Рисунки в стиле реализм: Реализм, фотореализм и стиль в рисовании

«Как научиться рисовать в стиле гиперреализм?» – Яндекс.Кью

Этот вопрос не совсем точный, его можно задать чуть конкретнее, глубже. Вы хотите узнать именно о художественной части? Или также о сценарной? Потому что комикс — это синтез слова и рисунка. И говоря о комиксах в целом это надо всегда держать в голове. Но даже на такой вопрос можно ответить, если взять во внимание основные аспекты процесса создания комикса с уклоном в визуал.

Итак. Надо понимать, что создание комикса дело крайне трудное. Именно крайне трудное и никаких поблажек. Если вы хотите написать профессиональный или хотя бы качественный сценарий, вы должны быть минимум в теме того, о чём собираетесь рассказать историей в картинках. Обычно помогает жизненный опыт или изучение нужного вам вопроса. Иначе будьте готовы к жёсткой критике читателей и специалистов тем более. Серьёзную историю видно сразу, зачастую по обложке.

То же касается и художника. Он должен иметь хотя бы некий стиль, чтобы его рисунок не смотрелся так, будто рисовал ребёнок. В идеале иметь художественное образование, прекрасно знать анатомию и иметь в целом развитое художественное видение мира. Знать, как рисуются многие объекты, вещи, как это делают другие комикс-художники. Подражать, изучать их стиль. Понимать, как устроено всё то, что мы видим вокруг. Начиная от техники и заканчивая архитектурой.

Вернёмся к началу. Именно следующее идёт первым этапом: создание идеи и её воплощение в виде сценария. После этой важнейшей части можно приступать к рисунку и только так, а не наоборот. Почему? А потому что именно сюжетная часть ведущая, а рисунок помогает ей реализоваться. По сути, сценарий — это обычная история, только без описаний окружающего мира. Диалоги в комиксе занимают почти все 100%, а всё остальное говорит рисунком художника.

В целом в профессиональной индустрии над одним комиксом работают более 4-5 человек, начиная автором идеи и заканчивая главным редактором. Но сейчас поговорим лишь о тех, кто непосредственно его рисует.

Визуальный вопрос. За него отвечают несколько человек, если это не сугубо авторский проект в лице одного. За красивые картинки отвечают как правило три человека: художник, инкер (контуровщик) и колорист.

Художник в тесной связи с автором идеи и сценаристом создаёт раскадровку. Точнее, художник её рисует исходя из сценария и отдаёт сценаристу на проверку. После согласования, художник полноценно рисует комикс от страницы к странице карандашом. Затем готовые страницы с конечным рисунком уходят инкеру. Он работает тушью и перьями, линерами и брашпенами, кистями. Обводит контуры рисунка и одновременно отвечает за тени. Их, как правило, он заливает чёрной тушью. После этого страницы отдаются колористу, который является почти последней инстанцией (последний главный редактор). Колорист раскрашивает комикс поверх или же на графическом планшете (перед этим страницы сканируются).

Это традиционный вариант создания комикса. Сейчас многие художники в силу экономии времени (а комиксы — это жёсткие сроки, они же дедлайны) и достижения «инновационного эффекта» рисуют на графическом планшете. На нём они начинают (с эскизов) и заканчивают (цветом и вставкой текста).

Если у вас нет графического планшета, то в идеале вам нужны разного рода художественные материалы и сканер, чтобы перенести страницы на ПК и там доделать редактуру. Карандаши, стёрки, кисти, краски, тушь, стол (желательно под наклоном для удобства рисования), листы формата А3. Они дадут больше места для рисунка, на А4 рисовать не удобно — в нём просто мало места. Мелкие детали вы хорошо не нарисуете. Что касается стола, то можно взять толстую фанеру размерами примерно 100х100 см для удобства. Положить подпорку и на неё облокотить фанеру. Дёшево и сердито, но это бюджетный выход, т.к. стол под наклоном найти бывает сложно.

Важно также изучить графические редакторы, специальные программы для рисования комиксов, манги (и такие есть!). Это понадобится для вёрстки, редактуры комикса и сдачи его в печать. А работая в последних, можете вполне перейти на такой подход. Зато не будете тратиться на материалы.

Если вы твёрдо решили писать или рисовать комиксы, тогда знайте: они занимают очень много времени. Работа художника особенно. Мало того, что она делится на несколько этапов (от эскизов до туши, цвета — если вы одиночка), так ещё и прорисовку всего никто не отменял. Поверьте, это тяжёлый и долгий труд. Больших денег заработать крайне сложно, если вы не профи и не известная личность. Тут не Америка. Поэтому комиксы это почти всегда хобби ради хобби, приносящее символические деньги.

В помощь существует большое количество пособий, обучающих этому искусству-ремеслу. На русском также есть. И всё же, чтобы писать и рисовать комиксы, мало просто хотения. Их надо читать! Много и разного. И просто книги, чтобы набираться опыта, грамотности и т.д. Это всё нужно вам для хорошей истории.

По правде сказать, в странах СНГ комиксы продукт недооценённый. Платят мало, потому что спроса немного. У нас вообще с комиксами не так, как в США, например. Их у нас в истории были единицы и повальным увлечением не стали. И сейчас, несмотря на различные барьеры, родная индустрия движется в сторону развития. Есть и разного рода издательства и ворох постоянных самостоятельных авторов. Все они с разным стилем и сюжетами, поэтому есть из чего выбрать.

Об индустрии США, Японии и той же Европы говорить нет большого смысла: им десятки лет, чего не скажешь про нашу, потому они далеко впереди. Так что трижды подумайте, прежде чем начинать. Взвесьте всё, разберитесь в теме получше и дерзайте. Или не дерзайте. В любом случае, вы бы не писали вопрос, будучи сдвинутым в хорошем смысле на этой теме.

Содержание

фото эскизов и набросков татуировок

Традиционно татуировки были не более чем условностью — к ним относились скорее как к каким-то символам, нежели к настоящим произведениям искусства. Теперь же всё некоторым образом изменилось. Теперь можно встретить направления, которые раньше и вовсе не присутствовали ни в каком виде. К ним можно отнести, например, тату, что выполнены в стиле реализм. Раньше и технической возможности нанесения подобных изображений, да и люди относились к рисункам на теле несколько иначе.

Работы наших мастеров

Теперь же всё переменилось, и переменилось однозначно в позитивную сторону. Вы можете изучить фото и эскизы подобных изображений, чтобы подобрать для себя то, что больше всего вам приходится по вкусу.

Что изобразить?

Хорошо, когда изображение на теле реалистично, но вот какой же сюжет выбрать? Есть множество различных идей для тату в стиле реализм, которые можно применить с успехом. Конечно, главное — это чтобы вам нравилось то, что на вас изображено. Часто изображают различных животных. Фантастические мотивы также хороши и необычны. Также логичным решением будет привязать изображение к тому, что вас радует и чем вы увлекаетесь. Например, заядлый музыкант может смело нанести на кожу музыкальный инструмент. Другой интересный подход — это реалистичные, точно фото, изображения людей. Может быть, кого-то, кого вы знаете, а может быть знаменитостей, которые вам импонируют и с которыми вы себя можете каким-то образом проассоциировать. Одним словом, выбор может быть любой. Разумеется, предварительно лучше сперва изучите эскизы, если не уверены, как всё это смотрится.

Волк

Роза

Медведь

Череп

Сова

Ангел

Тигр

Стилевые решения

Реализм подразумевает исключительное сходство с реальностью, но всё же и в рамках данного направления могут варьироваться различные стилевые решения. Вы можете сделать тату подобного рода однотонными. Это будет стильно, точно бы черно-белое фото. Можно выбрать подход, когда правдоподобность достигается в том числе и цветами, реалистично наносящимися на кожу. Можно и вовсе всё сделать именно в той цветовой гамме, в которой вы захотите. Ограничений тут не имеется, возможности представлены во всём многообразии, вы можете подобрать такие эскизы, какие только хотите. Но важно, чтобы они ещё и были перенесены на кожу более чем качественно. А для этого необходимо обратиться к настоящим профессионалам своего дела. И наши мастера помогут добиться на вашей коже той реалистичности, какой вы только хотите.
Основные стили рисования — как выбрать что-то для себя Этот пост отражает мои взгляды на действительность и никак не связан со стоковым рисованием. Скорее это краткий гайд для просто рисующих людей, которые хотят быть именно иллюстраторами, поэтому вся информация подана исходя их этого факта. Пост не является исчерпывающей инструкцией, но может натолкнуть на интересные мысли и идеи. Приступим.

Когда человек уже прошел стадию «ничего не могу, одни каракули» и приступил к стадии «что-то получается, но что дальше делать не знаю» можно подумать о стиле рисования. Раньше делать это бессмысленно, а вот именно в этот момент самое оно.

Чем может помочь выбор стиля:

  • появляются конкретные задачи, решив которые, можно эффективно прокачать свой уровень.
  • появляется более четкое понимание, чего же хочет душенька и за что платят деньги

Но будьте аккуратны, это может сработать и в обратную сторону, а именно убить вашу индивидуальность и окажется лишь боль, разочарование и впустую потраченные годы, так что ко всему нужно подходить с головой.

Итак, стили. На самом деле их гораздо больше, но я попробую рассказать про самые основные и крупные.

Реализм

Ну тут, в принципе, все понятно, рисование максимально близкое к оригиналу. Некоторые считают этот стиль самым сложным, я лично к таким людям не отношусь, потому что на мой взгляд тут многое решает техника, а не воображение и идеи. Есть еще гиперреализм, это когда совсем один в один и невозможно отличить где картинка, а где предмет или фотография. Как ни странно, на такое тоже спрос есть. Стиль реализма может очень хорошо сработать в концепт-арте. Есть еще такое понятие, как семи-реализм, это рисование в реалистичном, но все стилизованном стиле, как раз широко используется в гейм-индустрии. Очень советую почитать вообще в целом про реализм в живописи, он имеет много интересных направлений, например таких, как магический реализм и не только.

Если вы хотите стать реалистом, то стоит обратить максимальное внимание на:

  • пропорции и анатомию (не только человека, но и всего, что есть вокруг)
  • живопись, причем идеально если вы будете работать в дидже, но не обязательно
  • понимание света и тени
  • академический рисунок
Декоративный стиль


Допускает более-менее вольные интерпретации окружающей действительности, часто плотно связан с орнаментами. Подходит для журнальной иллюстрации, книжной иллюстрации для старшего возраста и для взрослых. Требует внимательности, аккуратности, отлично сочетается с реализмом и делает его на мой вкус более интересным. Хотя провести грань между реализмом и декоративным стилем порой очень сложно, если учитывать, что семи-реализм это уже уход в декоративность, поэтому часто бывает, что эти два стиля тесно сплетаются вместе, но это не обязательно.

Если это ваше, то стоит прокачивать:

  • анатомию
  • тон
  • цвет
  • орнаменты и их построение
  • работу с контуром
Гротеск


Интересное направление, требующее подготовки, но дающее интересные результаты. Смысл в том, что вы преувеличиваете или преуменьшаете некоторые объекты рисунка, сосредотачивая на них внимание, изменяете пластику фигур и объектов. В данный момент гротеск широко используется в журнальной графике, картинках для веб проектов и еще много где.

Качать необходимо:

  • пластическую анатомию (то есть анатомию поз и движения)
  • композицию, особенно динамическую
  • перспективу
  • цвет и тон
  • свою фантазию

Наив


Очень хорошо развивается на текущий момент, подходит детским и журнальным иллюстраторам. Наив хорошо понимают дети, поэтому всякие умильные зверюшки это сюда. К сожалению многие думают, что наив — это когда не умеешь рисовать и это в корне неверное понимание, на мой взгляд. Для качественного наива важно уметь рисовать и понимать что ты делаешь и для чего.

Что нужно прокачивать

  • навыки стилизации
  • работу с формой и силуэтом
  • цвет
  • работу с текстурами

Минимализм

Еще один простой на первый взгляд стиль, требующий ума) Используется в журнальной графике, веб-иллюстрации и в дизайне. Хорошо работает в паре с гротеском или наивом. Требует аккуратности и чувства стиля, развиваемого насмотренностью. Хорошо работает в векторной иллюстрации.

