Джоном Ричардсоном, другом и биографом Пикассо, которое проливает новый свет на жизнь и творчество великого художника. Но знаете ли вы, что Пикассо был большим другом одного из великих музыкальных пионеров 20 века?

Оба они были пионерами в своих собственных движениях, но Пикассо и Стравинский, как правило, наиболее известны своими довоенными произведениями (вспомните «Жар-птица» и Герника), а их военное и послевоенное творчество часто меньше обсуждается.

Они подружились в Италии незадолго до Первой мировой войны в 1917 году. Их собрал Сергей Дягилев, сообразительный импресарио Русского балета, который раздумывал над идеей заказать балет. Двое мужчин сразу же поладили и провели много времени, погружаясь в популярную культуру Рима и Неаполя.

Было также несколько шумных вечеров, и эти двое даже были арестованы за пьяное поведение…

(через Pinterest)

Пикассо, всегда ловелас, тоже был впечатлен женщинами Неаполя.Позже Стравинский скромно отзывался о своих «теплых воспоминаниях о прогулках (с Пикассо) и впечатлениях от Неаполя»; Пикассо сумел описать то же самое в пяти словах; ‘Les demoiselles ont quatre bras’ — «у женщин четыре руки».

Стравинский и Пикассо продолжили дружбу, обмениваясь небольшими произведениями искусства по почте. Стравинский написал для Пикассо набросок музыки для кларнета из пяти тактов в телеграмме из отеля, стремясь передать суть кубизма своего друга.Он использовал сложные ритмы, а также повернул телеграмму набок так, чтобы горизонтальные линии стали вертикальными. Это представило новый и удивительный взгляд на знакомый объект, в то же время физически прорезав его музыку. Пьеса, хотя и не являющаяся произведением, исследует идеи кубизма в музыкальном контексте.

Пикассо ответил тремя рисунками Стравинского, включая тот, который был ошибочно принят охранниками на швейцарской границе за секретный военный план и почти конфискован.

Первой настоящей коллаборацией Пикассо и Стравинского был «Регтайм». На обложке Пикассо используется одна непрерывная линия, которая проходит по фигурам двух музыкантов, в то же время разрезая их силуэты. Музыка Стравинского также полна движения — ассимилирует аромат «рэгтайма», и он нарушает традиционную структуру музыки с помощью сложных аддитивных ритмов и интенсивного использования точечных нот и триолей.

И музыка, и рисунок полны движения; вы представляете, как Пикассо нарисовал эскиз одним плавным движением.Если вы присмотритесь к головам двух музыкантов, то почти увидите полный скрипичный ключ и пару решетчатых дрожаний — признаки того, что Пикассо объединял символы Стравинского со своими собственными.

Два года спустя Дягилев поставил свой балет «Пульчинелла». К этому времени два маэстри уже обменивались произведениями искусства в течение нескольких лет, и именно их совместная работа над Ragtime заложила основы их совместной работы.

.