Качать:

  • композицию
  • чувство формы
  • работу с линией и контуром
  • цвет и тон
  • последнее время популярен минимализм с текстурами

В галерее я собрала несколько примеров в том числе смешения нескольких стилей в одной картинке. Чтобы понять, что близко именно вам, попробуйте собрать на пинтересте доску с иллюстрациями, которые вам нравятся и соотнести их с описанными выше стилями. Как вы уже поняли стили можно смешивать ради более интересного результата. После этого упражнения попробуйте четко придерживаться выбранного стиля в нескольких своих иллюстрациях. Как только вы поймете, что результат вам нравится, выражает ваши идеи и рисовать в нем комфортно — вам станет гораздо проще работать дальше.

Надеюсь пост оказался вам полезным и поможет найти что-то прекрасное в себе и своих работах!

О реализме, фотореализме и стиле вообще

«Я знаю, что анатомия неправильная, но таков мой стиль», «У этого рисунка нет стиля», «Мне нравится ваш стиль». Мы часто используем слово «стиль», не до конца понимая его значение. Мы понимаем его на подсознательном уровне, как «любовь» или «искусство», но не так уж легко конкретно определиться, что это.

В этой статье я попыталась проанализировать стиль: что это? Можно ли его осуждать? Все ли стили одинаково хороши? Может ли стиль скрыть недостаток таланта? Что делает стиль реалистичным? Что неправильного в копировании чужого стиля? И, самое важное, как мы можем развить наш собственный стиль?

Ответы на эти вопросы заложены в самом рисовании. Если вы никогда не пытались понять что такое рисование, выводы могут удивить вас!

Стиль? Что это? Я даже рисовать не могу!

Или можете? Леди и джентльмены, с удовольствием представляю вам урок по тому, как рисовать!

Шаг 1

Возьмите что-нибудь, что красится, когда на него надавливают (карандаш, например).

Шаг 2

Надавите этой вещью на материал (что-нибудь твердое типа бумаги, дерева и т.д.).

1 –надавливание

Шаг 3

Передвиньте ту штуку с силой, чтобы оставить след.

1 – надавливание, 2 – перемещение

Звучит абсурдно? Но это на самом деле рисование! В основном определении нет ничего о красоте или реализме. К сожаленью, каждый может рисовать – даже слепой!

Это рисунок!

Однако, полное и объективное определение рисования связано с кое-чем более туманным – стилем. Рисование даже чаще ассоциируется с одним конкретным стилем: реализмом. Каким-то образом ценность рисования была связана с тем, насколько оно реалистично. Когда ребенок слышит, что у него есть талант к рисованию, это не, потому что его линии аккуратные, или ему удалось закончить картину без резинки – это только потому, что люди могут понять, что он нарисовал!

Возможно, это талант. Возможно – упорство

Когда кто-то говорит «Я не умею рисовать», он, скорее всего, говорит не о неумении держать карандаш, недостатке времени или еще о чем-нибудь, он подразумевает «Я не знаю, как отобразить реальность на листе бумаги». Если он это осознает, проблема этого человека станет легко решаемой: если ты не знаешь, как сделать что-то, найди того, кто умеет, и научись этому от него! Однако выражение «Я не умею рисовать!» используется не равнозначно «Я не умею плавать/говорить на китайском/играть в шахматы (пока)». Это сигнал безнадежной неспособности: «кто-то там умеет рисовать, а я нет». Откуда взялось это отчаяние?

Как мы говорили, есть 2 определения рисования: оставление следов на материале и создание этих следов, но уже похожих на что-то реальное. Смешение этих значений может стать фатальным для начинающего художника. Вы знаете, как легко рисовать (ведение карандашом по листу бумаги), но в то же время вы не можете это сделать (нарисовать дракона, например). Как еще вы можете это объяснить, если только те люди, которые умеют рисовать, не обладают секретной магией?

Базовый рисунок и рисунок со стилем

Только что вы сделали первый шаг к пониманию того, что такое «талант». Талантливый человек не тот, кто «родился с уже готовыми навыками». Талант – это предрасположенность к чему-нибудь, не ограничиваясь только искусством.

Давайте приведем пример. Управление самолетом это легко, так? Вам всего лишь нужно сидеть, передвигать рычажки и нажимать кнопки время от времени.… Нет, конечно, никто так не скажет. Мы все можем догадаться, что чтобы управлять самолетом нужно, обладать огромными знаниями. Талантливый пилот не родился с этим – однако, он мог родиться с чем-то меньшим: хорошими рефлексами или хладнокровием. Эти маленькие вещи могут помочь ему во многих профессиях, и если он станет пилотом, они хорошо послужат ему.

Талант в практический профессиях проще ассоциируется с изучаемыми навыками. Даже когда вы говорите, что пилот или водитель имеет талант, вы подразумеваете это, как вишенку на торте, что-то, что делает их хорошими пилотами и водителями. Но для художественных профессий… ну, тут другая ситуация. «Ваши работы прекрасны, вы так талантливы!» говорят люди каждому хорошему художнику, подразумевая, что талант – это обязательно хорошо рисовать. И если вы не можете хорошо рисовать, это, наверно, потому что у вас нет таланта – вы обречены, как художник. Хорошая причина чтобы отчаяться, не так ли?

А – водитель, В – художник; 1 – плохой, 2 – хороший, 3 – талантливый.

Давайте повторим еще раз – нет такой вещи, как «талант к рисованию». Как в примере с пилотом, вы можете родиться с маленькими, общими качествами, такими как терпение, чувствительность, любопытство, перфекционизм или упрямство. Их может быть и больше, но объединяет их только одно – они не специфичны, не разработаны для одного конкретного навыка, но влияют на различные области деятельности. Вы можете использовать их, чтобы стать хорошим художником – но они не необходимы. Вы можете стать программистом или часовщиком, и никогда не касаться карандаша.

Я верю, что большинство этих качеств, применимых к рисованию, могут использоваться и по-другому. Что важно вам понять: рисование должно активно изучаться – это не магия, это навык, которому учиться надо так же, как и управлять самолетом. Я серьезно! Вам нужно научиться основам не только дизайна, но и медицины, архитектуры, математики и физики. Но прежде того, как мы поймем, что на самом деле такое рисование, давайте перейдем к тому, чего вы прежде делать, вероятно, не могли – реалистичному рисованию.

Реализм

Вообще, реализм — это стиль создания чего-то в нашем мозгу, что определяется как «реальное» или близкое к реальному. Мы легко можем назвать скульптуру реалистичной, но что насчет плоского листа с чем-то расплывшемся на нем? Как это может быть опознано, как что-то реальное? Я описала это здесь, но сейчас я бы хотела уточнить эту тему.

Наш мозг создает реальность, которую мы воспринимаем, как серию двухмерных снимков, создающихся каждую долю секунды. Глубина же создается сравнением 2 снимков, взятых в один и тот же момент времени, но немного с разной позиции (это не единственный способ создать глубину, ведь, даже с одним глазом, мы можем справится с этим очень хорошо). Поэтому, рисунок может считаться «мозговым снимком», выставленным всем на обозрение.

Отсюда несколько проблем:

• Хоть все «снимки» и сохраняются в нашем мозгу, наше сознание недостаточно быстро, чтобы процессировать их все. Как мы не видим отдельного кадра в фильме, мы не можем заметить и один «снимок» – мы видим только движение, создаваемое изменениями между ними.

• Реальность, которую мы видим, состоит из многих различных «снимков», которые постоянно меняются. Одно движение головы и ты понимаешь, насколько большим будет предмет, если подойдешь ближе (даже если он выглядит маленьким сейчас). Перспектива – неотъемлемая часть нашей реальности – мы не можем вообразить мир без нее. Даже если перспектива существует только в нашем мозгу!

• Невозможно нарисовать реальность – один «снимок» не сделает этого. Следовательно, каждый рисунок это какой-то компромисс и симуляция реальности – обычно несколько снимков объединяются в один, чтобы сделать наше видение полным.

• Вы не можете двигать ваши глаза в одном «снимке». Вы можете только смотреть на что-то, находящееся в вашем фокусе (предмет входит в фокус, когда вы посмотрите на него, изменяя всю сцену). Поэтому рисунок – замороженный «снимок», и когда вы смотрите на это, вы не можете видеть то, что видел рисовальщик.

Существует много уровней реализма. Наш мозг хорошо адаптирован для наблюдения шаблонов, так что мы можем видеть вещи, которых на самом деле здесь нет, как, например, лицо на Марсе или знаки, нарисованными чайными листьями. Вот почему сравнительно легко достичь базового уровня реализма без слишком долгого обучения – наш мозг простит это. Одним из признаков «таланта к рисованию» может быть возможность создавать эти шаблоны очень эффективно – но это не навык, это только догадки. Если вы нажимаете случайно несколько кнопок и заставляете этим машину заработать, это не значит, что вы управляете ею!

Разницу между талантом к созданию шаблонов и реальным навыком легко обнаружить – если вы привязаны к каждому симпатичному рисунку и боитесь, что никогда не нарисуете так больше – это результат таланта. Мастерство не берет удачу за основу!

Линии слева были полностью случайными!

Уровни реализма создаются разными элементами, за которые цепляется наш мозг, ища что-то, чтобы распознать это. Некоторые из них важнее других, и они могут отличаться у разных людей.

Контуры

Линии – значение рисунка. Однако, они не то же самое, что и контуры – контур это линия, которая означает разделение между чем-то «внутри» и «снаружи». Мы очень хороши в видении контуров, даже если их не существует в природе в виде линий. Они полностью произвольны, каждый художник может использовать разные контры для одного объекта.

Это первый этап, на котором появляется стиль. Если что-то произвольно, каждый может создать свою версию этого предмета – и ни одна их них не будет более или менее правильна. Нужно добавить другой стандарт, чтобы судить по нему. Это мы и делаем обычно – мы используем ярлыки, на подобии «реалистично» (очень напоминающий что-то реальное), «мультяшно» (немного линий, символичные фигуры) или «манга» (характерный японский стиль).

Если различие между реальностью и мультфильмом настолько велико, почему каждый не-реалистичный стиль выглядит правильным и приятным глазу?

Каждый стиль приходит от искажения Реализма

Если вы хотите нарисовать кота, вы не можете нарисовать что-то совершенно новое и сказать, что это кот (если только вы не сюрреалист – но даже в этом случае вашей целью должно быть не нарисовать кота). Вам нужно взять все специфичные черты котов и скомбинировать их, чтобы создать новую версию животного. И вам нужно знать правила, чтобы разрушить их. Если вы никогда не рисовали кота прежде, и никогда не изучали его анатомии и пропорции, не ждите, что ваш рисунок будет правильным. Это, как с моделью машины – если вы не можете построить оригинал в первую очередь, вы не можете сделать и свою версию.

Каждый стиль основан на Правилах

Все должно иметь замысел – вы не должны случайно передвигать элементы. Вот почему начинающие художники обычно имеют проблемы с перерисовыванием их персонажей – первый рисунок – результат догадки, и даже если он выглядит хорошо, художник не понимает почему!

Если ваш «стиль» не основан на правилах, это не стиль. Стиль можно описать – и если ваш не имеет правил, как вы можете описать его? «Стиль Х характеризуется… ну, на самом деле это было нарисовано Х». Здесь не больше смысла, чем в характеристике  машины Y: «это выглядит, как машина Y». «Спонтанность», «случайность» или «безумие» не совсем хорошие слова для описания стиля. Здесь должно быть больше определений – рецепт, который вы можете использовать снова и снова – даже если вы единственный человек, знающий все о своем стиле.

Правила делают стиль повторяемым; именно на его основании. Одна картинка не создает стиль, их должно быть больше. Это приносит нам следующую проблему:

Стиль сознателен

Вы можете подумать «ты говорила стиль приходит из реализма, но что насчет абстракционизма?»

Во-первых, искусство не равно стилю. Это гораздо обширнее и мы не будем говорить о нем здесь..Что важно для стиля – он может быть описан на многих уровнях детализации. Образец «Дерево» можете выглядеть как: рисунок – черное и белое – манга – (сюда поместите конкретные правила). То же самое с абстрактным искусством: рисование – цветное – абстрактное – (сюда поместите конкретные правила).

Во-вторых, это может прозвучать спорно, но я считаю, что и абстракции произошли от реализма – это его отрицание. Чтобы создать что-нибудь абстрактное, вы нуждаетесь в знаниях о том, что такое неабстрактное. Если вы хотите нарисовать темную картину, вам нужно знать, какие цвета вам нужны – вам нужно знать, что не темное. Кот не выглядит котом, потому что вы не научились рисовать не абстрактно – это просто ошибка. Когда финальная картинка полностью отличается от того, что в вашей голове, и вы притворяетесь, что этого вы и хотели, вы только обманываете себя.

Может, я выхожу из своей компетенции здесь: определение искусства настолько неуловимо, что кто-то может назвать это пятном, состоящим из красок, брошенных на стену (это потому что искусство настолько случайно и непреднамеренно). До тех пор, я не назову случайность стилем – и даже если я делаю это, определение стилем будет «рисунок, который не был намерением художника». Не хотите ли вы поделиться своим стилем с 2-х летним?

Это мама, папа и Бади. Возможно, вы не можете распознать их, но это мой стиль.

Золотое сечение – мера красоты

Это большая тема, но определенно стоящая изучения. В основном, это пропорции, которые заставят ваши предметы выглядеть хорошо – и наоборот, предметы выглядят плохо, без конкретных пропорций. Наш мозг как-то подстроен под золотое сечение – вы не можете изменить его. Чистая математика имеется в каждом цветке и листочке, и та же математика должна быть применена ко всему, что вы создаете, чтобы ваш мозг распознал это, как верное, даже если ваш рисунок не реалистичен.

Конечно, могут и должны быть маленькие различия (идеальная красота скучная, а небольшие дефекты могут быть приятными). Но основное «тело» вашего объекта должно следовать этим правилами, хотя бы примерно. Так что даже когда вы меняете голову, чтобы нарисовать ее в мультяшном стиле, есть некоторые размеры, которые должны всегда выглядеть хорошо, а некоторые нет – возможность видеть их без измерений может быть еще одним признаком «таланта», но этот приходит и с практикой.

Пропорции между А и В такие же, как между А+В и А

Адаптация

Есть одна вещь, которая может сохранить ваш стиль, неважно насколько он безумен и далек от реализма. Это зовется адаптацией – когда вы смотрите на что-то необычное часто, это становится нормальным для вас (но не для других). Так что если вы показываете ваши рисунки одним и тем же друзьям на протяжении долгого времени, они могут начать понимать их. Их оценка  может привести к ложному предположению о наличии у вас стиля, но он до сих пор не понятен другим. Не запирайте себя в зоне комфорта, но, вместо этого, слушайте мнения других людей, не только ваших фанатов. Это единственный путь развиться, как художнику.

Есть и другая сторона адаптации. Мы, как правило, учитываем только те вещи, с которыми мы знакомы как с «нормальными». Вот почему даже правильно нарисованный, но малоизвестный динозавр может выглядеть анатомически неправильным, и анатомия кошки по отношению к лемуру может пройти незамеченной. Забавный факт: те же 4 ноги, те же уши, размещенные в верхней части головы более оправданы, чем три ноги и уши на макушке – это только потому что подобное часто встречается в нашем мире и, таким образом, воспринимается как естественное.

Длинный полосатый хвост? Есть! Черная маска на голове? Есть! Круглые глаза? Есть! Тонкое тело? Есть! Все верно – это должен быть лемур

Свет и тень

Первой целью видения была способность различать свет и тень. Мы до сих пор чувствительным к этому. И нам не нужны контуры, чтобы видеть форму, если даны свет и тень. Это может быть новой стадией рисунка (затемнение с помощью линий) или первой стадией живописи.

Мы заметили, что есть несколько элементов, которые могут относиться к «таланту к рисованию», как терпение, перфекционизм, способность создавать шаблоны и распознавать пропорции. Талант к живописи встречается гораздо реже. Его основой будет «глаз для наблюдений». Идея о том, что мир создан из контуров, настолько закреплена в нашем мозгу, что очень трудно увидеть фигуры, созданные светом и тенью. Вам нужно приложить реальные усилия, чтобы визуализировать мир таким, какой он на самом деле – покрытый светом и тенью. И даже тогда попытка живописи может привести к боли в мозгу (у меня, по крайней мере). Однако это того стоит – рисунок со светом и тенью выглядит гораздо реалистичнее для наших глаз, чем сложный и изысканный шедевр, состоящий только из контуров.

Свет и тень, и формы, которые они создают, так же открыты для стиля, как и контуры. Размер и форма кисти обводки дают вам шанс создать бесконечное число полностью различающихся интерпретаций увиденного. Когда вы добавляете ваше собственное видение света и тени, вам не нужно бояться не быть понятым. Прочитайте больше о свете и тени здесь— и удивитесь, как вы можете использовать эти правила для создания вашего собственного стиля.

Цвет

Цвет это отличное добавление к зрению, приносящая много новой информации. Сейчас, помимо освещенности, мы получаем оттенок, насыщенность и яркость. Чем больше элементов составляют картинку, тем больше возможностей для создания индивидуального стиля.

Вы можете быть реалистичным – но не обязаны. Я часто вижу художников, которые хороши в реалистичном рисовании (контуры) и потом берут самые реалистичные цвета – все так, как на самом деле. Это не необходимо, даже больше, это приносит вас ближе к скучному фотореализму! И проблема с фотореализмом (давайте поговорим о нем попозже) – это стиль, который выглядит одинаково, независимо от того, кто его использует. Если вы хотите свой отличительный стиль, чтобы он был полностью вашим, экспериментируйте с правилами. Вам нужно знать их, конечно, изучайте природу и объекты вокруг вас, но потом поменяйте то, чему вы научились. Создайте собственные правила!

Apofiss – стиль этого художника великолепный пример игры с реальностью

Детали

Это может быть удивительно, но детали не важны для реалистичного рисования. Поскольку мы действительно не видим картинки в нашем мозгу, и картина – всего лишь симуляция предполагаемой сцены, мы можем по-разному создавать ее. Рисование всего так, как это выглядит в одну долю секунды, только лишает вас чувства ситуации. Значение распределено на несколько снимков. И, если вы хотите нарисовать картину, не создавай кино или анимацию, вам нужно использовать несколько трюков.

Способность передавать движение в неподвижной картине может быть еще одной частью таланта. А детали могут помешать вам достигнуть этот цели. Когда мы видим, прежде всего вы замечаем некоторые нематериальные ощущения – мы видим движение, борьбу, свет на мече, красную кровь – но не каждый волосок в бороде воина или его мастерские украшенные доспехи.

Здесь только пятна света и тени. То, что вы видите здесь, зависит только от вас!

Столько пространства для стиля, между бесформенностью тени и детализированностью какой-либо сцены. Бесконечное количество путей достичь «чувства». И когда вы жертвуете деталями, вы можете очень легко найти свой стиль. Есть только один способ рисовать детали реалистично – и бесконечное число способов создать только их ощущение.

Фотореализм

В чем разница между реализмом и фотореализмом? До сих пор мы обсуждали снимки в мозгу. Что если кто-нибудь сделает их реальной камерой? Фотографии стали полностью нормальными для нас. Мы воспринимаем их как реальное представление реальности, не понимая, что камера не работает точно так же как наши глаза и мозг. Мы настолько привыкли к фотографиям, что они иногда становятся более реалистичными для нас, чем реальность, сама по себе!

Фотореализм не высшая форма реализма. Это только создание вещей настолько тщательное, что они могут быть перепутаны с фотографией. Но, давайте повторим еще раз, фотография – не то же самое, что снимок в нашем мозгу – камера не ловит иллюзию и не устроена так, как мы привыкли думать. Как часто вы уставали фотографировать что-то, не получая в результате того, что вы видите это (луна, закат)? С небольшими знаниями фотографа вы можете зафиксировать это, но сейчас можно пойти дальше и создать расширенную реальность – что-то, что воспринимается лучше, чем просто глазами! И я не говорю о фото манипуляциях – камера сама по себе может быть настроена видеть мир разными способами. И когда вы добавляете собственный свет, не встречающийся в природе, вы получается привлекательный, но нереалистичный эффект. Обучение на фотографиях может и не приблизить вас к реализму.

1 – реализм, 2 – фотореализм

Вы можете сказать «но фотографии такие реалистичные, так что это одно и то же». Неправильно – вы только думаете, что они реалистичны. Сделайте снимок, а потом просто смотрите на это место – разница бросится в глаза. Это технические различия, такие как блики (это не происходит в наших глазах так, как в фотоаппарате), или форма зоны вне фокуса (мы смотрим двумя глазами, поэтому эта область не только размыта, но так же состоит из двух изображений). Но так же более неуловимые – камера ловит только то, что есть, но наш мозг может сделать это гораздо реалистичнее. В не сможете сфотографировать что-либо глазом, полным слезами, или глазом напуганного человека, бегущего через темный лес ночью. Мы не только видим, мы так же чувствуем – а фотографии игнорируют последнее.

Еще одна вещь: я говорила раньше, что невозможно нарисовать реальность. В то же время, камера пытается идеально передать реальность. Это не делает фотографии более реальными, чем то, что мы видим – они слишком объективны и лишены очень важной части реальности. Как будто поход в ресторан это только путешествие в дорогое место, чтобы утолить голод, реальность состоит не только из визуальных сигналов.

Местность под небом на самом деле не такая темная, и цвета могут быть не такими яркими

Конечно, это не значит, что фотореализм неправильный. Я просто хочу противостоять тому убеждению, что реалистичный художник должен быть настолько близко к качеству фотографии, насколько это вообще возможно. Это два разных стиля, и не один из не «лучше» или «выше». Очень важно наблюдать мир просто глазами и не полагаться только на фотографии. Я знаю, их проще найти, но иногда собирание листьев и создание эффекта поверхностного рассеивания света вашими силами, может научить вас большему, намного большему. Учась и на реальности, и на фотографиях вы сможете создать полностью новый и уникальный стиль.

Рисование из головы

А что насчет вещей, которые не существует на самом деле? Возможно, нарисовать их реалистично или в любом другом стиле, происходящим от реализма? Да, но вам нужно нарисовать их так, как если бы в нашем мире они были бы реальными. Вы скажете: «но я хочу использовать нереалистичный стиль, например, дракон с тонкими ножками, как спички, и большой круглой головой. Хорошо, но заметьте, что вы используете «ноги» и «голова». Это вещи из нашего мира, с точным определением. Это отправная точка для ваших созданий. Вам необходимо знать, как рисуется голова, даже, если вы хотите создать новый вид головы.

Между прочим, я хотела бы уточнить один вопрос: почему вы не можете нарисовать, что-то реалистично, даже, если вы знаете, как это выглядит? Вы можете очень четко представить лошадь, но на бумаге она выглядит полностью неправильной. Не это ли недостаток таланта.

Нет, здесь мы снова смешиваем два разных процесса: выявление и создание. Давайте посмотрим на этот псевдо-код:

Идентификация:

1

2     если (ноги == «длинные, тонкие, к копытами»

3    И

4     тело == «большое, сильное»

5     И

6     голова == «вытянутая»

7     И

8     хвост == «длинный»)

9     тогда

10    животное = лошадь

Когда вы видите животное с набором качеств, которые хранятся в вашем мозгу, как принадлежащие лошади, вы узнаете лошадь. Просто, не так ли? Вам не нужно знать каждую деталь лошади, чтобы понять, кто это – лишь некоторых достаточно. То же самое происходит, и когда вы визуализируете лошадь в вашем воображении – вы не видите каждую деталь, о которой вы даже понятия не имеете, а ваш мозг скрывает этот недостаток.

Создание

1 если (животное == лошадь)

2 тогда

3 ноги = х;

4 если (х == «с копытами»)

5 тогда

6 ширина копыта = ?;

7 высота копыта = ?;

8 закругленность копыта = ?;

9 длина ног = ?;

10 ширина ног = ?;

11 высота ног =?;

12 длина тела = ?;

13 ширина тела = ?;

14 высота тела = ?;

15 длина головы = ?;

16 ширина головы = ?;

17 высота головы = ?;

18     …

Совершенно другая ситуация, когда вы ходите создать лошадь сами. Внезапно вам нужно знать значение всех этих переменных и даже больше! Вы начинаете рисовать копыто и понимаете, что не знаете как оно выглядит – даже если вы можете распознать его, если увидите.

1 – идентификация, 2 – создание

Все проблемы с созданием исходят из плохой базы знаний о реальности. Слишком часто мы только думаем, что мы знаем, как та или иная вещь выглядит, но когда дело доходит до деталей, их просто нет у нас в памяти. Когда вы читаете книгу, вы не видите каждую травинку, под ногой главного героя, на самом деле, вы даже не задумываетесь о том, какое у него лицо (до тех пор, пока вы не увидите его в кино). Вы под впечатлением от видения законченного мира в книге, но когда кто-то рисует это и показывает вам, окажется, что у вас много пробелов. Если вы хотите создать ваш собственный стиль, начните с изучения реализма – соберите все, что вы видите в вашу базу знаний.

Стиль и осуждение

Комментатор: «Я думаю, эти ноги не должны быть такими длинными, это животное такое мускулистое, и выглядит так, будто сейчас же упадет»

Художник: «Мне нравится так рисовать, это мой стиль, ты не можешь осуждать это!»

Комментатор: «Я обожаю эту картину! Его хрупкие ноги такие милые!»

Художник: «Спасибо!»

Не замечает чего-то странного? Критика это не только негативные или позитивные отзывы. Это и то, и то. В тот момент, когда вы выкладываете ваш рисунок куда-нибудь (или показываете его кому-то), вы ставите его на обсуждение. Когда вы это делаете, но ожидаете только позитив, выглядит так:

Художник (готовит что-то и ставит на стол): Вот!

Гость 1: Мм… Вкусно!

Художник: Спасибо! А что ты думаешь, Гость 2?

Гость 2: Честно говоря, мне нравится, слишком солоно.

Художник: Но это МОЙ рецепт! Ты не можешь говорить нравится тебе или нет!

Нелогично? Да, но когда вы публикуете вашу работы в ожидании только похвал, вы так же не думаете логично. Каждый может судить вас, вы не можете лишить их этого права. Но их осуждение ничего не меняет в объекте.

Представьте, у вас есть камень, который вы любите, может напоминание о каком-то важном событии в вашей жизни. Вы выкладывает миллион фоток этого камня на вашем профиле и когда друзья начинают ворчать, вы агрессивно отвечаете: «но это МОЙ камень!Вы не можете осуждать его! Вы не знаете, как он важен для меня!». Да, они не знают и никогда не узнают – тогда зачем вы опубликовали эти фотографии? Если этот камень/стиль можете понимать только вы, почему другие должны это увидеть? Вы хотите, чтобы они не осуждали это? Вы не можете залезть к ним голову. Если вы хотите, чтобы ваш стиль приняли и рассматривали, как настоящий, сделайте его понятным (используйте советы из предыдущих пунктов). Если вы не хотите – ну и зачем вы их выложили?

Стиль, как и все на свете, может быть осужден. Когда человек говорит, что ему или ей не нравится стиль Короля Льва, это не значит, что он не прав, потому что существует множество людей, которым он нравится – это просто мнение! Оправдание « это мой стиль, ты не можешь судить его!» это на самом деле отчаянная мольба «не говори, что это неправильно, не говори, не говори…».

Чтобы ответить на вопрос поставленный во введении, нет никаких «лучше» или «хуже» стилей, пока у вас нет определенного стандарта. Стиль не «уродливый», он «не достаточно реалистичный для меня». Однако, стили могут быть более или менее развитыми, так что будьте осторожны и не используйте «стиль» в качестве щита от критики.

Копирование стиля

Я думаю, большинство художников начинает с этого, сразу после детских каракулей. Они комфортно себя чувствуют с карандашом в руке (они «хороши в рисовании» в самом общем смысле), но в то же время их прогресс не такой быстрый, как бы им хотелось. Так что вместо обучения у других, они начинают полностью их копировать. Неожиданно их картины выглядят идеально, и каждый любит их. Это обычно начинается с обводки картины, затем художник копирует ее глазами, и в конце концов изучает правила стиля, чтобы создать собственного персонажа и получить немного независимости. Настолько ли это плохо? Давайте посмотрим:

Плюсы:

• Вы хорошо владеете карандашом и линиями

• Ваше координация типа глаз-рука хорошо развита

• Подсознательно вы учитесь золотому сечению

• Вы учитесь, как получать удовольствие от рисования

• Вы без давления рисуете, чтобы стать лучше, потому что вы уже хороши

• Вы чувствуете, как хорошо, когда ваши навыки хвалят

Минусы:

• Вы хорошо чувствуете себя в рисовании и вам не нужно изучать что-то еще – так, вы останавливаете свое развитие

• Ваше креативность не так развита

• Вы относитесь к стилизации, как к чему-то нормальному и верному, чему-то реальному

• В отличие от настоящего художника, вы игнорируете все правила, которые приводят к созданию стиля, так что вы никогда не достигнете вершины

• Стиль становится вашей частью и вы не можете выйти из него, даже если пытаетесь создать собственный стиль (это серьезно!)

• Вы не способны судить свой рисунок объективно, вы – и другие тоже, — рассматриваете его только с той стороны, насколько он близок к оригиналу

• Вы строите свою зону комфорта, из которой трудно выйти

• Вы становитесь зависимым от похвалы и боитесь пробовать что-то новое, потому что оно может быть не таким хорошим

Но что насчет манги? Разве рисование манги не «копирование стиля»? Не совсем. Манга (или «особый стиль японских комиксов») это набор других стилей. Как, например «Дисней стиль», может дать вам направляющие, кучу всего полезного о пропорциях, но все равно останется пространство для развития чего-то вашего. Другая ситуация, когда вы концентрируетесь на каком-то конкретном стиле (определенного комикса/мультфильма), но это все равно не полностью ограничивает вас правилами, созданными кем-то другим.

Если последний абзац прозвучал для вас стимулом, есть несколько плохих новостей: каждый хороший художник в манге имеет свой собственный стиль, как и любой другой хороший художник. Будьте уверены, у них много опыта в реализме, и они просто выбрали мангу, как основу их стиля. Если у вас нет. выбора, кроме как рисования в чьем-то стиле, можете ли вы рисовать? До тех пор пока вы не поймете, на чем основан стиль (реализм), вы никогда не сможете менять его свободно. Вы просто не будете знать как изменить что-то, не разрушив всего остального!

Заключение

Рисование намного сложнее, чем мы привыкли думать. Настолько простое в основании и такое невообразимо сложное, когда дело доходит до драконов и воинов… Я думаю, большинство этих проблем начинающих происходят от непонимания их хобби – это не помещение линии на бумагу, согласно какому-то мистическому процессу в голове. Когда вы поймете, как много аспектов имеет рисование, станет очевидно, что каждый из них может быть изменен, для создания нового стиля. И раз все стили произошли от реализма, начните с его понимания – наблюдайте, будьте осторожными, сделайте реальность единственным стилем, который вы копируете.

Посмотрите на других художников – найдите в их работах реализм, посмотрите, что они изменили, решите как вы можете использовать это знание. Вы не развиваетесь как художник, только когда держите карандаш – всегда, когда вы делаете попытку внимательно смотреть и понимать что-нибудь, ваш опыт растет!

Наблюдайте, удивляйтесь, задавайте вопросы – и тогда сделайте то, что хотите с линиями, светом и цветами, чтобы донести ваши наблюдения до других.

Оригинал статьи: Realism, Photorealism and Style

Автор статьи: Monika Zagrobelna

суть, история реализма в живописи, выдающиеся представители. Картины художников-реалистов Репина, Бретона, Шишкина

Updated:

Реализм — стиль в искусстве и живописи XIX века, которому свойственен отказ от идеализации окружающего мира в пользу изображения обычных людей и ситуаций. Этим он отличается от кубизма, футуризма и многих других направлений. Реализм возник в середине XIX века, когда французский живописец Гюстав Курбе (Jean Désiré Gustave Courbet) не смог представить своё произведение «Мастерская художника» на Всемирной выставке в Париже — организаторы сочли его не соответствующим академическим традициям, которые господствовали в то время. Художник не опустил руки и разбил по соседству с выставкой собственный шатёр, в котором организовал экспозицию с названием Le Realisme («Реализм»). Идея увенчалась успехом — новая выставка привлекла внимание публики, а реализм как перспективный стиль живописи начал своё победоносное шествие по миру.

Реализм возник в ответ на запрос общества на слом традиции изображать мир в идеальном свете — так, как это было принято среди мастеров эпохи Возрождения. Художники, творившие в этом стиле, чувствовали новые потребности — они изображали окружающий мир таким, каким он видится каждому из нас. Многие мастера достигали почти фотографической точности своих полотен, чем восхищали ценителей искусства. В этом проявилось отличие реализма от других направлений живописи — в частности, экспрессионизма, которому было свойственно отображать не реальность, а реакцию людей на неё.

Реализм проник буквально во все жанры изобразительного искусства — пейзажный, исторический, портретный и многие другие. С течением времени он расслоился на несколько направлений, что во многом было связано с индустриальным и экономическим развитием разных стран. Рассматривать реализм целесообразно именно в разрезе различных ответвлений этого стиля — между ними есть отличия, подчас довольно существенные.

Направления реализма

Реализм XX века

Художники всегда оставались частью реальной жизни и своими глазами наблюдали катаклизмы XX века — разрушительные войны, экономическую депрессию и другие. Недостатка идей и сюжетов у них не было, и события, происходившие в те годы, нашли своё отражение в реалистичных картинах.

Веризм

Веризм — термин, который происходит от итальянского слова vero, в переводе означающего «правдивый», «истинный». Веризм возник в конце XIX века после объединения Италии как отражение социально-психологических конфликтов, существовавших в стране в то время. Приверженцы веризма — основную их массу составляли неаполитанские мастера — изображали тяжёлый быт крестьян, их борьбу за свои права, другие сцены, которые наблюдали своими глазами в родной Италии.

Прецизионизм

Это ответвление реализма возникло в Америке в 20-е годы XX века. Его приверженцы изображали на своих картинах сцены из промышленной и городской среды, которая активно развивалась в то время.

Социалистический реализм

В 20-х годах прошлого века в СССР был взят курс на индустриализацию страны. В качестве ответа на него родился стиль социалистического реализма, последователи которого изображали и прославляли нового человека, способного привести весь мир к счастливым идеалам социалистического будущего. Эксперты проводят определённые параллели между соцреализмом СССР и романтизмом, пришедшим в своё время на смену неоклассицизму.

Американский реализм

Художники, творившие в этом стиле, работали с середины 20-х до середины 40-х годов XX века. Они изображали в своих работах сцены, которые разворачивались в Америке в то время.

Сюрреализм

Сюрреализм как направление зародился в Париже, а его основой стали идеи, сформулированные Зигмундом Фрейдом. Художники, работавшие стиле сюрреализма, стремились воплотить в своих картинах творческий потенциал бессознательного мышления, и то, как им это удавалось, производило неизгладимое впечатление на публику.

Фотореализм

Фотореализм — это ответвление реализма появилось в конце 60-х годов прошлого века. Его приверженцы изображали объекты и сцены из обыденной жизни, придавая своим шедеврам почти фотографическую точность.

Художники-реалисты — самые известные представители

По мере развития реализма в разных странах мира появились таланты, создававшие великолепные произведения в этом стиле. В число наиболее известных из них входят:

Из года в год картины, выдержанные в реалистичном стиле, остаются предметом внимания ценителей искусства из разных стран мира. Они вызывают и ваш интерес? Вы сможете выбрать и приобрести их на нашем сайте.

картины карандашом или акварелью, как научиться рисовать натюрморт в современном стиле и уроки для этого

Гиперреализм – это направление живописи, в котором картины напоминают фотографии. Порой нужно действительно очень хорошо присмотреться к работам, чтобы определить: перед вами находится фото или произведение живописи?

Гиперреализм развился из фотореализма в конце XX столетия и перешел на новую ветвь развития в начале XXI века. А само понятие «гиперреализм» было придумано французским критиком по имени Иса Брахот (Isy Brachot) – оно стало французским аналогом слову «фотореализм». С тех пор гиперреализмом обозначали творчество художников, подвергшихся влиянию фотореализма.

Гиперреализм и фотореализм: есть ли разница?

Гиперреализм в живописи: история художники картины

Фотореализм возник как реакция на художественное движение абстракционизм. Появился фотореализм в США в 60-е годы прошлого века, а в Европе распространился в 70-е. Художники-фотореалисты создают картины, которые выглядят настолько правдоподобно, что, как и предполагается из названия этого направления, напоминают фотографии высокого разрешения.

Задачей фотореалистичной работы является получение технически точного и четкого результата. Художники, пишущие картины в стиле фотореализм, могут нарочно лишать свою работу каких-то эмоциональных деталей, если это нарушает целостность повествования. Темой фотореализма, как и в произведениях поп-арта, является повседневная жизнь человека и ее объекты.

Гиперреализм же, в отличие от фотореализма, наоборот, не дистанцирует себя от эмоциональной составляющей изображений, а добавляет картинам повествовательный характер и новые чувства. Он влечет за собой нечто большее, чем просто точная техника.

Такие картины могут быть супер-реалистичными и детализированными настолько, что в итоге картина представляет собой какую-то другую реальность, а не ту, что была на фотографии или в действительности.

Гиперреализм в живописи: история художники картины

Объем объекта, свет и тень, текстура материалов – все это изображается таким способом, чтобы выглядеть еще более ясно и подробно, даже преувеличенно в сравнении с оригиналом. Однако при этом картины не уходят в сюрреализм – изображение в гиперреализме должно оставаться убедительным, просто настоящая реальность подменяется на ложную, иллюзорную.

Лучшие художники-гиперреалисты XXI века

Стиль гиперреализм на сегодня стал очень популярным, а армия его последователей растет с каждым годом: благодаря Интернету можно увидеть тысячи гиперреалистичных работ и в графике, и в живописи.

Все имена назвать невозможно, поэтому ниже представляем вам картины всего лишь нескольких художников, которые, тем не менее, являются одними из самых примечательных авторов XXI века, представляющих гиперреализм в живописи.

Джейсон де Грааф

Увидев работы Джейсона де Граафа впервые, вам будет непросто поверить, что это живопись. Его гиперреалистичные миры – тщательно продуманные иллюзии, созданные с помощью нежных мазков и создающие впечатление самых настоящих фотографий в высоком разрешении. Де Грааф пишет картины в таком жанре живописи, как натюрморт.

Гиперреализм в живописи: история художники картины

Ключевым элементом большей части картин этого художника в стиле гиперреализм является отражение: от сверкающих металлических шариков до полированных хрустальных черепов – художник использует все возможности правдиво изобразить объем предметов и сделать их «живыми» за счет точной передачи тени и света.

Гиперреализм в живописи: история художники картины

Сам автор говорит о своих работах, что они – постановка альтернативной реальности, благодаря которой художник может выразить свое уникальное видение.

Гиперреализм в живописи: история художники картины

Его целью не является запечатлеть предметы такими, какие они есть на сто процентов, а создать некую иллюзию глубины и ощущения присутствия, которого в фотографиях не встретить. Поэтому де Грааф использует для своих картин такие предметы, которые что-либо означают для него или в действительности являются артефактами из его жизни, а цвета и композиции выбирает интуитивно.

Марко Грасси

Еще один автор в стиле гиперреализм, чьи работы поражают своей реалистичностью и заставляют многих приглядеться к ним еще разок – это итальянский художник из Милана по имени Марко Грасси. Его картины настолько детализированы, что действительно имеют качество фотографий.

Гиперреализм в живописи: история художники картины

Работы Грасси – это чувственные портреты моделей, застенчиво глядящих в сторону от камеры.

В них часто добавлен какой-то сюрреалистический элемент, который будто вплетается в портрет – например, это может быть узор, который нарисован или вырезан на коже модели.

Кстати, кожа девушек на портретах – отдельная причина увидеть эти работы, она кажется идеальной и бархатной, и присмотревшись, зритель сможет разглядеть каждую веснушку или пору на лицах.

Гиперреализм в живописи: история художники картины

Грасси называет свой стиль живописи «сюрреалистичный гиперреализм».

Гиперреализм в живописи: история художники картины

Он говорит, что вдохновляется различными текстурами, консистенцией материалов, тем, как они взаимодействуют со светом и как он отражается в них – что художник и пытается передать в своих картинах.

Род Чейз

Как один из лучших и наиболее узнаваемых художников-гиперреалистов нашего времени, Род Чейз заслужил огромное уважение своих коллег и обожание множества коллекционеров.

Каждая картина, снятая с его мольберта – шедевр, созданный благодаря тщательному исследованию объекта живописи и его многочисленным фотографиям. Этот подход к написанию картин и привел к невероятному качеству каждой работы Чейза.

Художник написал множество картин в стиле гиперреализм с пейзажами и знаменитыми местами городов Нью-Йорка и Вашингтона, штатов Колорадо и Калифорнии, таких стран Европы, как Италия, Великобритания, и других. В поисках интересных локаций и фотографий он лично путешествовал по всем этим местам. Чейз говорит, что, будучи гиперреалистом, он сильно зависит от поиска хорошего материала для каждой картины.

Картины Чейза, в основном, выполнены акрилом на холсте. Художник тратит сотни часов на создание каждой работы с целью представить свежий, элегантный и уникальный подход к уже знакомым объектам. И детализация, и настроение его картин одинаково впечатляют.

Эмануэль Дасканио

Эмануэль Дасканио – один из лучших современных художников, настоящий мастер стиля гиперреализм, работы которого поражают своей чувственностью и реалистичностью.

Помимо замечательной техники, Дасканио прячет в своих работах дополнительные смыслы с помощью малозаметных визуальных деталей, которые помогают художнику создать иллюзию реального мира. Сам автор утверждает: загадка только тогда является таковой, если она открывается глазам зрителя не спеша.

Источник: http://megapoisk.com/giperrealizm-izvestnye-hudozhniki-i-ih-kartiny

Иллюзия или отражение? Гиперреализм

Гиперреализм в живописи: история художники картины

Я никогда не была поклонницей реализма в искусстве, но простое любопытство и увлечение сына фотографией привело к тому, что я заинтересовалась таким направлением в живописи, как гиперреализм, развившийся в конце 20 века и получивший распространение одновременно в разных странах мира.

Насколько одни зрители и критики восхищены работами этого направления искусства, настолько другим оно отвратительно, и даже за искусство не принимается.

Гиперреализму как направлению в искусстве предшествовал фотореализм. Впервые это слово, «фотореализм», было придумано, а затем и опубликовано в 1970 году Луи Мейзелем для выставки «22 реалиста» Музея Уитни. Фотореалистическая живопись невозможна без фотографии, так как снимки со слайдов с помощью сетки переносятся на холст, становясь в результате живописной копией фотографии.

Помните, говорили, что некоторые огромные полотна Глазунова с большим количеством маленьких лиц сделаны частично именно таким способом.Гиперреализм в живописи: история художники картиныНо вот современный гиперреализм не копирует буквально реальность, а создает иллюзию этой реальности, тщательно и скрупулезно выписывая объекты, сцены, мелкие детали, становясь, таким образом, одним из видов современного искусства.

Это направление можно обозначить как симуляцию того, чего не существует в реальности, но благодаря убедительной иллюзии кажется ею. Свое название как течение в живописи гиперреализм получил с легкой руки бельгийского арт-дилера Айса Брахо, устроившего в 1973 году в своей галерее в Брюсселе крупную выставку с таким названием.

Теперь этот термин «гиперреализм» применяется к самостоятельному направлению в искусстве, сложившемуся в конце 20 — начале 21 века и получившему широкое распространение во всем мире.

Одним из самых поразительных художников этого направления мне показался Хавьер Аризабало, родившийся во Франции, учившийся и живущий в Испании. Главное для него – отразить падение света на человеческое тело, «его нежные, но точные мазки создают образы, которые, казалось бы, вот-вот сойдут с холста в реальный мир.

Гиперреализм в живописи: история художники картиныГиперреализм в живописи: история художники картиныГиперреализм в живописи: история художники картиныМексиканский художник Омар Ортиз, родившийся в 1977, изучал разные техники рисунка в колледже, предпочитает работать маслом, его стиль можно назвать «минималистским гиперреализмом» из-за отсутствия большого количества предметов и деталей на картинах. В основном рисует полуобнаженных и обнаженных женщин.Гиперреализм в живописи: история художники картиныГиперреализм в живописи: история художники картины

Художник из Мадрида, 47-летний Педро Кампос пишет маслом невероятно реалистичные натюрморты. «Я думаю, на развитие моего собственного стиля рисования сильно повлиял процесс восстановления картин, — говорит художник. – Восстановление древних картин вынуждает вас искать решение в цвете, любой личный вклад художника должен оставаться незамеченным».

Гиперреализм в живописи: история художники картиныГиперреализм в живописи: история художники картиныГиперреализм в живописи: история художники картины

Английский художник Пол Робертс, родившийся в 1948 году, начал свою карьеру художника еще в 70-х годах, но вынужден был прервать ее в связи с мировым успехом рок-группы, солистом и автором песен которой он был, а затем и из-за своей сольной карьеры. Только с 2000 года он занимается исключительно живописью.

Канадский художник Джейсон де Грааф родился в 1971 году в Монреале, живет и работает в Квебеке. О своем творчестве он говорит так: «Мое основное желание – создать иллюзию глубины и пространства, которой очень трудно добиться фотографией».

Диего Гравинезе родился в Аргентине в 1971 году и за последние 15 лет выставлялся в музеях Парижа, Нью-Йорка, Мадрида, Чикаго, Буэнос-Айреса и во многих других городах мира.

В России элементы гиперреализма можно было заметить еще в произведениях соцреализма 20 века, а например, современный украинский художник Александр Иванов так и называет свою манеру в живописи «гиперреалистический соцарт» (я бы добавила, и «ироничный соцарт»).

Российский художник Андрей Никулин в основу своего творчества положил точное, до тычинки и пыльцы, изображение цветов во всем их многообразии.

В это трудно поверить, но невероятно фотореалистичные рисунки португальского художника-любителя Самюэля Сильвы выполнены обыкновенными шариковыми ручками. Все рисуется сразу и без исправлений, ведь пасту не сотрешь и не откорректируешь. На каждый маленький шедевр уходит от 5 до 50 часов кропотливого труда.

Бельгийская художница Синди Райт родилась в 1972 году, закончила в 1966 году Художественную академию, живет и работает в Антверпене.

Диего Фацио, художник из Италии, любит карандаш, на создание этого портрета ушло около 200 часов.

Предлагаю вашему вниманию еще несколько работ художников, работающих в направлении «гиперреализм».Как всегда, предлагаю вам посмотреть слайдшоу с музыкальным сопровождением, в котором представлено больше работ по теме.

Источник: https://history-of-art.livejournal.com/798265.html

Особенности гиперреализма как стиля в живописи

Гиперреализм – современное направление живописи, характерное техникой изображения объектов и предметов с максимальным сходством с фотографическими картинами.

Картины являются своего рода копией фотографии, но не в буквальном смысле, их тематика варьируется: портреты, натюрморты, пейзажи сельские и городские. Гиперреализм передает реальность аналогично фотореализму.

Главными темами творчества являются: социум, проблемы общества, политические и культурные темы, реклама, «человек в большом городе» — макрофотографическое внимание к его роли и проблемам. Гиперреализм это общий термин, описывающий особую форму реалистической живописи и скульптуры, которая возникла в начале 70-х годов XX века.

История

Он также упоминается под понятием суперреализм. В живописи считался синонимом фотореализма. В 1973 году название «Гиперреализм» охватило выставку и большой каталог работ. Термин для обозначения стиля предложил использовать Иса Брахот, по его мнению, он более точно отображал сущность работы художников, чем фотореализм.

Большинство художников-гиперреалистов работают непосредственно с фотографией или цифровым изображением, при помощи традиционных методов сетки или путем проецирования цветного слайда изображения на холст. Цель состоит в том, чтобы воссоздать ту же резкость деталей, что и на фотографии, по всей картине.

Гиперреализм в живописи: история художники картины

Особенности стиля

Истоки гиперреализма лежат в 1960-х годах, когда в США и Европе распространилось направление «фотореализм». Создать работу в этом стиле невозможно без фотографии. Методы и принципы работы переняли гиперреалисты:

  • Использование технических средств для создания картины;
  • Стремление сделать изображение максимально близким к фотографии;
  • Особое внимание уделялось деталям картины.

Для гиперреализма характерны такие черты:

  • Гиперреализм имитирует реальные формы, как в живописи и скульптуры;
  • Реальная одежда и текстиль, ткани и бумаги часто используются в творчестве;
  • Внешняя реалистичность и гипертрофированность в совокупности с игнорированием сути, глубинного смысла;
  • Для стиля характерны прагматизм и натурализм;
  • Используется различная техника для нанесения на холст изображений людей и предметов;
  • Изображение сложное с точки зрения фигуративности, построения композиции;
  • Отказ от эмоционального воплощения реальности, характерны беспристрастность, точность, документализм;
  • В деталях живописи иногда могут быть преувеличения, чем стиль и отличается от техники фотореализма;
  • Изображения кажутся статичными, холодными, отчужденными;
  • Упрощение фактур при помощи техник лессировки и аэрографии;
  • Стремление избежать наличия особого почерка автора.Гиперреализм в живописи: история художники картины

Гиперреализм стиль фокусируется на деталях предметов. Картины в этом стиле были отображением реальных объектов с дополнительными, тонкими деталями, которые создавали иллюзию действительности.

Философия

Объяснить философию стиля поможет мнение социолога и культуролога Жана Бодрийяра: по его мнению, гиперреализм – это симуляция реальности, иллюзия, ложная действительность, фотографическая передача того, чего никогда не существовало. Сами живописцы, работающие в этом стиле, отрицают слепое копирование фотографии.

Художники фокусировали внимание на блестящих отражающих поверхностях – поверхность полированного автомобиля, стекло, водная гладь, пластик, металл. Работы в стиле гиперреализм должны быть более чем копией реальности, они должны передавать сверхдействительность.

Гиперреализм характеризуется более сложным фокусом на объекте действительности. Текстуры, фактуры, световые эффекты и тени являются яснее и отчетливее, чем на фото. Они более выражены, чем в реальности. Назвать изображение сюрреалистичным нельзя, поскольку иллюзия является убедительной моделью реальности.

Приемы

Гиперреализм в живописи: история художники картины

Художники использовали приемы работы фотографов для создания эффектной картины:

  1. Съемка с высоты
  2. Крупный план и макросъемка
  3. Оптическая иллюзия и монтаж
  4. Раскадровка
  5. Полиэкран.

Известные творцы и их работы

Уилл Коттон

Американский живописец. Центральная тематика работ – обнаженное женское тело. Работает в жанре пейзаж: Коттон создает гиперреалистичные изображения домов и зимних ландшафтов из сладостей, «материалами» служат вафли, безе, сахарная вата, торты, крем. Художник сам готовит модели для своих картин.

В его студии есть духовка и все необходимое для изготовления вкусных моделей.Гиперреализм в живописи: история художники картины

Работы путешествуют по всему миру, а персональные выставки действовали в Нью-Йорке, Бостоне, Париже, Кельне, Лос-Анджелесе. Картины: «В пещере мороженого», «Скалистые горы», «Черное и белое», «Нега в кремовых облаках», «Ореховый дом».

Скотт Прайор

Живописец из США, работает в стилях современный реализм, гиперреализм. Картины находятся в частных коллекциях, в американских художественных музеях. Работает в жанрах пейзаж, портрет. Картины узнаваемы, благодаря особой передаче световых отблесков, тонкой работе с отражающими поверхностями, вниманию к красоте обнаженного женского тела.

Гиперреализм в живописи: история художники картины

Наиболее известные работы: «Спящая Нэнни», «Девушка в воде», «Нэнни и роза», «Молли».

Хавьера АрисабалоГиперреализм в живописи: история художники картины

Испанский гиперреалист. Практически не работает с фоном, в центре картины – человеческая фигура с выраженными контурами. Герои работ вырваны из среды обитания, не связанны с миром, в котором они живут. Для художника важны только образы, а не среда, в которой они развиваются. Гиперреализм – характерное направление искусства второй половины XX века. Направление продолжает развитие в различных формах и проявлениях.

Источник: https://artrecept.com/zhivopis/stili/giperrealizm

Гиперреализм в живописи

В 70-ых годах 20-го столетия в Америке возникло новое течение в сферах скульптуры и живописи — гиперреализм. Появление его стало настоящим событием в художественном искусстве всего мира.

Это определение используют для нескольких обозначений: разветвлений в живописи, кинематографии, скульптуре, популярных в 1990-2000-ых; фото европейских реалистов 70-ых.

Синонимом к «гиперреализму» является фотореализм.

Гиперреализм в живописи: история художники картины

В 1973 гиперреализмом назвали крупный каталог и Брюссельскую выставку произведений искусства. Там в большинстве своем представляли свои работы фотореалисты США. Помимо того, на ней были показаны картины следующих художников Европы: Делкола, Клафека, Герхарда Рихтера, Гноли.

Три десятилетия спустя понятие «гиперреализм» применили для названия манеры новых творцов. Они имитировали фотоснимки путем использования средств живописи на холсте.

Их главной задачей было изображение современной жизни: магазинных витрин, ресторанов, светофоров, многочисленных станций метро, людей и зданий. Особенное внимание художники обращали на блестящие и отражающие поверхности, такие как стекло, полировка машин, пластик и т.п. Игра отражения на этих поверхностях создавала ощущение взаимного проникновения пространства.

Гиперреалистичные работы легко путают с фотографиями. Однако они нарисованы рукой своего талантливого автора.

Гиперреализм в живописи: история художники картины

Художники гиперреалисты

Ольга Ларионова, Рон Мюэк, Педро Кампос, Сэмюэль Сильва, Франко Клун.

Гиперреализм всегда был направлением в искусстве, порождающим большое количество споров. Некоторые восхищены мастерством живописца, другие в недоумении, зачем рисовать то, что запечатлено фотоаппаратом.

Цель гиперреалистов – изображать мир не только достоверно, а супер похоже, супер реально.

Ими использовались механические методы, а именно копирование снимков и подгон их до габаритов больших полотен (диапроекция и прочее). Краски распылялись посредством аэрографа, сохраняя все характеристики фотографического изображения, исключая индивидуальные манеры мастеров.

Помимо того, гости на выставках данного направления в холлах встречали фигуры людей. Они были сделаны в натуральный рост с помощью современных полимерных средств. На них были одеты готовые наряды. А раскрашены так, что фигуры походили на зрителей. Такой перформанс вызывал у людей замешательство и шок.

Задача фотореализма заключается в обострении нашего восприятия обыденной жизни, изображении символизированной современной среды, отражении нашей эпохи в форме «техискусства», которое широко распространилось в нынешний период технологического прогресса.

Фотореалисты запечатляли и выставляли сущность современной жизни, но скрывали свои эмоции. По сути, в своих работах это направление чуть не бросило вызов всему искусству, очутившись на его границе и стремясь к соперничеству непосредственно с жизнью. Небывалой реалистичности гиперреалисты достигли, гоняясь за техникой и деталями.

Портреты, выполненные этими художниками, – что-то больше, чем обычные копии фотоснимков. Большой талант и настойчивость авторов делают их просто невероятными.

В них жизнь, которую видит художник, наши эмоции и иллюзия мира, в котором мы живем.

Для изобразительного искусства направление гиперреализма уже нельзя назвать новинкой. И все же, невзирая на большую популярность этого течения, реалистичность новых произведений художников за каждым разом и с новыми силами потрясают мастерством и высоким уровнем, с которым они выполнены.

В наши дни большинство представителей концептуального искусства пишут работы все более незаурядные и оригинальные.

Источник: https://allpainters.ru/napravleniya/giperrealizm-v-zhivopisi.html

История живописи: Реализм и гиперреализм

Гиперреализм в живописи: история художники картины

История живописи – это увлекательный процесс познания человеком мира, отражение его     мыслей и эмоций на полотна под воздействием понимания или недопонимания вещей, происходящих вокруг и внутри художника.

Гиперреализм в живописи: история художники картины

Иван Шишкин. Рожь. 1878.

Вместе с тем, как морально рос и развивался человек, менялись и его взгляды на жизнь. Эти образы и видения ложились в основу картин, которые удивляют нас глубиной своей фантазии и буйством красок. Не удивительно, что количество стилей и направлений в живописи сегодня так велико. Каждый век по-своему уникален и неповторим. История живописи с культовыми фигурами у мольбертов, раскрывает нам тайны различных течений в искусстве, предпосылки к их возникновению, а так же дарит нам свою философию.

Чтобы рассказать абсолютно обо всех направлениях в искусстве не хватит и жизни. Однако мы попытаемся очертить наиболее популярные стили, которые вошли в историю и актуальны сегодня.

Реализм и гиперреализм

Помните ли Вы, как в детстве, держа в руках цветной карандаш или кисточку, Вы стремились сделать свой рисунок более правдоподобным? Желание передать красоту действительности, наверное, заложено в нас на подсознательном уровне.

Наша память пытается запечатлеть самые приятные мгновения и самые очаровательные образы. Ведь, как известно, человеческий мозг запрограммирован оставлять в своем архиве лишь настоящие  фрагменты.

Реализм в живописи, как стиль и крупное течение в истории искусства, возникло как раз по той же причине.  Оно родилось фактически еще тогда, когда пещерный житель впервые решился отобразить свой мир по средствам рисунка. Однако он, так же, как ребенок, не сразу научился писать шедевры. Из века в век художники совершенствовали свои навыки.

Естественное восприятие действительности и точная передача ее на холсте окончательно воплотились на холстах спустя лишь несколько эпох, на рубеже XIX-XX веков под логичным термином «Реализм».

Кстати, этот термин по праву принадлежит французскому литературному критику Ж. Шанфлёри, который выдумал его для  противопоставления академизму и романтизму. Как известно, эти два стиля полны  милых выдумок, в которых действительность несколько приукрашена, вычурна и манерна.

Античный лоск, в котором грация изменчива и неправдоподобна, пределом надоел мастерам из Франции.  Тогда, в 1855 году живописец Гюстав Курбе представил миру серию картин под названием «Павильон реализма», которая  поразила всех своей смелостью и красотой реальных сюжетов.

Гиперреализм в живописи: история художники картины

Гюстав Кюрбе. Просеивание зерна.

Реализм в живописи – это правдивые формы действительности, к которым стремились всеми силами художники с первобытных времен. Они желали передать истинную эстетику окружающего мира, сущность его явлений и образов, не забывая об индивидуальности портретов, красоте натюрмортов  и неповторимости пейзажей.

Не удивительно, что реализм получил  большое распространение и за пределами родной Франции. В разных странах Европы это течение имело различные названия. В России это не иначе как «передвижничество», в Италии – удивительный «веризм Маккьяйоли», в Австралии – школа Робертса и Маккаббини, а в США – громкая «школа мусорного ведра» Э. Хоппера.

Однако прежде чем найти своих последователей на разных континентах, реализм разделился на такие направления, как импрессионизм и натурализм. Задача первого – максимально точно передать эмоцию в конкретный момент времени, а второго – реально воплотить конкретный физический образ. Спустя столетие реализм трансформировался в новый стиль – гиперреализм.

Термин, как синоним от французского «фотореализма», придумал Isy Brachot в 1973 году.   В этом же году в Брюсселе прошла художественная выставка с одноименным названием.

Но как отдельный серьезный стиль гиперреализм в живописи сформировался лишь тридцать лет после этих событий.

Эстетические принципы фотореализма, который полностью копирует повседневную действительность, за это время весьма  выросли. Художники стали делать акцент на детализации образов.

Гиперреализм в живописи: история художники картины

Омар Ортис.

Сейчас это один из наиболее сложных и эффектных стилей, который стремится к передаче тонкой структуры и фактуры жизни. Гиперреализм можно смело назвать максимально точным  отражением действительности и антитезой концептуальному искусству.

Художники, работающие в данном направлении, концентрируют свое внимание на каждом миллиметре холста, стараясь создать идеальные линии и светотени с натуры-изображения, то есть с фотографии.

В тоже время, философия течения корнями входит в творчество Ж. Бодрийяра, который говорил о симуляции образов, никогда не существовавших в реальности.  Иными словами, гиперреалисты создают так называемую «ложную реальность» или «убедительную иллюзию».

Источник: http://jivopismaslom.ru/interesnyie-stati/istoriya-zhivopisi-realizm-i-giperrealizm.html

Это НЕ фотография: картины 12-и лучших художников-гиперреалистов

Гиперреализм карандашом

Автор Диего Фацио (Diego Fazio)

Этот талантливый 22-летний художник не перестает удивлять и снова доказывать, что его картины не являются фотографиями, и что все они нарисованы карандашом.

Он подписывает свои работы, которые публикует в интернете, как DiegoKoi. Так как все еще остаются те, кто не верит, что он все рисует сам, ему приходится делиться секретами своего творчества.

Фацио начинал как автор эскизов для татуировок. Свое мастерство он стал оттачивать самостоятельно, будучи вдохновленным работами японских художников периода Эдо, особенно Кацусика Хокусай.

Художник уже может похвастаться собственным стилем — все работы он начинает с края листа, невольно имитируя струйный принтер.

Его главные инструменты это карандаши и уголь. Чтобы нарисовать портрет, Фацио требуется около 200 часов.

Картины маслом

Автор Эллой Моралес (Eloy Morales)

Невероятно реалистичные автопортреты создает живописец из Испании Элой Моралес.

Все картины написаны маслом. В них он изображает себя, запачканным красками или кремом для бритья, тем самым он старается поймать и изобразить свет.

Работа над картинами очень скрупулезная. Автор работает медленно, тщательно выбирая цвета и обрабатывая все детали.

И все же, Моралес опровергает, что акцент он ставить на детали. Он утверждает, что для него самое важное это правильно подобрать тона.

Картины цветными карандашами

Автор Хосе Вергара (Jose Vergara)

Хосе Вергара молодой американский художник из штата Техас. Он является автором картин, каждая из которых невероятно точно передает человеческий глаз.

Мастерством рисования глаз и их деталей, Вергара овладел, когда ему было лишь 12 лет. Все гиперреалистичные картины нарисованы обычными цветными карандашами.

Чтобы картины казали еще реалистичнее, художник добавляет на радужные оболочки отражение объектов, на которые смотрит глаз. Это может быть горизонт или горы.

Масляные картины

Автор Роберто Бернарди (Roberto Bernardi)

Работы современного 40-летнего художника, который родился в городе Тодди, Италия, поражают своей реалистичностью и деталями. Стоит отметить, что еще в раннем детстве он начал рисовать, а уже к 19 годам его привлекло движение гиперреализма, и до сих пор он рисует масляные картины в этом стиле.

Картины акрилом

Автор Том Мартин (Tom Martin)

Этот молодой 28-летний художник родом из города Вэйкфилд, Англия. В 2008 году он с отличием окончил Университет Хаддерсфилда (University of Huddersfield), получив степень бакалавра в области искусства и дизайна.

То, что он изображает в своих картинах связанно с образами, которые он видит каждый день. Сам Том ведет здоровый образ жизни, и это влияет на его работы.

В картинах Мартина можно найти кусок стали или разложенные конфеты, и во всем этом он находит что-то свое, особенное.

Его целью не является простое копирование изображения с фотографии, он рисует картины, используя несколько техник рисования и моделирования, которые были разработаны с использованием современных технологий.

Бывает так, что автор показывает зрителю свои гиперреалистичные работы, с ситуациями, которые физически невозможны в настоящем мире. Цель Мартина — заставить зрителя поверить в те вещи, который он перед собой видит.

Картины масляными красками

Автор Педро Кампос (Pedro Campos)

Педро Кампос является испанским художником, проживающим в Мадриде, Испания. Все его картины невероятно похожи на фотографии, но на самом деле все они нарисованы масляными красками.

Начиналась карьера талантливого художника в творческих мастерских, где, будучи еще очень юным, он оформлял ночные клубы и рестораны. После этого он работал в рекламных агентствах, но любовь к гиперреализму и живописи, вероятно, пришла тогда, когда он занимался реставраторством.

В 30 лет он начал серьезно думать о профессии независимого художника. На сегодняшний день ему за сорок, и он является признанным мастером своего дела. Работы Кампоса можно увидеть в популярной лондонской художественной галерее «Plus One».

Для своих картин, художник выбирает предметы со своеобразной текстурой, например, блестящие шарики, искрящаяся стеклянная посуда и т.д. Всем этим, на первый взгляд, обычным неприметным предметам, он дает новую жизнь.

Картины шариковой ручкой

Автор Самуэль Сильва (Samuel Silva)

Самое интересное в работах этого художника это то, что они нарисованы исключительно шариковыми ручками — 8 цветов. Большинство картин 29-летнего Сильвы списаны с фотографий, которые ему наиболее понравились. Чтобы нарисовать один портрет, художнику нужно около 30 часов кропотливой работы.

Стоит отметить, что рисуя шариковыми ручками, художник не имеет право на ошибку, т.к. исправить будет почти невозможно. Самуэль не смешивает чернила. Вместо этого штрихи разных цветов наносятся слоями, что и дает картине эффект богатой палитры цветов.

По профессии молодой художник юрист, а рисование — это лишь его хобби. Первые рисунки были сделаны еще в школьные годы в тетрадях. Кроме ручек, Самуэль пробует рисовать мелом, карандашом, масляными красками и акрилом.

Картины акварелью

Автор Эрик Кристенсен (Eric Christensen)

Рисовать этот художник-самоучка начал в уже далеком 1992 году. Сейчас Кристенсен является одним из самых популярных и модных художников. Кроме всего прочего, Эрик — пока единственный в мире художник-гиперреалист, рисующий исключительно акварельными красками.

Его картины изображают праздный образ жизни, мотивируя зрителя отдохнуть где-нибудь на вилле с бокалом вина в руках. Родом из города Кьери, Бенедиченти решил связать свою жизнь с реализмом. Он родился 1 апреля 1948 года, то есть уже в семидесятых он работал в этом направлении.

Одними из самых известных его картин были те, где он детально изображал пирожные, торты и цветы, причем они настолько точно выглядели, что эти пирожные хотелось съесть.

Закончил Луиджи художественную школу в городе Турине в 70-х. Многие критики начали хорошо отзываться о его картинах, а также появились свои поклонники, но художник не спешил навстречу выставочной суете.

В начале 90-х годов, он решил выставить свои произведения на всеобщее обозрение. Сам автор говорит, что ему хочется передать в своих работах ощущения и волнения маленьких радостей, которые он сам испытывает ежедневно, будучи примерным семьянином, хорошим другом и жителем небольшого итальянского города.

Картины маслом и акварелью

Автор Грегори Тилкер (Gregory Thielker)

Работы художника Грегори Тилкера, который родился в Нью-Джерси в 1979 году, напоминают путешествие на машине в прохладный дождливый вечер. Автор пишет свои гиперреалистичные картины, используя кисть, акварель и масляные краски.

В работах Тилкера можно увидеть автостоянки, автомобили, трассы и улицы сквозь капли дождя на лобовом окне. Стоит отметить, что Тилкер изучал историю искусств в колледже Уильямса, и живопись — в Вашингтонском университете. После того, как он переехал в Бостон, Грегори решил поставить акцент на городских пейзажах, которые и можно увидеть в его работах.

Рисунки карандашом, мелом и углем

Автор Пол Кэдден (Paul Cadden)

Вы, возможно, удивитесь, но на работы известного шотландского художника Пола Кэддена повлияла гениальный советский скульптор Вера Мухина.

Главные цвета в его картинах — это серый и темно серый, а инструмент, которым он рисует – грифельный карандаш, которым он передает даже самые незначительные капли воды, замерзшие на лице человека. Иногда Кэдден берет в руки мел и уголь, чтобы еще реалистичнее сделать изображение.

Стоит отметить, что герой рисует с фотографий. Художник говорит, что его миссия создавать живой сюжет из обычной, плоской фотографии.

Рисунки цветными карандашами

Автор Марчелло Баренжи (Marcello Barenghi)

Главная тема художника гиперреалиста Марчелло Беренжи — это окружающие нас предметы. Нарисованные им картины настолько реальны, что кажется можно взять в руки нарисованный пакет чипсов, или собрать нарисованный кубик Рубика.

Для создания одной картины, Марчелло тратит до 6 часов кропотливой работы. Еще один интересный факт — это то, что сам художник снимает на видео весь процесс создания рисунка и потом выкладывает в сеть 3-минутный ролик.

Источник: https://www.infoniac.ru/news/Eto-NE-fotografiya-kartiny-12-i-luchshih-hudozhnikov-giperrealistov.html

Реализм в живописи: художники картины

Стиль реалистической живописи 19 века распространился почти на все жанры: портреты, пейзажи, натюрморты. Любимые тематики художников-реалистов: картины с жанровыми сценами сельской и городской жизни рабочего класса, крестьян, сцены уличной жизни, кафе и ночных клубов. Реалисты стремились передать мгновение жизни в динамике, максимально правдоподобно подчеркивая особенности внешности действующих лиц, их переживания и чувства.

Картины, изображающие человеческое тело, выделяются чувственностью, эмоциональностью, натуралистичность. Реализм отражает прогрессивное значение и функции искусства. Основоположник стиля, по мнению исследователей – Густав Кюрбе.стили живописи, реализм, художники, картины

Стиль развился в множество подвидов – социалистический, социальный, магический, веризм и другие.

Особенности стиля

Реализм в живописи активно развивался во Франции, Великобритании, России, Италии, США 19 века.

Французские особенности: доминирующим был пейзажный жанр. Художники стремились передать настоящий мир, природу провинции. По мнению живописцев, именно сельские пейзажи демонстрируют «настоящую» Францию.

Живописцы этой эпохи изображали реальных людей, а не идеализированные типы, свободно передавали на полотнах реальные ситуации, лишенные привычной эстетики и универсальных истин.

Временем развития был 19 век, а наиболее видные представители: Жан-Франсуа Милле, Гюстав Курбе, Оноре Домье. Интересным примером реализма в России считаются работы русского художника Ильи Репина. Выделяются картины : тяготение к натурализму и импрессионизму позволило создать узнаваемые, уникальные работы.реализм, стили живописи, картины, художники

Реалистическое направление стало результатом развития импрессионизма, натурализма, романтизма. Сильное влияние импрессионизма наблюдается во Франции.

Основные школы стиля в течение 19 века представлены:

  • Английской Фигуративной школой;
  • Французской школой Курбе;
  • Школой Репина в России;
  • Немецкой во главе с Адольфом фон Менцелем;
  • Американская школа Томаса Икинса.

Многочисленные художники создавали картины в комбинированных стилях. Например, Дега и Жерико соединяли особенности реализма и романтизма в создании пейзажей.

Основные направления реализма

Период конца 19 века – начало 20 столетия заставил живописцев пересмотреть взгляды на суть и глубинный смысл изобразительного искусства. Политические события в мире, мировые войны дали новые тематики для работы и толчок для формирования новых школ живописи:

Веризм

В конце 19 века – вначале 20-го в Италии зародился веризм. Картины достоверно передавали явления и объекты окружающей действительности буквально, без необходимости интерпретации.

Прецизионизм

Развился в США в 20-е годы 20 века. Американские живописцы изображали городские и промышленные ландшафты, используя элементы футуризма и кубизма. Стиль был также известен как «острый фокус-реализм». Наиболее известными представителями направления были Чарльз Шиллер, Чарльз Демут и Джорджия О’Киф.стили живописи, картины, художники, реализм

Социальный

Возник в 1920 е – 1930-е годы 20 века – американское направление времен Великой депрессии. Это натуралистический вид, который сосредотачивается исключительно на социальных вопросах и повседневных трудностях. Наиболее известными представителями были Бен Шан, Джек Левайн и Джейкоб Лоуренс.стили живописи, реализм, картины, художники

Социалистический

Возник во времена эпохи строительства государства СССР, развивался в России в 1925 – 1935 годах. Это форма общественной пропаганды искусства, учрежденная Иосифом Сталиным в период форсированной индустриализации. Монументально-героический стиль искусства в России прославляет советский способ развития общества, человека и труженика в огромных плакатах. Направление развивалось также во Франции и Испании.

Школа Юстон-роуд

Сформировалась в 1938 году, это современная реалистическая группа художников, преподававших или закончивших Школу живописи и рисования в Юстон-роуд (Лондон). Настроены против авангардного искусства, они провозгласили главной задачей изображение традиционных предметов в реалистической манере, делая искусство более социально значимым. Представители: Грэхем Белл, Уильям Колдстрим, Лоуренс Говинг, Родриго Мойнихан, Клод Роджерс.

стили живописи, картины, художники, реализм

Beaux Arts Quartet (1952 – 1955 годы)

Был важным местом для развития современной реалистической живописи. Картины были представлены на персональных выставках четырех молодых художников-реалистов Джона Братби, Деррика Гривза, Эдварда Миддледча, Джека Смита.

Американский современный

Возник в 1960 — начало 1970 — сравнительно простой реалистичный подход искусству, распространенный в среде художников периода пост-абстрактной эры. Представители стиля предпочитают творить в более традиционной манере. Среди известных живописцев Уильям Бейли, Нил Уэлливер и Филипп Перлстайн. Современное направление отличается от фотореализма в силу склонности к преувеличению последнего.

Передвижничество 19 века

Реализм России, представители: Васнецов, Мясоедов, Серов, Репин и другие.стили живописи, картины, художники, реализм

Фотореализм

Возник в 1960-е – 1970-е годы – направление реализма, характеризующееся особой техникой творчества. Цель – максимально правдоподобная передача реальности, копирование фотоснимков.стили живописи, картины, художники, реализм

Гиперреализм

Общий термин, описывающий крайнюю форму реалистической живописи и скульптуры, которая возникла в начале 1970-х годов. Принципиально отличается от фотореализма: последний – точное копирование фото, первый – стремится создать новую действительность такой, чтобы зрители поверили, что картина написана с натуры.стили живописи, картины, художники, реализм

Магический реализм

Имеет черты сюрреализма и реализма в классическом понимании. Картины отображают действительность с фантазийными деталями.стили живописи, художники, картины, реализм

Сюрреализм

Стиль, основанный на теории психоанализа З.Фрейда и интересе к подсознанию, оккультизму. Художники стремились отойти от догматов живописи и представить что-то новое.

Китайский

Реализм в китайской живописи 1990-х годов отличается остросоциальной направленностью с нотками иронии, сатиры.художники, картины, стили живописи, реализм

В коротком видео можно увидеть работы иранских художников реалистов: Мортеза Кэтузиэн, Иман Малеки и Касра Киаи:

Значение

Одно из наиболее известных направлений в развитии живописи 19 века, ставшее основой для развития новых стилей в 20 столетии. Развитие реализма практически во всех частях света стало целой эпохой в искусстве. Реализм не имеет четких истоков живописи или философии – каждая разновидность имеет свой смысл и особенности.

Региональные особенности стиля объясняются специфическими чертами политического и экономического развития, уровнем культуры, идеологии. Картины отличаются точностью и природностью передачи формы и цвета. Реализм стал одним из основных направлений живописи в России, США, стран Западной Европы.

лучших книг о реалистичности и реалистичных техниках рисования ResourcesBooks Раскрытие: Этот пост может содержать партнерские ссылки. Это означает, что если вы покупаете что-то, мы получаем небольшую комиссию без дополнительных затрат для вас (узнайте больше)

Практически каждый художник должен так или иначе практиковать реализм. Рисование из жизни — это, в конечном счете, то, как вы развиваете сырые навыки и превращаете их во все, что вы хотите делать: анимация, концепт-арт, как вы его называете.

Но реализм обучения очень отличается от обучения иллюстрированию или рисованию мультфильмов.Это гораздо больше связано с измерением и копированием именно того, что вы видите перед собой.

С правильными учебными материалами вы можете быстро приступить к реалистичной работе, и поэтому я подготовил этот огромный список книг, чтобы вы начали на правильном пути.

Полное руководство Бриджмена по рисованию из жизни


Джордж Бриджман — уважаемый художник, он опубликовал несколько книг на разные темы. Одна из его самых известных книг — «Полное руководство Бриджмена по рисованию из жизни».

Это новейшее издание книги объединяет в одном томе 6 разных книг . Это идет с удивительной ценой, и уроки действительно эффективны для любого, кто пытается понять рисование жизни.

Каждая глава включает в себя все оригинальные эскизы и визуальные эффекты Бриджмена, а также новейшие качества отпечатков. Это лучшая копия любой книги Бриджмена, которую вы найдете, и она часто является основной для многих художественных колледжей.

Просто отметьте, что цифровая / электронная версия книги ужасна, поэтому рекомендуется использовать распечатанную копию, если вы хотите качественную визуализацию.

Но это, безусловно, одна из самых полных книг по рисованию, которую вы можете найти в Интернете.

Как нарисовать то, что вы видите


Все реалистическое искусство — это, в основном, точное наблюдение и копирование. Это довольно преуменьшение, потому что это, конечно, не так просто!

Но в книге «Как нарисовать то, что вы видите» вы узнаете ценные приемы создания реалистичных рисунков с использованием графита и угля. Эта книга начинается с абсолютных основ, объясняющих формы, тени, перспективу и даже как правильно держать карандаш.

Многое из этой книги на самом деле идет по линии рисования от воображения, где вы научитесь рисовать кубы, сферы и цилиндры, копируя справочные фотографии.

Но мне все еще нравится эта книга в качестве учебного пособия для реалистов, потому что методы переносятся. Это справедливо для большинства сред, потому что визуальное искусство, как правило, является одной всеобъемлющей темой с различными методами для достижения сходных конечных результатов.

ключей к рисунку


Я большой поклонник «Ключей к рисованию» Берта Додсона.Это было в течение почти тридцати лет, и это все еще одна из лучших книг для начинающих, чтобы изучить точные навыки рисования.

Когда вы начинаете рисовать с натуры, ваша работа обычно выглядит как каракули. Это нормально, и книга Берта, пожалуй, единственная, которая говорит вам, что вначале все в порядке. Он включает в себя множество визуальных элементов и пошаговые руководства, которые помогут вам понять фактический процесс рисования.

Я обычно рекомендую это для начинающих художников, только начинающих, но это может также быть полезно для художников, которые не практиковали рисование от жизни очень.

Если вы в основном рисуете кубики и фигуры, вы не сможете нарисовать стул или туфлю из жизни. Но, следуя этим упражнениям, вы научитесь подходить к чему-либо из жизни и точно копировать каждый раз.

Абсолютно необходимая книга для тех, кто только начинает заниматься реалистическим искусством.

Рисование реалистичных текстур карандашом


Мелкие детали рендеринга часто сводятся к типу карандаша и качеству бумаги.Вот почему карандашные рисунки могут сильно различаться, а также я рекомендую рисовать в альбомах с небольшой текстурой на странице.

Рисование реалистичных текстур с помощью карандаша — ваше идеальное руководство по точной визуализации в графите. Эта книга охватывает все типы текстур, включая стекло, пластик, металл, дерево, волосы, как вы ее называете.

Все материалы описаны в самой первой главе, поэтому вы точно будете знать, что вам нужно, чтобы это сработало. Отсюда вы можете пошагово проходить каждый урок или прыгать, используя указатель, чтобы найти уроки, которые вас больше всего интересуют.

Что мне больше всего нравится в этом стиле письма, так это то, что он очень доступен. Любой может взять эту книгу и поработать над ней, плюс эти упражнения стоят того, чтобы их практиковать много раз, так что эта книга просто фантастическая, чтобы вернуться и использовать ее в будущем.

Свет, Тень и Тень


Реализм определяется деталями и тем, сколько усилий вы вкладываете в рендеринг. Но рендеринг — это просто более изящный способ обозначения света и тени, которые похожи на одну и ту же тему, но работают по-разному на странице.

Light, Shade and Shadow — это дешевое руководство для художников-реалистов и иллюстраторов / карикатуристов. Эта книга рассказывает о ценности света и о том, как глубина ценности сильно влияет на ваш предмет.

Реалистическое искусство — это воссоздание жизни, но оно часто включает в себя определенный стиль или глубину. Выбор ценности — огромная часть этого процесса, когда вы работаете с черно-белым. Эта книга предлагает несколько полезных советов о затенении и о том, как думать о ценности в вашей работе.

Некоторые разделы также охватывают основные штриховки на объемах, таких как сферы и цилиндры.Это более уместно для карикатуристов, которые строят формы из своего воображения.

В любом случае, эта книга отлично подходит для тех, кто пытается достичь правдоподобных ценностей в своих карандашных рисунках.

The Realism Challenge


Я обожаю это название, но оно не для слабонервных. «Испытание реализма» Марка Крилли предлагает серию упражнений, которые помогут улучшить ваши реалистичные приемы воссоздания жизни на холсте.

Вам понадобится приличный опыт работы с традиционными работами, предпочтительно масляной или акварельной живописью.Каждый урок направлен на то, чтобы вывести вас из зоны комфорта, приближаясь к реализму с целью гиперреализма.

Большинству концептуальных художников не нужна гиперреалистичная работа. Но нужно понимать реализм, чтобы вы могли создавать картины, которые на самом деле кажутся правдоподобными.

В этой книге много говорится о тенях, формах и выборе цвета с помощью реалистичной живописи. Информация невероятно ценна, но она ожидает, что у читателя будет какой-то традиционный опыт, поэтому, если вы никогда не делали никакой классической живописи, вы можете захотеть начать в другом месте.

Рисование и черчение в карандаше


Артур Гуптилл (Arthur Guptill)

«Рисование и черчение карандашом» предлагает краткую серию инструкций по рисованию карандашом.

Это, конечно, не тема карандашной работы, но в ней есть много продвинутых техник, которые могут поднять ваше художественное мастерство на новый уровень. Книга содержит 210 страниц и более десятка глав.

Автор обсуждает множество стилей рисования карандашом с главами, посвященными рисованию на жизнь и литью, оба из которых являются ценными упражнениями для художников-реалистов.В последующих главах рассказывается о том, как создавать рисунки из справочных фотографий, и о том, как привнести ваши ценности в работу.

В этой книге есть советы по всем предметам: от черновых набросков до готовых кусочков карандаша.

Я бы сказал, что это лучше всего подходит для полуопытных художников, но вы можете многому научиться, даже если вы новичок. Это книга, на которую вы будете часто ссылаться в течение своей творческой карьеры, так что это название, которое вы можете хранить на книжной полке долгие годы.

Уроки классического рисунка


У старых мастеров был блестящий способ преподавать искусство, и этот стиль живет в ателье.В этих академиях учатся многие прекрасные художники, потому что они предлагают лучший вид обучения для профессионального реалистического искусства.

Автор и художник Джульетта Аристидес освещает эту программу в своей книге «Уроки классического рисунка». Он занимает 208 страниц и включает в себя бонус-DVD с видеоматериалами о ее стажировке в Италии.

Если вы хотите улучшить свою реалистическую работу, то учиться в ателье — отличная идея. Но если у вас нет времени / денег, то книга Джульетты — следующий лучший вариант.

Каждая глава охватывает серию уроков, начиная с основ материалов, настройки, измерения, линейной работы и создания мастер-копий. Более поздние главы становятся намного более подробными с упражнениями по значению, тону и записи более конкретных деталей, таких как анатомия человека.

Помните, что ни одна книга не может сделать вас великим художником. Только последовательная практика может сделать это. Но иногда вам нужно подтолкнуть к , что практиковать, и эта книга предлагает гораздо больше, чем просто толчок в правильном направлении.

Рисунок из жизни


Рисование с натуры — это больше традиционная книга для рисования фигур с акцентом на реализм.

Большинство профессиональных художников согласны с тем, что рисование человеческой фигуры является необходимостью для улучшения ваших навыков. У каждого свой способ рисования жизни, но в конечном итоге цель состоит в том, чтобы улучшить ваше общее понимание захвата жизни.

Художникам-реалистам нужно много рисовать, потому что они обучают всему, что вы используете в каждом типе визуального искусства.Эта книга выходит далеко за рамки основ 270 страниц советов, техник и упражнений, которые вы можете практиковать в комнате для фигур.

Вы можете следовать множеству различных подходов к рисованию, и в этой книге собраны в основном все из них.

Это очень хороший ресурс, чтобы держать его рядом с рабочей станцией и использовать в качестве справочного материала во время перерывов в работе модели.

Вы можете рисовать! Простые методы для реалистичных рисунков


Это одна из самых новых книг в моем списке, написанных прекрасным художником Леонардо Перезнието.Вы можете рисовать! Следит за 18 конкретными проектами от начала до конца, ориентированными на любого, от новичков до более опытных художников.

В самых ранних упражнениях рассказывается о цвете, выборе материала, стиле дизайна и о том, как работать с штриховкой, чтобы создать реалистичный эффект на странице.

Но более поздние уроки погружаются в более конкретные предметы, такие как камни, столы, драгоценные камни и даже стакан воды (не легко поддается рисованию!)

В каждой главе особое внимание уделяется рисованию жизни с конечной целью реализма.Если вы сможете выразить реалистичные идеалы в своей работе, вы многому научитесь из этой книги и будете выполнять эти упражнения с вами годами.

Полное руководство по рисованию жизни


Название этой книги может выглядеть как гипербола, но во многих отношениях это полное руководство по всем начинающим аспектам рисования жизни.

Более 300 страниц вы узнаете, как настроить и структурировать свою работу по рисованию, чтобы получить максимальную отдачу от каждого сеанса. Полное руководство по рисованию на жизнь упрощает анатомию и фигуру, так что вы точно узнаете, на что обращать внимание, и, что более важно, на бумаге.

Многие из этих методов сначала основаны на построении, поэтому вы научитесь быстро блокировать определенные области фигуры.

Это не единственный способ рисовать, но он наиболее актуален для начинающих, изучающих реализм вместе с карикатуристами или иллюстраторами, которые не реализуют много реализма в своей основной работе. Определенно хорошее чтение для любых начинающих артистов или тех, кто только начинает рисовать реалистично.

Любая из книг в этом руководстве должна оказаться полезной в поисках улучшения ваших реалистических навыков.

Некоторые художники проводят десятилетия, практикуя реализм, поэтому вы не можете ожидать, что станете маэстро за одну ночь. Но с достаточной практикой и правильными учебными материалами вы можете добиться огромных успехов всего за несколько месяцев последовательной работы.


,

Ультра-реалистичный рисунок на GetDrawings